Книгопечатание было совместным усилием, как мы видим здесь, когда разные люди готовят книгу для печатного станка. Ян Колларт I после Иоанна Страдануса, «Изобретение книгопечатания, " в Новые изобретения современности (Nova Reperta), пластина 4, c. 1600, гравировка на бумаге, 27 х 20 см (Метрополитен-музей)
Печатный станок, возможно, был одним из самых революционных изобретений в истории раннего современного мира. Немецкий ювелир и издатель XV века Иоганнес Гутенберг, известен за создание механического печатного станка, который позволил массовое производство изображений и текстов, технология подвижного типа была впервые применена намного раньше в Восточной Азии. В Китае начала XI века Ремесленник Би Шэн обнаружил, что он может делать отдельные китайские иероглифы из обожженной глины, чтобы создать систему подвижного шрифта. Потом, в Корее тринадцатого века, был изготовлен первый известный металлический подвижный тип.
Страницы из старейшей сохранившейся книги в мире, напечатанные подвижным металлическим шрифтом, Антология учений дзэн великих буддийских священников , 1377, г. 24. 5 x 17 см (Национальная библиотека Франции)
Расширение контактов и обмена между культурами Восточной Азии и Европы через Шелковый путь, начиная с тринадцатого века, привело к распространению таких нововведений в полиграфии. Действительно, к середине 1400-х гг. Гутенберг был в лучшем положении, чтобы разработать свой механический процесс для печати множества одних и тех же текстовых источников и визуальных представлений. который, благодаря портативной и более доступной бумажной подставке, означало, что они могли быть широко распространены, служил одним из первых способов массовой коммуникации в доцифровую эпоху. Публикация гравюр в сочетании с введением подвижных шрифтов открыла беспрецедентные возможности для межкультурного обмена знаниями и идеями. а также художественные стили и конструкции.
Эта иллюстрация взята из книги, изданной Эрхардом Ратдольтом, ранний немецкий типограф из Аугсбурга, и проиллюстрирован семьюдесятью тремя гравюрами на дереве. Здесь мы видим «Соль» или «Солнце, »В Альбумасаре, Флорес астрология (Аугсбург:Эрхард Ратдольт, 18 ноября, 1488), изображение 22 (Коллекция Розенвальда, Отдел редких книг и особых коллекций, Библиотека Конгресса)
Демократизация искусства
До пятнадцатого века произведения искусства, такие как алтари, портреты и другие предметы роскоши были в основном найдены в резиденциях богатых покровителей и в церквях, потому что именно социальная элита и религиозные лидеры общины имели финансовые ресурсы, чтобы заказать эти изысканные предметы. Воспроизводимый формат печати и растущая доступность бумаги позволили растущему среднему классу, кто, возможно, не имел средств для покупки картин или статуй, возможность собирать художественные репрезентации. В то время как крупномасштабные проекты по-прежнему финансировались состоятельными спонсорами, большинство гравюр было куплено на спекуляциях. Как результат, мы видим, что в печати изображен ряд предметов, которые понравились бы разным коллекционерам. Например, желание изучать прошлое, литература, и наука в городах по всей Европе раннего Нового времени побудила художников-граверов снабжать рынок произведений искусства изображениями древней истории, классическая мифология, и мир природы.
Алмазная сутра , 868, г. свиток с гравировкой на дереве, найдены в пещерах Могао (или «Бесподобных») или «Пещерах Тысячи Будд», », Который был крупным буддийским центром с 4 по 14 века вдоль Великого шелкового пути (Британская библиотека).
Гравюра на дереве
Древнейшая форма гравюры - ксилография. Еще во времена династии Тан (начало седьмого века) в Китае, ксилография использовалась для печати текста на кусках ткани, а позже бумага. К восьмому веку ксилография получила распространение в Корее и Японии. Хотя практика печати письменных источников является частью гораздо более древней традиции в Восточной Азии, изготовление печатных изображений с использованием ксилографии было более распространенным явлением в Европе, начавшаяся в конце XIV века в Германии и впоследствии распространившаяся на Нидерланды и к югу от Швейцарских Альп, в районы северной Италии.
Ранние гравюры на дереве часто изображают религиозные сюжеты. Здесь мы видим Деву Марию, держащую своего мертвого сына, Иисус. Южная Германия, Швабия, Пьета , c. 1460, г. гравюра на дереве ручная роспись акварелью, 38,7 x 28,8 см (Кливлендский музей искусств, Кливленд)
Петрус Кристус, Портрет женщины-донора стоя на коленях перед книгой с висящим на стене за ее спиной принтом (деталь), c. 1455, масло на панели, 41,8 x 21,6 см (Национальная художественная галерея)
Во второй половине пятнадцатого века, после того как Гутенберг изобрел печатный станок, ксилография стала наиболее эффективным методом иллюстрирования текстов подвижным шрифтом. Как результат, города в Европе, а именно Майнц, Германия и Венеция, Италия, где печатная графика первоначально стала важными центрами книжного производства. Европейский метод изготовления печатных изображений на бумаге с помощью механического пресса распространился в Восточную Азию к XVI веку. но он не получил широкого распространения в художественных целях до тех пор, пока пару столетий спустя, в период Эдо в Японии, цветные гравюры на дереве (гравюры укиё-э) не стали производиться в большом количестве.
Самые ранние европейские гравюры на ксилографии изображают преимущественно христианские сюжеты. служащие относительно недорогими религиозными изображениями. В то время как сегодня музеи хранят отпечатки в ящиках с контролируемым климатом, чтобы гарантировать, что они будут храниться для будущих поколений, в пятнадцатом и шестнадцатом веках, их складывали и несли паломники в пути, вырезать и вклеить в интерьер обложки книг, или прикрепить к стенам дома. Как следствие, немногие ранние гравюры на дереве сохранились, потому что они часто были уничтожены в результате постоянного использования. Пока что, Основные дошедшие до нас гравюры на дереве раскрывают стилистический характер этого раннего типа гравюры.
Эта гравюра на дереве пережила пожар. На ней изображена Мария с младенцем Иисусом, в окружении святых и сцен из жизни Марии. Неизвестный гравер XV века, Мадонна Огня , до 1428 г., гравюра на дереве раскрашен краской вручную, размеры неизвестны (собор Санта-Кроче, Форли, Италия)
Например, две гравюры на дереве ( Пьета сделано в южной Германии и в Италии в начале пятнадцатого века. Мадонна Огня который якобы пережил пожар, разрушивший здание, в котором он был размещен), и фигуры, и другие живописные элементы имеют толстые очертания. Эти изображения имеют минимальное затенение и узор. они напоминают рисунки по трафарету, на которые коллекционеры часто наносят краску вручную, чтобы усилить эмоциональную привлекательность композиции. Это видно по включению красных полосок краски, которые представляют кровь, капающую из ран Христа в Пьета Распечатать.
Слева:Альбрехт Дюрер, ксилография для Самсон и лев , c. 1497−1498, г. грушевое дерево, 39,1 х 27,9 х 2,5 см (Метрополитен-музей); справа:Альбрехт Дюрер, Самсон и лев , c. 1497−1498, г. гравюра на дереве 40,6 x 30,2 см (Метрополитен-музей)
Современный художник с помощью ручного инструмента вырезает гравюру на японской фанере. Рисунок нарисован мелом на раскрашенной поверхности фанеры (фото:Zephyris, CC BY-SA 3.0)
Тип процесса облегчения, гравюра на дереве получается путем нанесения краски на рельефную поверхность матрицы, что приведет к зеркальному оттиску композиции, когда блок прижимается к листу бумаги с помощью ручного или механического (печатный станок) давления. Штамп - современный образец рельефной печати. Чтобы создать дизайн на деревянном блоке, Художник использует нож или долбежку, чтобы вырезать участки дерева между линиями и формами, которые должны быть напечатаны. При вырезании участков из дерева, нужно быть осторожным, чтобы не сделать выпуклые линии слишком тонкими, иначе они могут сломаться при приложении давления, чтобы произвести впечатление, Вот почему на ранних гравюрах на дереве используются смелые контуры.
Рельефный процесс - один из основных видов гравюры. Чтобы сделать гравюру на дереве, художник закрашивает рельефную поверхность матрицы, которое создает зеркальное впечатление композиции при нажатии блока на лист бумаги ручным или механическим (печатный станок) давлением (видео из Музея современного искусства).
К концу пятнадцатого века немецкий художник Альбрехт Дюрер нашел способ изобразить впечатляющие фактурные и тональные тонкости в своих гравюрах. Вырезав серию тонких линий близко друг к другу в его Самсон и лев , он убедительно изобразил тени на склоне холма.
Белые области на этом отпечатке не связаны, выступая в качестве основных моментов в сцене. Лукас Кранах Старший, Святой Кристофер , c. 1509, г. ксилография с светотенью (Кливлендский музей искусств, Кливленд)
Ксилография кьяроскуро
На что указывает производство раскрашенных вручную гравюр на дереве, таких как Пьета а также Мадонна Огня , некоторые коллекционеры предпочли эстетическую и эмоциональную интригу цветным принтам. В шестнадцатом веке мастера печати в Северной Европе и Италии извлекли выгоду из этого интереса, создав цветные гравюры на дереве, известные как гравюры светотени, потому что они имитируют внешний вид рисунков светотени. В этом типе рисунка цветная бумага служит средним тоном, к которому художник добавляет белый пигмент для получения света ( Chiaro ) тонирует и делает более темным ( Scuro ) значения, добавляя штриховки пером или затемненные участки кистью. То же самое относится и к ксилографии светотени. Лукас Кранах Святой Кристофер , Например, был сделан из двух разных деревянных блоков. Один ксилография, называемый тональным блоком, создал оранжевый полутон. Вторая ксилография, называется линейным блоком, произвел черные линии, это базовый дизайн и штриховка. Незапечатанные области бумаги выступают в качестве бликов.
Пример чернь бляшки, с прорезанными линейными рисунками на металлической поверхности, инкрустированными темной пастообразной субстанцией. Благочестивый диптих с Рождество а также Обожание , c. 1500, Париж, Франция, Серебряный, чернь позолоченный медный сплав, 13,9 х 20,8 х 0,7 см (Коллекция Cloisters, Метрополитен-музей)
Гравировка
Вскоре после того, как были сделаны первые гравюры на дереве, глубина гравировки появилась в Германии в 1430-х годах и использовалась во второй половине пятнадцатого века в других регионах северной и южной Европы (глубина печати - это категория гравюры, которая включает гравировку, сухая игла и травление). Гравировка оставалась распространенным методом печати до конца восемнадцатого века, пока не были изобретены планографические методы, такие как литография. Гравировка уходит корнями в традиции мастерских золотых и серебряных дел мастеров, где чернь бляшки - небольшие пластинки из золота или серебра - были сделаны путем врезания линейного рисунка в металлическую поверхность и инкрустации этих резных канавок темной пастообразной субстанцией для получения четкого изображения.
Художники царапали и травили металлические пластины для создания мелких деталей поверхности (видео из Музея современного искусства).
Буринс, использованный в процессе гравировки (фото:Manfred Brückels, CC BY-SA 3.0)
В отличие от рельефного процесса ксилографии, гравировка производится путем лепки на медную пластину с помощью инструмента с ромбовидным наконечником, называемого резцом, оставляющий после себя V-образный паз. Как только дизайн будет полностью надрезан, вся поверхность пластины окрашена. Следующий, пластина будет протерта, так что останутся только чернила, нанесенные на надрезанные линии. Теперь матрица готова к пропусканию через печатный станок с влажным листом бумаги. Давление пресса толкает бумагу в эти канавки и собирает чернила, в результате получается зеркальное отображение изображения, выгравированного на медной пластине.
Хотя это одна из самых ранних гравюр Шонгауэра, это было очень влиятельно. Микеланджело даже скопировал его. Мартин Шонгауэр, Святой Антоний, терзаемый бесами , c. 1475, г. гравировка 30,0 x 21,8 см (Музей Метрополитен)
По сравнению со сложностью вырезания рельефного рисунка на ксилографии, Техника гравировки позволяла опытным художникам создавать великолепно детализированные и стилистически разнообразные композиции, не опасаясь получить слишком узкие линии, которые ломались бы под давлением механического пресса. Одним из величайших граверов Европы эпохи Возрождения был Мартин Шонгауэр. Его Святой Антоний, терзаемый бесами демонстрирует свою универсальную технику гравировки.
Мартин Шонгауэр, детали Святой Антоний, терзаемый бесами , c. 1475, г. гравировка 30,0 x 21,8 см (Музей Метрополитен)
Для создания различных текстур, Шонгауэр использовал множество знаков, такие как длинные, завитые линии, чтобы передать мягкий мех на демоне, размахивая дубинкой короткими U-образными линиями, чтобы создать чешуйки существа, схватившего левую руку Энтони. Включив участки плотной штриховки на теле Энтони, Schongauer also gave his figure a three-dimensional presence on the flat paper surface.
Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer, who created ornamental designs in the surface of metal armor. Attributed to Kolman Helmschmid, etching attributed to Daniel Hopfer, Cuirass and Tassets (Torso and Hip Defense), with detail of Virgin and Child on the center of the breastplate, c. 1510–20, steel, leather, 105.4 cm high (The Metropolitan Museum of Art)
Etching
Another intaglio process that developed in Germany around 1500 and remained popular throughout the early modern period was etching. While engraving originated from the craft of gold- and silversmithing, etching was closely related to the armorer’s trade. Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer in Augsburg, a city in southern Germany. Hopfer discovered that through etching he was able to create ornamental designs in the surface of metal armor.
To etch an iron or copper printing plate, an acid-resistant substance (usually a varnish or wax) called a ground is applied to its surface. With a stylus or needle an artist draws a design into the ground, removing some of the coating each time a mark is made. After the design is complete, the plate is submerged into an acid bath and a chemical reaction takes place. The acid bites into the exposed metal, creating linear grooves. Once the plate is taken out of the bath and the ground is removed, the incised matrix is ready to be inked and printed in the same way as an engraving. Whereas engraving takes considerable manual labor because the printmaker has to carve into the metal plate, in the etching process, the acid does all of that work, and so it was considered an easier alternative to engraving. Artists who were adept at drawing, but not necessarily trained to engrave plates, found etching to be a suitable medium to make prints, since realizing a design in the ground with a needle was akin to drawing with a pen on paper.
Parmigianino, Entombment , 1529−1530, etching, 27.1 x 20.4 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Just like engraving, which had originated in Germany but quickly became popular among artists in other parts of Europe like Italy, etching also spread throughout the continent soon after its development. Parmigianino was one early sixteenth-century Italian painter and draftsman who tried his hand at etching. Его Entombment shows off his expressive line work. It appears “sketch-like, ” resembling a pen-and-ink drawing rather than an engraving, which is usually characterized by regularized lines and marks of equidistant spacing and length.
First state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
Drypoint
Drypoint is perhaps the simplest method for creating an intaglio print. It developed at the same time as engraving in early fifteenth-century Germany, and like other related processes, drypoint attracted printmakers working across Europe. The technique involves using a stylus or needle to scratch into the surface of the copper matrix to throw up a burr. Just as the sides of a furrow or trench dug into the ground will hold drifts of snow, the raised edges of a drypoint line will retain ink. When making an engraving, the printmaker scrapes away the burr in order to achieve clean lines when the plate is printed. In a drypoint, тем не мение, the burr is left so that when the plate is printed, it produces a rich, velvety line. Unlike engraving, which can yield hundreds of decent impressions, the delicate drypoint burr wears quickly each time a plate is run through the press. For this reason, drypoint was most often used to add finishing touches to compositions after the primary design had been engraved or etched. Пока что, some printmakers like the seventeenth-century Dutch master, Rembrandt, preferred to work entirely in this technique.
Detail, first state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People, 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)
В Christ Presented to the People , the contours of Pontius Pilate, Christ, and the surrounding soldiers reveal the dense, blurred character of the drypoint burr. Because drypoint created few quality impressions, Rembrandt often reworked his plates, making different states of the same image in order to produce more legible representations. The first state was printed early on in the plate’s lifetime before the burr began to wear. In the fourth state, the once-strong velvety lines have all but disappeared and changes to the architecture are visible. Most noticeably, the balustrade depicted near the upper right does not appear in the first state.
Fourth state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint iv/viii, 35.8 x 45.4 cm (British Museum, London)
Mezzotint
Mezzotint rockers (photo:Toni Pecoraro)
The term mezzotint is a compound of the Italian words mezzo (“half”) and тинта (“tone”), and describes a type of intaglio print made through gradations of light and shade rather than line. To produce a mezzotint, an artist roughens the entire surface of a copper plate with a tool called a “rocker, ” a chisel-like implement with a semi-circular serrated edge. This tool is rocked back and forth across the plate until it has been completely worked, creating a surface full of burr that will hold ink. If you were to print an impression at this stage, it would appear as a field of rich black. To create a legible image, the printmaker must work from darkness to light with the aid of a scraper—a triangular-shaped blade fixed in a knife handle—and a burnisher—a blunt instrument with a hard, rounded end. By removing or smoothing out the burr, the artist weakens the plate’s capability to hold ink when the plate is wiped, and those areas will print a lighter tone.
Left:Richard Earlom after Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, mezzotint ii/ii (Cleveland Museum of Art, Cleveland); right:Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, oil on canvas, 128.3 x 104.1 cm (Yale Center for British Art, New Haven)
Although mezzotint originated in Amsterdam during the second quarter of the seventeenth century, it found particular appeal in eighteenth-century London, so much so that the medium was even nicknamed “the English manner.” When the Dutch-born sovereign William III became King of England in the late 1600s, numerous printmakers from the northern provinces of the Netherlands relocated to London in hopes of achieving royal patronage. During successive decades, native English artists learned from their Dutch contemporaries about how to make mezzotints and several technical manuals on the subject were also published locally. By the beginning of the eighteenth century, England had earned the reputation as a prolific center for mezzotint production. Richard Earlom was one English printmaker who had a successful career making mezzotint reproductions of oil paintings. The Blacksmith Shop from 1771 is based on Joseph Wright of Derby’s painting of the same subject. Wright’s pictures, which exhibit dramatic lighting effects, were ideally suited to be translated into mezzotint because the medium could capture the subtle tonal variations and lustrous appearance of his oil paintings.
Aquatint
Aquatint is a variant of the etching process that produces broad areas of tone that resemble the visual effects of watercolor. It involves the use of a powdered resin that is adhered to the plate through controlled heating. As the resin bonds to the plate, it creates a network of linear channels of exposed metal (think of how a cake of mud that is dried in the sun has a web of cracks). Once the plate is bitten by acid, the areas of exposed metal form deep grooves that are capable of holding ink.
Francisco de Goya is famous for his artworks using aquatint. Goya, Los Caprichos:The Sleep of Reason Produces Monsters , 1799, etching and aquatint, 21.2 x 15.0 cm (British Museum, London)
Aquatint was first introduced in the mid-seventeenth century in Amsterdam. Пока что, unlike other printmaking techniques that found immediate attraction, it would take some time before aquatint became more widely used. By the late eighteenth century, several English etchers had become drawn to the more painterly qualities of aquatint, but the medium arguably achieved its greatest acclaim under the Spanish artist, Francisco de Goya. Сделать The Sleep of Reason Produces Monsters , Goya first etched his sleeping artist, the bats, and haunting cat with quick lines. Оттуда, he switched to aquatint to render the ominous shadow that envelops the entire composition and the white letters on the front of the artist’s desk.
An example of a multi-sheet composition. Albrecht Dürer, Large Triumphal Carriage , c. 1518−1522, woodcut (Metropolitan Museum of Art, Нью-Йорк)
The business of printmaking
Printmaking in early modern Europe was a complex enterprise that involved a number of different agents. It was not always the case that the individual responsible for carving the woodblock or incising the metal plate was the designer of the composition. When Dürer was commissioned by Holy Roman Emperor Maximilian I to design a complex, multi-sheet composition of the Large Triumphal Carriage , he teamed up with a talented workshop of block carvers to help him execute that grand-scale project. In some workshops, the figure who undertook the physical process of printing the blocks and plates may have only done that job. Кроме того, there may have been a separate position dedicated to print publishing, that is selling and distributing the prints. Depending on the size of a workshop and the equipment available, some printmakers or publishers had to contract out some of those tasks. Например, if a publishing shop did not own a press, it had to collaborate with another local shop to produce its prints. Early printmaking revolved around a sophisticated network of artists and businessmen, and this legacy is still seen today. Many contemporary printmakers partner with a printing shop to create their work and/or a commercial gallery to exhibit and sell their art.
Martin Luther was an Augustinian monk and professor of theology in Wittenberg. He posted his 95 Theses on the door of the castle church in Wittenberg—at least, this is how the tradition tells the story—that took issue with the way in which the Catholic Church thought about salvation, and it specifically took issue with the selling of indulgences. Lucas Cranach the Elder, Martin Luther as an Augustinian Monk , 1520, engraving, 15.8 x 10.7 cm (Metropolitan Museum of Art)
The advent of print not only transformed how images were made, but it created new possibilities for art collecting and mass communication. Scholars have long recognized how the mass distribution of printed pamphlets criticizing the Roman Church’s sale of indulgences and the pope’s supremacy along with printed portraits of Martin Luther, such as Cranach’s Martin Luther as an Augustinian Monk , spurred on a religious revolution in northern Europe by promoting the agenda of Protestant Reformers.
Books made in early colonial Mexico often stressed the importance of images in the process of converting Indigenous peoples. Juan Bautista, Confessionario en lengua mexicana y castellana [Preparation of the penitents in Nahuatl and Spanish] (Santiago Tlatelolco:Melchor Ocharte, 1599), 1v–2r (John Carter Brown Library)
The portability, reproducibility, and affordability of printed compositions contributed to the exchange of information and ideas between cultures of distant geographies. European missionaries who journeyed to the Americas beginning in the sixteenth century brought with them prints of biblical figures that were subsequently disseminated among Indigenous populations in an effort to convert those local communities to Christianity. This kind of imagery also introduced Indigenous artists to new iconographies, visual traditions, and technologies that greatly impacted the artistic production in the Americas. По факту, during the mid-sixteenth century, the first printing shop was established in modern-day Mexico City and a few decades later Peru transformed into another important center for printmaking in the southern hemisphere. What we consider to be “mass media” today, certainly has its origins in the early modern world of printmaking.
