Тициан Вечеллио да Кадоре - один из величайших художников всех времен, наряду с такими легендами итальянского Возрождения, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Тициан, признанный гений своего времени, назывался «королем художников и живописцем королей». Открытия этого титана живописи в области изобразительного искусства, тем или иным способом, повлиял на творчество всех последующих художников. Тициан сыграл большую роль в развитии мифологического жанра, пейзаж и портрет. Кстати, быть запечатленным кистью мастера было высшей наградой для его современников.
Тициан - Галерея картин на Gallerix.ru
Художник прожил долгую жизнь, сохраняя до последнего дня ясность мышления, чувствительность восприятия, острота зрения и потрясающая работоспособность. Это позволило Тициану не выпускать кисть из рук до конца своих дней и оставить потомкам обширное художественное наследие. В своих творениях хрупкость и торжественность, духовность и повседневность действительности, удивительным образом соединились трагедия и красота человека и мира. Недаром, работы художника копировались бесчисленное количество раз.
Жизнь и творчество художника пришлось на период наивысшего расцвета Венеции, само великолепие его силы и славы, время глобальных изменений и исторических событий. По разным данным, Тициан родился в 1477 или 1480 году. Его родители принадлежали к старинной семье, которая жила в небольшом городке Пьеве-ди-Калоре, расположен в Альпах. Мальчик рано проявил способности к рисованию, и в десятилетнем возрасте родители отправили его учиться в Венецию. Основы изобразительного искусства молодой Тициан постиг в мастерской Джованни Беллини, сыгравшие значительную роль в судьбе юного артиста, Знакомит его с уже известным художником Джорджоне. Эта встреча сыграла большую роль в жизни Тициана, благодаря ей он рано нашел свой стиль и получил признание. И хотя два талантливых художника не сдружились - привычки, характеры и взгляды на жизнь были слишком разными - нельзя недооценивать роль, которую Джорджоне сыграл в жизни Тициана. Об уважении последнего к своему старшему товарищу можно судить по сохранившимся свидетельствам того, как тяжело Тициан перенес неожиданную смерть Джорджоне (великий художник умер неожиданно, когда ему было всего тридцать пять лет).
Своеобразной данью таланту Джорджоне и той важной роли, которую он сыграл в судьбе Тициана, явилась реставрация художником «Спящей Венеры» Джорджоне. который сгорел в огне. Тициан полностью переписал полотно, непоправимо поврежденное огнем, сохраняя только позу героини и ее нежное лицо. Скромный художник не стал подписывать картину своим именем и ни разу не упомянул о почти полном авторстве шедевра, приписываемого кисти Джорджоне. Возможно, эта работа была первой вехой в последовавшей неразберихе, из-за чего, в течение многих десятилетий, Картины Тициана, отличаются редким совершенством исполнения, часто приписывались кистям Джорджоне.
Но вернемся немного назад, а именно в 1508 г., в «золотой век» итальянского Возрождения, когда признанный художник пригласил юного Тициана помочь ему в оформлении Немецкого подворья в Венеции. Джорджоне начал проектировать свою часть Немецкого подворья намного раньше, чем его младший товарищ, выбрав для себя главный фасад здания, который смотрится более выигрышно. Тициану оставили заднюю часть двора, выходившую на узкую улочку, который всегда был заполнен людьми. Джорджоне, который был не только талантливым художником, но еще и очаровательный мужчина, его всегда окружало множество друзей, которые то и дело приходили на работу, чтобы похвалить художника и поднять его творческий дух. Тициан, отличается своим молчанием и замкнутостью, работал в основном в одиночестве. Не удивительно, опытный и более уверенный в себе Джорджоне закончил работу намного раньше, чем его молодой коллега.
Когда реставрация Немецкого подворья была окончательно завершена, вся Венеция бежала, чтобы увидеть это чудо. Восторгу публики не было предела и, по многочисленным свидетельствам, Картина Тициана была самой сенсационной. Чтобы оценить фрески, создана специальная комиссия, во главе с Беллини. Воспоминания одного из свидетелей, присутствовавших там в тот день - Дольче сохранились:«Тициан изобразил великолепную Юдифь, она выше всяких похвал. Цвет и дизайн были настолько безупречны, что как только она предстала перед публикой, все друзья Джорджоне, который единогласно решил, что это его работа, сразу начал поздравлять художника, уверяя его, что это лучшее из всех его творений. " К несчастью, в настоящее время мы не можем судить о работе двух мастеров, потому что всего через тридцать или сорок лет фрески были почти полностью утрачены из-за очень влажных, пропитанный морской солью, Венецианский воздух, ржавая краска. Но даже из уцелевших отдельных фрагментов, видно, что Тициан блестяще выдержал это нелегкое испытание, заявив о себе как о талантливом художнике с глубоко индивидуальным стилем.
И вес, благодаря участию в этом проекте, очень рано заговорили о творчестве Тициана, так как первые работы мастера отличались редкой реалистичностью и тщательной передачей деталей, что было редко возможно для молодых художников. Не последнюю роль в раннем признании художника сыграла исключительно благоприятная для творческих людей ситуация в стране. В течение этого периода, Венеция жила в мире и достатке, благодаря мощному флоту, развитая торговля и сильное экономическое положение.
Создайте неповторимый стиль
Было время, когда поэты, писатели, музыканты и художники изображали счастливых людей на фоне безмятежной природы, а главными темами для произведений искусства была любовь, красота и поэзия отношений. В такой среде начался творческий путь юного Тициана.
Изначально, художник увлекся изображением природы, и волшебное время перед закатом, когда небо стало ярким, насыщенный цвет, стало его любимым временем дня. Вы можете догадаться, что любимым временем года Тициана была осень, с его буйством и разноцветными красками. Правда, любовь к пейзажам длилась недолго, со временем, мастер стал отдавать предпочтение другому жанру, а именно портрет.
Люди стали привлекать художника, с их богатым и сложным внутренним миром. Среди ранних работ художника «Портрет мужчины в платье с синими рукавами», на котором изображен один из лучших друзей художника, поэт Людовико Ариосто, опираясь на парапет с инициалами «ТВ», выделяется как особый навык. Правда, есть версия, что на картине изображен сам Тициан, который сейчас хранится в Национальной галерее в Лондоне. Вопрос остается спорным, но не фундаментальный, поскольку главное в этой работе не ее объект, но манера письма молодой художницы и мастерство, с которым она была исполнена. Изящный колорит картины, легкость мазков, простая и гармоничная композиция, красиво раскрашенная ткань мужской одежды, глядя на зрителя немного сверху, все это характеризует уже выдающийся талант Тициана.
Со временем, Работы Тициана начали наполняться все большим повествованием, динамика напряжение и драма. Природа на них уже не была тихой и неподвижной, он был наполнен жизнью, и люди на его фоне были наполнены чувствами и движениями. Например, в картине «Три возраста человека» (1512 г., г. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург), показаны течение времени и краткость человеческого века. Сюжет картины, разворачиваясь на фоне солнечного пейзажа, следует читать справа налево. Двое младенцев, спит сладким сном на переднем плане справа, изображают безмятежное начало жизни, когда человек еще не знает, какие радости и печали ждут его в будущем. Маленький ангелок охраняет покой и безопасность малышей, вокруг которого едва пробивается молодая трава. В левой части композиции на переднем плане, под густой кроной дерева, молодая влюбленная пара. Эта часть изображения представляет середину жизни, когда мы молоды, полный сил, желания, здоровье и энергия. А на заднем плане сидит старик с двумя черепами в руках. Черепа символизируют неизбежность смерти, ожидающей каждого человека, когда его жизнь подходит к концу. Голова старика опущена на грудь, выражая печаль и безнадежность старости. Смысл картины прост - все мы рождены, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, отражаясь на других полотнах, Например, «Аллегория времени и разума, », Которые мы рассмотрим позже.
Картина «Загородный концерт» (ок. 1510 г., г. Лувр, Париж) также относится к начальному периоду творчества художника, в котором Тициану удалось передать удивительно гармоничное слияние человека с природой в красивое и тихое вечернее время. Вот перед нами два молодых человека в красивой бледно-зеленой и яркой одежде, красно-оранжевые цвета. Один из них - музыкант, он собирается дотронуться до струн своей лютни, другой сельский житель, он готов внимательно слушать. На переднем плане - обнаженная женщина, в ее руках флейта, скорее всего это Муза. Она стоит спиной к зрителю и внимательно смотрит на музыканта. Слева от композиции - еще одна обнаженная девственница, в ее руках сосуд с водой, символизирующий идею очищения всего живого посредством общения с искусством. Нагота девушек на фоне природы выглядит очень гармонично и является важной аллегорией выражения целомудренного чувства.
Завершает композицию фон, возвращая нас из этой удивительной и поэтической атмосферы к прозе жизни, от которого никуда не спрятаться. Пастух, блуждая со своим стадом под густыми кронами деревьев, стал олицетворением земли на картине. В глубине картины видны крыши простых крестьянских домов, люди, живущие в них, даже не подозревают о существовании этого райского уголка природы. Когда вы смотрите на картинку, возникает ощущение, что хоть герой не успел начать играть на лютне, завораживающие звуки музыки уже успели заполнить все пространство. Изначально, эта картина была приписана кисти Джорджоне, так как это очень сильно влияет на его методы - образ идеального мира, наполненного мечтами и иллюзиями, существующие вне реального времени и пространства.
Тема противопоставления высокого и земного нашла отражение в другом произведении Тициана, относящиеся к тому же периоду. На картине «Прерванный концерт» (около 1510 г. Палаццо Питти, Флоренция), мы видим молодого монаха, увлеченно играющего на спинете. За ним стоит пожилой мужчина, который пытается остановить игру молодого человека, дотрагиваясь до его плеча. Монах нехотя отрывается от своего занятия:его тонкие пальцы продолжают трепетать над клавишами, хотя его голова уже повернута в сторону. Лицо старшего товарища сурово, Причина в том, что молодой человек стоит слева, в одежде патриция с высокомерным и пустым взглядом, обернулся мимо музыкантов, с иронической улыбкой на губах.
Основная идея картины в том, что возвышенный мир искусства, гармония красоту и любовь всегда можно разрушить грубой реальностью, прорвавшейся самым неожиданным образом. Итак, на картинке равнодушие патриция, вдали от мира музыки, а также, по факту, равнодушен к этому, заставляет человека с лютней в руках останавливать очарованного товарища, чтобы не тратить силы и вдохновение на человека, который не способен это оценить.
Возможно, на сюжет картины повлияли произведения философа Платона, изданный в то время в Венеции, который в своих «Законах» выразил мысль о том, что «самое прекрасное искусство - это то, что видят только избранные».
Одна из первых библейских картин Тициана - картина под названием «Не трогай меня» (около 1512 г., Национальная галерея, Лондон). В основе полотна - эпизод из Евангелия, в котором Иисус Христос является Марии Магдалине, и она, чтобы убедиться, что Он действительно жив, а не сон, тянется к Нему. Но Иисус стыдливо прикрыл свою наготу пеленой, он говорит:«Не трогай меня, ибо я еще не поднялся к Отцу моему ». Фоном для сюжета является пейзаж - высокое дерево, изображенное в центре полотна, справа на холме поднимаются дома, и море видно вдалеке. Фигуры Марии и Христа на переднем плане буквально светятся, мастерски подобранные цвета в золотом, Коричневые и охристые тона надолго заставили искусствоведов думать, что картина принадлежит кисти Джорджоне.
Любовь и зависть власть имущих
Тициан, с раннего детства ласково относились к власть имущим, Ему много раз предлагали покинуть любимую Венецию и поселиться под крылом того или иного покровителя. Но художник слишком любил этот город и рассчитывал построить здесь свою жизнь и карьеру. Следовательно, добившись признания, живописец написал обращение к правителям города, в котором он предлагал взяться за сложнейшую работу по планированию зала Великого Совета. Наряду с этим, он попросил рассмотреть его кандидатуру на вакантную должность посредника по поставке соли в Немецком подворье к тому времени. С первого взгляда, это странно, но эта административная должность в Венеции была занята, как правило, художниками. Это было связано со спецификой их работы, требующие знания минералов, будь то соль или краска. Промежуточная позиция была лакомым кусочком для любого художника того времени. Она дала право на получение годовой зарплаты и почетного звания официального художника Республики Святого Марка. И это, по очереди, предоставил художнику работу - он автоматически получил большую часть госзаказа, включая портреты всех новых дожей для зала Большого Совета. Кроме того, казна оплатила многие расходы художника:аренду мастерской, покупка холстов и красок, а также некоторые другие нужды.
Так что, в 1513 г., Тициану невероятно повезло - Правительственный совет принял его предложение. Счастливый художник начал селиться на новом месте. В его мастерскую пришло много учеников, молодые художники мечтали работать с таким признанным и известным мастером, более зрелые живописцы завидовали его выгодному и почетному положению. Но, к несчастью, Радость Тициана длилась недолго. Другой маститый художник, Джованни Беллини, в чьей мастерской работал молодой Тициан, возмутился этим назначением, и он обратился к своему покровителю - одному из влиятельных венецианских дожей - с просьбой оспорить решение Собора. Как результат, разразился скандал, и решение о назначении Тициана было быстро отменено. Этому также способствовало изменение состава Великого Совета, что случилось не в то время для молодого художника. Тициан был в ярости, но не отказался от своих амбициозных планов. Результатом его борьбы стало его новое назначение на должность солевого посредника. что произошло всего четыре года спустя, в 1517 г.
Тициан частично выразил свой гнев на власть имущих в своей работе «Динарий Цезаря». Создана в 1516 году (сейчас картина находится в Дрезденской картинной галерее). Холст написан необычайно богатой и богатой палитрой, благодаря чему изображение кажется очень рельефным. Композиция картины проста и выразительна. Две фигуры, показано по пояс, кажется, сталкиваются с холстом. Это две противоположности - добродетели в образе Христа, стоящего в центре, и жадность в образе фарисея, как бы вторгаясь в картинку справа. Лицемер протягивает динарий Христу, вся его внешность вызывающая и неприятная. Христос, Напротив, олицетворение чистоты и искренности, его фигура на темном фоне, как было, освещает все полотно. Он спокойно смотрит на фарисея, в его глазах уверенность и тупой вопрос:«Зачем ты меня соблазняешь?» Смысл рисунка прост и понятен - Господь знает все наши мысли, потому что Он Всевидящий, и его ответ прост, но глубокомысленно:"Дай Цезарю то, что Цезарь, но Бог Бог ". Исходя из традиционного библейского сюжета, в ней художник отразил свои сокровенные мысли о добре и зле. Общий цвет рисунка настораживает. Яркий, как будто наполненный светом, одежды Христа, вкупе с безупречным просветленным лицом, резко контрастируют с коричнево-золотыми оттенками, изображающими фарисея, воплощая все зло и несправедливость мира. Внешний вид красочный - шершавый нос с горбинкой, высокий лоб, серьга в ухе, загорелая кожа, жилистая рука протягивает монету. Неслучайно две фигуры, один из которых олицетворяет добро и благородство, а другой - вся подлость и подлость, на которые способен человек, занимают совсем другое место на холсте. Не случайно Тициан изображает фарисея, прижимает его к краю картины, тем самым показывая свое отношение к вопросу о борьбе добра и зла, его бесконечная вера в то, что божественный принцип, хранящийся в каждом человеке, может победить все пороки мира.
В поисках личного счастья
Личная жизнь артиста сложилась не сразу. Долгое время он не мог найти свою возлюбленную по душе. В первый раз, Мысль о замужестве посетила Тициан, когда он встретил дочь своего друга - совсем юную девушку по имени Виолана. К несчастью, не было доказательств того, что его любовь была взаимной, но судя по тому, что Виолана часто бывала в мастерской художника и позировала ему для ряда работ, Тициан был ей небезразличен. Правда, несмотря на это, брак не состоялся. Биографы Тициана могут только догадываться о причинах такого исхода. но скорее всего, родители девушки выступили против союза.
Свою любовь и страсть к Виоланте художник увековечил в картине Флора, написана примерно в 1515 году (сейчас работа принадлежит галерее Уффици во Флоренции). Это произведение стало настоящим шедевром юного Тициана. Картина пропитана чувственностью и восхищением женской красотой. Красивая златовласая девушка держит в правой руке букет первых весенних цветов, другой рукой она держит плащ, сползающий с плеча, почти обнажая полную грудь. Позже образ Виоланы появился во многих произведениях мастера («Любовь небесная и любовь земная», «Соломей», «Молодая женщина с зеркалом», «Виолана» и др.), как воплощение истинной красоты и женственности. Но самой известной из них стала Флора, холст многократно копировали и копировали другие художники.
Вторая значимая работа художника, написано в тот же период времени, была «Любовь Небесная и Любовь Земная» (около 1515 г., Галерея Боргезе, Рим). Идеологическим вдохновением для картины послужили Бембо «Азоланские нимфы» и роман «Любовные битвы в сновидениях Полифила». которые активно обсуждались в венецианских салонах. Корни обоих лежат в римской мифологии, в котором две Венеры олицетворяли единство противоположностей - возвышенных платонических чувств и плотских желаний и страстей.
Полотно расписано удивительно яркими и светлыми красками, передающими радостное восприятие жизни и окружающего мира, он полон аллегорий и символов, Ведь он был создан по заказу человека, хорошо разбирающегося в искусстве. На переднем плане картины - фигуры двух красивых женщин, сидящих у источника. Слева прекрасная Виолана в образе земной любви. Ее платье перехватывало пояс с металлической пряжкой, который изображает символ супружества, его эмблема - венок из веток мирта на ее голове. Небесная Любовь в правой части картины торжественно держит зажженный светильник в поднятой руке, как бы благословляя земную любовь на взаимность. Трудно не заметить, что, несмотря на то, что две женщины на холсте, как было, противоположности друг друга - по сути, они на одном лице, разница только в нарядах героинь. Небесная Любовь обнажена, только кусок белой ткани покрывает ее бедра - это символ ее чистоты и невинности, ее красная накидка резко контрастирует со скромными и сдержанными цветами одежды земной любви.
Как на любом полотне той эпохи, фон играл не менее важную роль в символическом значении картины, чем ее главные герои. Чувственный и в то же время необычайно чистый пейзаж разделен на две части могучим деревом. В «земной» половине картины изображен богатый дом и приближающийся к нему всадник, что очевидно любящая и верная жена ждет за воротами. Зайцы, оставил за собой фигуру земной любви, означает плодородие. Пейзаж в правой части картины включает колокольню церкви среди горных хребтов, озеро и стадо овец, и пастырь их охраняет. Амур в центре полотна ловит опавшие лепестки роз из воды.
В этой необычайно гармоничной композиции мастер очень элегантно пытается решить для себя актуальную этическую дилемму о соотношении возвышенного чувства и плотской страсти. Лирическое произведение наполнено множеством очень реалистичных деталей, характеризующих нынешний авторский стиль Тициана, а также его богатая палитра. Заказчик полотна, чиновник, влюбленный в Большой Совет, остался очень доволен картиной, даже не подозревая, что он станет великим шедевром мировой живописи.
В то же время, картина «Мадонна с вишнями» написана (1515 г., г. Художественно-исторический музей, Вена). Полотно отличается яркостью колористического решения и точной детализацией всех фигур и предметов. который, несомненно, говорит о большом таланте и мастерстве его автора.
Что касается истории о несбывшейся любви Тициана и юной Виоланы, она, встретив сопротивление других и родственников, сам по себе сошёл на нет. Мастер вернулся домой, даже не подозревая, что именно там его ждала судьба. Старший брат художника привел к себе в дом новую экономку - простую девушку, Чечилия. С ней, дом художника был наполнен чистотой и уютом, его очаг ожил, кухня была полна аппетитных ароматов. Тициана поразила простота, непосредственность, скромность и благородство Чечили. Но тогда он еще не знал, что именно она станет его спутницей на всю жизнь, верный друг и мать троих детей.
Официальный художник Республики Сан-Марко.
В 1517 г. Тициан, окончательно утвержден в качестве официального художника Республики Сан-Марко, работал над созданием алтарного образа Вознесения Богородицы (1516-1518, г. Церковь Санта-Мария-Глориоза деи Фрари в Венеции). В день открытия церковь была переполнена именитыми гостями и простыми людьми. Когда с алтаря торжественно сняли покрывало, присутствующие буквально ахнули от ослепляющего света, который он излучал. Эмоциональная напряженность достигла своего пика, выраженного в криках восторга и негодования, Такой потрясающий эффект произвело новое творение художника. Это стало новой вехой в истории венецианской и мировой живописи. в котором будет сложно найти произведение, отличающееся таким же мощным эмоциональным воздействием. Искусство тогда знаменитых Беллини и Карпаччо никогда не достигало таких высот, А в мировой живописи того времени не было других примеров столь масштабной и монументальной картины.
Состав произведения разделен на три части. В нижней части трехметровые фигуры одиннадцати апостолов, сопровождая Богородицу, восхождение на небеса. Мастер прекрасно передал свои эмоции через напряженные, взволнованные выражения их лиц. Апостолы казнены настолько реалистично, что зрителю кажется, что он теперь услышит их отчаянные стоны и восклицания. В центре фрески изображена величественная фигура Богородицы, прощаюсь с этим миром и в сопровождении ангелов к Богу. Выражение ее лица спокойное, в ее взгляде мир и тихая радость от предстоящей встречи с Небесным Отцом. И наконец, в верхней части композиции изображен Господь, ждет деву Марию с двумя ангелами. К несчастью, картина не сохранилась. Время на нее сильно повлияло, цвета поблекли и осыпались, Кроме того, по многим причинам, огромное полотно постоянно возили с места на место, что тоже не могло не сказаться на его сохранности. Тем не мение, Нет сомнений в том, что этим шедевром Тициан доказал своим соотечественникам, насколько заслуженно он получил должность главного художника республики Святого Марка.
Шедевры художника рождались одно за другим. В 1520 г. был написан великолепный «Портрет мужчины в перчатках» (Лувр, Париж), на котором изображен типичный представитель интеллигенции того времени, который был близок по духу самому Тициану. Изображенный мужчина погружен в собственные мысли, он мечтательный и задумчивый, в руках перчатки, но он, кажется, забыл о них. Несмотря на кажущуюся отстраненность, В его лице ярко выражена активная жизненная позиция. Он производит впечатление человека очень самодостаточного, самоуверенный и знающий в жизни. На этом изображении Тициан представил некоего героя своего времени, тот, кого он так хотел бы встретить в венецианском обществе:образованный, тонкий, умный и глубокий человек, сохранивший достоинство и духовное благородство, несмотря на очень тяжелое время, когда ложь царит повсюду, лицемерие и гнев.
Помимо портретов и религиозной живописи, с 1520 по 1523 год, Тициан создает несколько картин с мифологическим сюжетом. Мифология и аллегория были бесспорным коньком мастера, тем не мение, после создания картин «Вакх и Ариадна» и «Вакханалия на острове Андрос», художник надолго отклонился от мифологических сюжетов. Биографы Тициана объясняют это тем, что художник активно участвовал в жизни общества, проблемы которого его постоянно волновали. Слепая радость и безудержное веселье мифологических героев были слишком далеки от реальности, окружающей художника своими пороками и проблемами.
Сюжет картины «Вакх и Ариадна» (1520-1523, г. Национальная галерея, Лондон) показывает нам победоносное возвращение Вакха (в древнегреческой мифологии Диониса) из Индии на остров Наксос, где Ариадна тоскует одна. Колесница Вакха, запряженный двумя леопардами, уже спокойно стоит на берегу, а сам бог стремительно перескакивает от нее к своей возлюбленной Ариадне. Подходящий эскорт Вакха - веселая компания сатиров и вакханалий. Бегут за вождем, кто, подняв над головой голень, и кто пытается вырваться из хватки удава. Ниже, маленький сатир, еще ребенок, тащит голову теленка, на что собака лает, на земле. Мальчик озорным взглядом смотрит на зрителя с лукавой ухмылкой, как будто ждал отклика общественности на свою затею.
Пурпурная накидка обнаженного Вакха развевается на ветру, вся его фигура необычайно динамична, это отражает его нетерпение. Фигура Ариадны, Напротив, отворачивается от зрителя, как бы закрытые от него. Кажется, что Вакх, с его быстротой, пугает ее. Ариадна, в шоке от всего происходящего, прячется за ее руку, не зная, что делать дальше. Фоном для действия служит пейзаж с изображением могучих деревьев, далекая деревня, горы на горизонте и море.
Второй мифологической картиной этого периода была «Вакханалия на острове Андрос» (1523 г., г. Музей Прадо, Мадрид). На полотне изображена оргия жителей острова, их многочисленные тела занимают почти все пространство картины. Здесь, мужчины и женщины, которые пьют, веселиться и зверства. На заднем плане справа на холме лежала голая пьяная Селен, в правой передней части полотна изображена обнаженная девушка, она уже изрядно выпила вина и заснула прямо здесь, на белом одеяле, очевидно забыв о своей наготе. В центре, рядом со спящим, маленький ребенок успокаивается.
В конце этого года художник узнал печальную новость - талантливый итальянский живописец, представитель классической венецианской школы Витторе Карпаччо, умер. Именно ему Тициан посвятил свою новую картину, «Положение в гробе» (1523 г., г. Музей Лувр, Париж).
Состав картины богатый, выполнен в красно-оранжевых и черных тонах, передающий драматизм и тревогу динамичного сюжета. Фона почти нет, только небо серое и темное, почти черный лес в правом углу. Слева - скорбные фигуры Богородицы и утешающей ее Марии Магдалины, кто поддерживает ее за плечи. Оба они с ужасом наблюдают, как трое учеников несут безжизненное тело Христа, чтобы положить его в гробницу. Передний план картины наполнен сиянием, исходящим от Тела Христова, как будто светится изнутри. Кажется, что светится изнутри, наполнение переднего плана полотна сиянием. Картина построена на сочетании красного и черного цветов, Передающий драматический эпизод тревожный и динамичный.
Портреты дожей для зала Великого Совета занимали большую долю в творчестве Тициана как придворного художника. но, к несчастью, почти все они сгорели во время многочисленных пожаров. В галерее сохранившихся придворных портретов кисти Тициана почетное место занимает «Портрет Федерико II Гонзага» (около 1525-1529 гг. Музей Прадо, Мадрид), на котором дож запечатлен со своей любимой болонкой. Гонзага изображен почти в полный рост. Его темно-синяя одежда, украшен изумительными орнаментами, придать образу роскошь и некую торжественность. Лицо дожа с тонкими аристократическими чертами лица и аккуратной ухоженной бородой полно самооценки. Он смотрит на зрителя отстраненным взглядом. Изящные ухоженные пальцы Гонзага гладят собаку, which is pressed against the owner with his whole body.
Series of losses
In the heyday of his public recognition and relevance, the artist suffered a personal tragedy. During the birth of their second son with Titian, Cecilia suddenly began to bleed heavily. This news greatly shocked the painter and, fearing the worst, he decided to immediately get married. Titian invited the best doctors to Cecilia, with whose efforts she finally got better, but the artist did not change his mind about getting married. This news quickly spread all over Venice, because Titian was a very famous artist and public figure. Тем не мение, he and Cecilia arranged a very modest wedding ceremony at home in the circle of only the closest and dearest people.
It was in 1525, Titian stayed with his family for a little while, and when Cecilia became strong enough, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Once, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, on the contrary, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, прежде всего, is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. And yet, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Конечно, it never occurred to anyone to reproach the painter, on the contrary, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, then, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. In both cases, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. After all, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, особенно, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Правда, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Потом, the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. По факту, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, easily, naturally, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, then, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. Напротив, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Но, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Потом, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, Titian, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
В последние годы, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, художники, collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. Тем не менее, prone to melancholy and meditation, Titian, по факту, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, то есть, counterclockwise, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Так, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Таким образом, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Здесь, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, who, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
Meanwhile, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
