Выдающийся представитель испанской школы живописи, Франсиско Хосе де Гойя и Люсьентес, уникальный художник, сумевший воплотить в своем творчестве трагическую судьбу испанского народа, его надежды и бесчисленные страдания, терпеливо терпеливо с бесконечной жизненной силой. Вдохновением для художника послужили реальные события, происходящие в его стране. Не имея другой силы, кроме силы искусства, художник через свои картины выразил свое личное отношение к окружающей его действительности и происходящему на его любимой родине.
Фотографии Франсиско де Гойя-и-Люсьентеса
Ранние годы великого мастера
Будущий великий художник Франсиско Гойя родился в небольшой деревне Фуэнтетодос, расположен среди арагонских скал в северной части Испании, 30 марта, 1746 г. в семье мастера-позолочника Хосе Гойи. Отец художника не был простолюдином, он происходил из семьи богатого нотариуса, получившего специальность в Сарагосе. Эта ситуация позволила ему жениться на представительнице низших слоев испанской знати. Дон Гарсия Люсьентес. После скромной свадьбы молодая семья переехала в имение, унаследован и расположен в Фуэнтетодосе. Согласно испанским законам того времени, дворяне могли жить только на доход, приносимый их имуществом, и не имел права работать.
В таком положении дел, Семья Гойи еле сводила концы с концами. Это заставило главу семьи перевезти свою семью обратно в Сарагосу. где он мог заняться своим ремеслом. Что случилось в 1759 году. Немного улучшив свое материальное положение после переезда, отец семейства отправил своих троих сыновей Томаса, Камилло, и Франсиско в начальную школу отца Хоакина. Надо сказать, что образование, которое получили там мальчики, сложно назвать хорошим, Отец Хоакин предпочел богословие грамоте, что отразилось на всей последующей жизни художника. До конца жизни, Гойя писал с ошибками, и его произношение и словарный запас безошибочно выдавали в нем простого человека. Правда, Следует отметить, что в конце XVIII века в Испании хорошее образование было доступно лишь горстке избранных.
После окончания школы Франсиско поступает в иезуитскую школу в Сарагосе. Его наставник, Отец Пиньатель, сразу заметил незаурядные артистические способности мальчика и порекомендовал его своему родственнику Хосе Лусана-и-Мартинес, который когда-то был придворным художником. Отец Франциско не был против и четыре года оплачивал сыну уроки рисования. В течение этого времени, Франсиско Гойя не только постигал азы живописи и рисунка, но также создал многочисленные гравюры и офорты по произведениям выдающихся испанских мастеров. Уже в это время Франциско проявил невероятную настойчивость и решительность. Для достижения максимальной выразительности изображения различных движений человеческого тела, молодой художник, в дополнение к мастерской Люциана, также посетил школу скульптуры Хуана Рамиреса. В этом, он делал копии скульптур и создавал студенческие этюды. Следует отметить, что в Испании этого периода существовало табу на изображения обнаженного тела, особенно женщина, поэтому уроки скульптуры для Гойи были чуть ли не единственной возможностью изучить анатомию человека.
Благодаря его настойчивости, Франциско быстро зарекомендовал себя как блестящий переписчик, тонко постигая особенности художественной манеры и стиля выдающихся художников. Благодаря этому в 1760 г., он получил свой первый заказ на роспись реликвария в церкви в Фуэнтетодосе. К несчастью, это произведение было полностью уничтожено в 1936 году во время гражданской войны в Испании. Но его внешний вид можно восстановить по сохранившимся фотографиям. Внешние стороны крыльев деревянного ковчега были украшены изображением «Явление Мадонны дель Пилар перед святым Иаковом». а на внутренней стороне было изображено «Св. Франциск де Паула »и« Мадонна с младенцем ». Согласно сохранившимся свидетельствам, современники хвалили творчество художника, хотя Гойя, кто ее видел, будучи уже в преклонном возрасте, возмутился:«Не говори, что я нарисовал!».
В 1763 г. семнадцатилетний Гойя, который окончательно решил связать свою жизнь с искусством, покинул Сарагосу и отправился в Мадрид. Первые годы пребывания художника в испанской столице окутаны тайнами и легендами. Из достоверной информации, которая дошла до нас, известно только, что в конце 1763 г. сразу после прибытия в Мадрид, Франциско подал заявку в Королевскую академию изящных искусств в Сан-Фернандо на стипендию, но получил отказ. Что Гойя делал в Мадриде следующие два года, совершенно неизвестно. В 1766 г. Франциско участвовал в объявленном Академией конкурсе на тему истории Испании. Задача была сформулирована так:«Марфа, Императрица Византии, прибывает в Бургос к королю Альфонсо Мудрому, чтобы попросить у него часть суммы, которую султан назначил для выкупа ее мужа, пленник императора Болдуина, и испанский монарх приказывает дать ей эту сумму ». Рамон Байер получил золотую медаль конкурса, и Гойя потерпел неудачу, что стало лишь одной из череды неудач, преследовавших его в первый период его творчества.
Но участие в конкурсе принесло Гойе некоторую пользу, на котором он встретил Рамона Байё и его брата Франсиско, член академического жюри, к которому он сразу же поступил в ученики. Около трех лет молодой живописец жил и учился в доме нового наставника, за это время он страстно влюбился в свою сестру Йозеф. Привязанность Гояля не помешала Гойе уехать в Рим в 1769 году. где продолжил образование.
К несчастью, достоверных сведений о двух годах жизни Франсиско де Гойи в Италии не сохранилось. В единственных сохранившихся данных упоминается участие художника в конкурсе Пармской академии изящных искусств. В рамках конкурса он создал картину «Ганнибал, глядя с высот Альп на поля Италии. «Полотно пользовалось некоторым успехом у жюри, тем не мение, Гойе снова не повезло. С запасом всего в один голос, золотая медаль конкурса снова досталась другому.
Признание таланта
В 1771 г. Франсиско Гойя вернулся в Сарагосу, разочарован и устал от неудач. Через несколько месяцев художник наконец улыбнулся удаче, он получил свой первый заказ. Требовалось завершить серию религиозных картин в часовне дворца местного графа Габара де Собрадиэля. Гойя старался изо всех сил, как результат, фрески оказались очень качественными и понравились заказчику. Это был первый значительный успех живописца на профессиональном поприще.
Скоро, художнику было поручено завершить серию эскизов фресок купола собора Мадонны дель Пилар в Сарагосе. За месяц работы, Гойе удалось создать произведения, поразившие членов комиссии по реконструкции собора. Это был второй успех, доказавший способность Франциско создавать великолепные фрески. Несмотря на то что, Следует отметить, что значительную роль в том, что Гой получил заказ, сыграла цена работ, Выставлено самим художником на десять тысяч реалов меньше, чем у остальных участников. Как бы то ни, к середине 1772 года художник закончил роспись купола. Фреска, под названием «Поклонение ангелов во имя Господа», выполнен в стиле барокко. Пропитанные многочисленными фигурами ангелов, изображенных в образе прекрасных женщин, разнообразие ракурсов подчеркивает динамику композиции, построен на непрерывном движении, он принес художнику долгожданный и заслуженный успех.
Участие в создании живописного убранства собора Мадонны дель Пилар стало поворотным моментом в карьере художника. Помимо уважения к согражданам и материального благополучия, Гойя тоже получал постоянный поток заказов, что так важно для любого художника. Следующей его работой было создание целого цикла фресок для монастыря де Аул Деи и церкви ди Менуэль. Это позволило Франсиско занять достойное положение в обществе и стать самым успешным художником Сарагосы. Пришло время, когда Гойя наконец-то смог позволить себе жениться.
Ранней весной 1773 г. художник отправился в Мадрид со своим учителем Франсиско Байеу просить руки своей сестры Хосефы. Все получилось хорошо, и счастливые влюбленные поженились во время пышной церемонии, состоялось 25 июля того же года. Сразу после свадьбы молодожены уехали в Сарагосу, где Франциско ожидал многочисленных незавершенных заказов. Как ни странно, до нас практически не дошло сведений о спутнице жизни великого живописца, ни в ее личных, ни в государственных архивах нет ни писем, ни отзывов современников, Нет даже информации о количестве детей, родившихся за почти сорок лет совместной жизни. Принято считать, что все дети артиста умерли в молодом возрасте, и только один из его сыновей, Франсиско Хавьер Педро, стал настоящей опорой для отца и продолжателем его дела. Биографы и искусствоведы могут только предполагать, что Хосефа была преданной женой и заботливой хранительницей домашнего очага, но очевидно, что ее очень мало интересовала общественная жизнь. Только дата ее смерти, 1812 г., достоверно известно. Удивительно, что за долгую семейную жизнь Франсиско Гойя написал только один портрет своей жены.
Получение должности при королевском дворе
В начале 1774 г. Начались масштабные работы по реконструкции гобеленов королевской мануфактуры Санта-Барбары. В комиссию по реставрации входили Антуан Рафаэль Менгсу и Франсиско Байеу. Второй отвечал за раздачу претендентам заказов на создание эскизов будущих гобеленов. Благодаря этому Гойя и Рамон Байев получили крупный заказ, что обеспечило им постоянную и хорошо оплачиваемую работу. Этот заказ способствовал переезду художника в Мадрид со всей семьей.
Сюжеты первых эскизов по заказу художника - охота и рыбалка. Гойя быстро выполнил наброски тематических сцен на картоне. Несмотря на довольно сухой и сдержанный стиль зарисовок, практически без проработанного пространства вокруг персонажей, они получили одобрение короля, и художник был награжден новым орденом, темой которой стали сцены из жизни простых испанцев.
Здесь раскрылся настоящий талант живописца. Эти этюды положили начало серии гениальных работ, прославивших художника на многие века. Героями своих картонов он выбрал ярко одетых молодых женщин (махи) и их красочных спутников (махо). Композиции основаны на рассказах из жизни народа:игры, каникулы, уличные сцены. Звуковые сочные тона картин реалистично передают беззаботное настроение всеобщего веселья. В своих произведениях художник с большой наблюдательностью показал разнообразие народных образов и ярких национальных костюмов, а также досуг и нравы городской молодежи. По вкусам своего времени, мастер слегка идеализировал формы своих персонажей. Но цветовая палитра художника здесь показана во всей красе - многочисленные цветовые нюансы самых разных оттенков сразу выделяли Гойю среди современников.
К наиболее ярким произведениям этого периода относятся картины «Продавец посуды» (1779 г., г. Музей Прадо, Мадрид), «Торжества в день святого Исидора» (1788 г., г. Музей Прадо, Мадрид), «Маха и ее поклонники» (1777 г.), Музей Прадо, Мадрид) и другие. Но лучшая работа среди них - картон для гобелена «Зонтик» (Музей Прадо, Мадрид), написана в 1776 году. Эскиз представляет собой простой жанровый этюд. На переднем плане в изящной позе сидит милая девушка, как бы демонстрируя себя зрителю, чарующая улыбка на ее губах. Слева от нее стоит молодой товарищ девушки, закрывать девушку от солнечных лучей раскрытым зонтиком. Композиция из картона пронизана радостью и беззаботностью жизни. Изюминкой картины стал комплекс, почти фантастическое освещение, с которой Гойя создает гармоничный музыкальный колорит, построен на пастельных тонах.
На просвещение этого произведения при королевском дворе повлияло просвещение умов французского Просвещения, с отходом от строгих канонов, так почитали раньше в Испании. Благодаря этому успеху среди аристократии, 7 мая, 1780 г., Франсиско Гойя был единогласно избран в новые члены Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо. Уже в 1785 г. он стал его заместителем директора, еще через десять лет - заведующий отделением живописи Академии.
Между 1786 и 1791 гг. в картоне мастера планируется смена интонации. Все больше и больше в его произведениях, стремление передать не внешнюю привлекательность сюжета, но эмоциональное состояние персонажей, кто стал более «земным», потеряв внешний блеск и красоту, столь характерные для ранних работ художника, проявляется. Это хорошо видно в таких произведениях, как «Игра с завязанными глазами» (около 1788-1790 гг., Музей Прадо, Мадрид) и Раненый масон (Музей Прадо 1786 г., Мадрид), который стал одним из ключевых произведений этого периода.
Картина отличается поистине драматичным сюжетом:молодые рабочие несут на руках сорвавшегося с высоты товарища. В своих позах и в том, как художник интерпретирует объемы их тел, Проявляется определенная приверженность мастера традициям классицизма. Холодный цвет композиции основан на сочетании оттенков синего, серый и охра. Хотя в произведении еще нет того пронзительного трагического звука, так характерно для многих последующих картин Гойи, он уже полностью отражает основные интонации зрелого произведения мастера.
По окончании работы на королевской мануфактуре, Гойя создает еще один собственный шедевр - «Куклу» («Игра в Пеле», 1791-1792, г. Музей Прадо, Мадрид). Проработав на мануфактуре в Санта-Барбаре около восемнадцати лет, художник создал более шестидесяти картонов. С годами у мастера появились не только влиятельные друзья и покровители, но и много завистников и недоброжелателей.
Эволюция портретной живописи художника
Работаем над эскизами к гобеленам, Гойя написал много нестандартных портретов одновременно. Его ранние работы этого жанра говорят о большом желании художника добиться успеха любой ценой, Особенно это заметно в том, как художник льстил своим благородным моделям.
Примером может служить парадный «Портрет графа Флоридабланки» (1783 г., г. Банк Уркихо, Мадрид), в котором всемогущий премьер-министр изображен стоящим в полный рост, в своем кабинете одет во все регалии власти и могущества. Личные вещи, окружающие графа, свидетельствуют о его увлечениях, его фигура на картине выделена светящимися яркими красками, и резко контрастирует с его окружением. Изображен не только премьер-министр - его секретарь стоит в глубине комнаты, а слева от графа Гойи изобразил себя с одной из своих работ. На картинке, Флоридаблан не замечает окружающих и спокойно смотрит перед собой, это тоже случилось в жизни. Граф холодно отнесся к творчеству художника и даже не заплатил живописцу, возлагавшему большие надежды на встречу с таким влиятельным человеком, ожидая увидеть покровителя в его лице.
Художник усвоил горький урок и позже, в том же году, во время посещения виллы брата короля Испании - инфанты дона Луиса де Бурбона, где он написал свой семейный портрет, он больше не стремился льстить таким высокопоставленным лицам. В своей работе над этой картиной, Отчетливо прослеживается стремление передать глубину характеров и индивидуальность каждой модели.
Композиция «Портрет семьи инфанты Дона Луиса де Бурбона» (1783 г., г. Рок-фонд Маньяни Фонд Мамиано, Парма) построена по принципу бытовых жанровых сцен. Вся семья дона Луиса собралась за небольшим столом, на котором инфанте раскладывает пасьянс. Но настоящий центр композиции вовсе не он, но его жена Мария Тереза, одетый в свет, как будто сияющая одежда. Ее волосы причесываются стоящим позади нее парикмахером. В левой части холста Гойя снова изобразил себя работающим над этой картиной. Достаточно большое полотно (248 х 330 см) хорошо демонстрирует повышенное мастерство художника. Художнику удалось тактично и в то же время очень реалистично передать характеры героев. Колорит работы основан на смеси темных теплых тонов с небольшими акцентами синего и зеленого, придавая полотну звучное музыкальное звучание.
Создав этот портрет, Гойя наконец нашел то, о чем мечтал - знакомство с влиятельными и могущественными покровительницами, которые стали герцогинями Аламеда Осуна и Альба. Художнику удалось уживаться с ними обоими, несмотря на то, что они были заклятыми соперниками всегда и во всем. В его жизни начался новый этап, его карьера была теперь обречена на стремительный взлет.
Скоро, художник начал работу над портретом невесты графа Флоридабланки. «Портрет маркизы де Понтежос-и-Сандовал», Герцогиня Понтежос »(1786 г., г. Национальная картинная галерея, Вашингтон) выполнен в строгих рамках парадного портрета. Стиль работы очень близок к самым ранним произведениям этого жанра. Фигура маркизы изображена на фоне идеального пейзажа (Гойя будет использовать эту технику для женских портретов до конца 18 века), весь ее образ естественен и спокойен. Красивое шелковое платье героини, написаны художником с большим мастерством, отвлекает зрителя от грустного выражения ее лица.
Два года спустя, Гойя напишет еще один свой знаменитый групповой портрет - «Семья герцога Осунского» (1788 г., г. Музей Прадо, Мадрид). В этой работе, уже проявилась новая манера художника, что в будущем станет самым ярким проявлением его индивидуального стиля. Главная особенность его творчества - акцент на психологическом состоянии героев. В то же время, чтобы отвлечь внимание требовательного взора именитых клиентов от его собственной оценки их личностей, Гойя тщательно и мастерски прорисовывает все мельчайшие детали своей изысканной одежды и украшений. Фон портретов становится однотонным, чтобы ничто не отвлекало зрителя от созерцания моделей. К наиболее ярким образцам портретов этого периода можно отнести «Портрет Дона Мануэля Осорио де Зунига» (1788 г., г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
Скоро, наконец, мечта художника сбылась - в апреле 1789 г. Гойя получил столь желанную им должность придворного живописца. Я должен сказать, успех настолько вскружил ему голову, что он стал игнорировать изготовление картона для гобеленов. Это вызвало у художника гнев директора мануфактуры, который немедленно написал жалобу королю. Старому наставнику художника Франсиско Байё пришлось немало потрудиться, чтобы загладить вину за своего родственника и замять скандал. К счастью для Гойи, все получилось, и стал тихонько работать при дворе, делает портреты власть имущих. Так, в 1795 году он пишет свой знаменитый «Портрет Марии Терезии Каетан де Сильва», Герцогиня Альба »(Музей Прадо, г. Мадрид). Образ герцогини очень эффектен, белое платье в резком контрасте с копной вьющихся черных волос и красными акцентами в виде широкого атласного пояса, подтягивая тонкую талию героини, и с красными бантами на груди и волосах. Это контрастное сочетание цветов придает звучанию всему полотну.
Роспись церкви Святого Антония
Помимо постоянных заказов на офорты и портреты, придворный художник Франсиско де Гойя получил очень почетные и выгодные заказы на создание монументальных картин. Итак, в 1798 г. Король Карлос IV поручил художнику расписать купола и стены только что законченного храма Сан-Антонио-де-ла-Флорида.
Церковь построена по приказу короля известным архитектором того времени Фонтана, которому удалось завершить работу всего за шесть лет, с 1792 по 1798 год. Фрески храма должны были рассказывать о жизни святого Антония Падуанского, монах францисканца, живший в XIII веке. За тридцать шесть лет, отведенных ему, Святой Антоний прославился как выдающийся оратор. Истории и легенды и его добродетельная жизнь, чудеса и проникновенные проповеди были известны по всей стране, его даже называли «Светильником Ордена».
В работе над фресками, художнику была предоставлена полная свобода действий, и Гойя воспользовался этой возможностью, чтобы переосмыслить традиционные каноны церковной росписи.
По традиции, все купонное пространство при создании фресок должно было быть занято изображениями ангелов, крест или Христос. Гойя решил поместить туда сюжет, посвященный чуду воскресения мертвых святым Антонием, выступил перед изумленной толпой. Этим жестом художник превозносил святого, которому был посвящен храм. Художник разместил ангелов и архангелов на стенах и опорных арках, и маленькие ангелы заняли паруса.
Сцена воскрешения Гойи приобрела вполне реалистичную интерпретацию. Святой Антоний изображен со своими товарищами, в окружении разнообразной аудитории, кто внимательно следит за его действиями. Стремясь придать фреске максимальную реалистичность, художник сосредоточился на передаче образов обычных людей, изображая толпу, как будто она попала сюда прямо с улиц Мадрида. Круговое композиционное решение придает работе эффект непрерывного движения и динамизма. В отличие от реалистичных изображений центральной фрески, Гойя изобразил представителей небесной армии идеализированными и утонченно утонченными. Роспись этого храма до сих пор считается одним из лучших монументально-декоративных произведений Гойи.
Образ человеческих пороков
90-е годы 18 века стали поворотным моментом в сознании и творчестве Гойи. Тяжелая болезнь подтолкнула художника к переосмыслению жизни и творчества. как это часто бывает. Первые приступы неизвестной болезни постигли художника осенью 1792 года. Сильные мигрени, чередование с головокружением, закончился частичным параличом. Больше всего, несчастный художник боялся потерять зрение. Болезнь искалечила моральный дух Гойи, он постоянно был в мрачном настроении, и его близкие серьезно опасались за его жизнь. К счастью, эти атаки закончились относительно хорошо, уже весной следующего года, художник почувствовал себя намного лучше.
Летом, артист практически полностью излечился от болезни, хотя и не без потерь. Болезнь полностью лишила его слуха, но это не помешало мастеру сразу же после выздоровления взяться за кисть. Пережитые страдания и страх смерти пробудили в художнике страстный и неподдельный интерес к духовному и социальному бытию человека. Он другими глазами посмотрел на структуру испанского общества и переосмыслил собственную систему ценностей. Радость жизни и сияние солнца надолго покинули творчество художника.
Все это подтолкнуло художника к созданию серии работ «Капричос» (Причуды). Он включал восемьдесят офортов, созданных между 1797 и 1799 годами. В фантастической гротескной форме, Художник отразил напряженное общественное положение и всю нелестную сторону феодального строя Испании.
Все рисунки высмеивают человеческие пороки:жестокость, невежество, трусость, притворство эгоизм, легковерность, жадность и многое другое. Все офорты в серии построены на контрасте света и тени, выражается крупными черными и белыми пятнами. Гойя проявил замечательный символический талант и большую изобретательность. Все персонажи Caprichos обладают очень яркой индивидуальностью, которая выражает порок, который они представляют. Позы, жесты Выражения лиц героев настолько выразительны, что невозможно определить, где правда, а где вымысел.
Первые произведения из серии Каприччио в основном посвящены порокам, пожирающим женские души:коварству, непостоянство и обман. На этих листах молодые милые женщины подло обманывают своих кавалеров, а уродливые старушки-прокуроры занимаются развращением неопытных девушек.
Начиная с листа 37, есть рисунки, посвященные невежеству:на них изображены исцеляющие ослы, играть музыку, учить друг друга, произносить речи и позировать обезьянам. Все последующие офорты через гротеск наглядно демонстрируют нам, как нравственное безобразие людей порождает злых духов. В черные ночи колдуньи и домовые совершают свои обряды, смех, гримаса собираются в субботу и мучают своих несчастных жертв. Но когда восходит солнце, все звери не исчезают и не умирают, они меняют только свою внешность, становится обычным, внешне респектабельные люди. И так бесконечно.
43 листа - гравюра под названием «Сон разума рождает чудовищ» - стала одной из самых известных. Гойя предоставил ему интересные сопроводительные комментарии:«Воображение, покинутое разумом, порождает беспрецедентных монстров, но в сочетании с умом, он становится матерью всех искусств и источником чудес, которые они создают. " По факту, такие комментарии художник делал к каждому листу коллекции, но, по мнению современников, такие описания сюжета еще больше усложняли его восприятие, «Закрыв глаза на всех, кто не имел ни малейшего понятия. «
По замыслу художника, «Капричос» должны были оживить соотечественников и решиться противостоять своей позиции, навязанной аристократией. В 1799 г. Гойя за свой счет напечатал триста экземпляров серии. Четыре копии, еще до того, как они поступили в продажу, были куплены герцогиней Осуной. Еще 27 были проданы в течение следующих нескольких лет. Правда, через некоторое время, Каприччио по-прежнему набирают популярность среди художников-романтиков.
Эволюция стиля и мировоззрения Все это время, мастер не переставал работать в жанре портрета, которые ему постоянно заказывала придворная аристократия. Отойдя от предыдущего, несколько поверхностная трактовка персонажей и сюжетов, он перешел к строгому интеллектуальному реализму. Картины, созданные на рубеже 18-19 веков, отличаются тонкой выразительной системой художественных приемов, позволившей художнику полностью раскрыть внутреннюю сущность персонажей. Эти работы уже отражают новые тенденции в живописи, близок к визуальным идеалам эпохи романтизма.
Мастер начинает все больше внимания уделять психологии, он пытается подчеркнуть трагическое сжатие личности под гнетом внешних обстоятельств. Кажется, Гойя ценит потенциал человека, вне зависимости от его социального статуса. Часто, это выражается в едком сарказме, хорошо видно на ряде портретов сильных мира сего. Еще одна отличительная черта нового периода творчества художника - богатая цветовая палитра и подчеркнутый пластический объем. серебристо-серый, Воздушный колорит 1790-х навсегда остался в прошлом.
В начале 19 века Гойя получил большой заказ от королевской семьи на выполнение серии ее портретов. Одним из самых замечательных произведений этого периода был «Портрет семьи короля Карлоса IV» (1800 г., г. Музей Прадо, Мадрид). Во время исполнения этого масштабного полотна (размеры которого составляли 280 х 336 см), художнику удалось создать отдельные портреты каждого члена коронованной семьи. Сама работа над семейным портретом длилась около года.
Первое, что обращает на себя внимание при взгляде на эту картину, - великолепие костюмов всех членов королевской семьи, написано с большим мастерством. Роскошные ткани, невесомые вуали, переливающиеся драгоценности и регалии власти затмевают образы самих героев. Такого эффекта добивался художник. Потому что, если присмотреться к застывшим напыщенным лицам членов семьи, можно заметить тонкую психологическую характеристику, которую Гойя дал каждому из них.
Например, изображение королевы Марии Луизы было написано с фотографической четкостью. Художница реалистично изобразила крючковатый нос, двойной подбородок и тонкий, губы растянулись в улыбке. Мария Луиза стоит в центре полотна, дети младшего возраста стоят вокруг нее, Король Карлос IV показан слева, а ее старший сын в синей шелковой кофточке - справа от королевы. Впоследствии он станет тираном Фердинандом VII (посмотрите на его злое лицо). Рядом с Фердинандом его невеста, она отвернулась от зрителя, так как на момент написания картины, соглашение об их браке не было достигнуто. В левом углу рисунка в глубокой тени, Гойя нарисовал себя.
Портрет очень тонко передает отношения в семье. Если обратить внимание на то, как стоят персонажи картины, Поразительно, что они выглядят как фрагментированные, застывшая толпа, заполнившая все полотно. Художник намеренно подчеркивает противоречивость своих взглядов и жестов. А колорит самого рисунка построен на разрозненном сочетании необычайно красочных пятен.
Несмотря на то, что никто из коронованного семейства не выказывал даже тени возмущения по поводу готовой работы (королева даже высмеивала свой «неудачный» внешний вид), Полотно стало последним заказом, полученным художником от королевской семьи.
Но наиболее значительными работами художника этого периода (1800–1803 гг.) Были полотна «Качели одетые» и «Качели обнаженные» (Музей Прадо, Мадрид). Предположительно, Эти две работы были созданы по заказу премьер-министра Мануэля Годоя. Согласно источникам, первоначальные названия картин - «Цыганка в одежде» и «Цыганская обнаженная». Женский образ, созданный художником на этих полотнах, воплотил живую и чувственную красоту, резко контрастируя с холодными канонами академизма. Достоверных сведений о личности девушки, которая послужила натурщицей для этих работ, не сохранилось. По одной из версий, это была любовница Годоя, по другим - герцогиня Альба, кто, по слухам, с самим художником были довольно длительные отношения. Правда, реальных доказательств этому не найдено.
В следующие два года с 1804 по 1806 год, художник создает ряд интересных женских образов. К ним относятся Портрет Франсиско Сабаса и Гарсиа (1804 г., Национальная художественная галерея, Вашингтон), Портрет доньи Терезы Суред (1804-1806, г. Национальная картинная галерея, Вашингтон) и Портрет доньи Изабель Кабос де Порсель (около 1805 г., Национальная галерея, Лондон). Все полотна написаны в свободной манере, отличается от его ранних сдержанных работ. Мастер, деликатно смешивая многие родственные оттенки тона, удается добиться очень реалистичной интерпретации моделей. Лица молодых женщин наполнены романтическим порывом, а позы и взгляды полны решимости. Темные полотна - дань устоявшейся традиции того времени, но, несмотря на это, артисту удается добиться насыщенного звучания всех красок и невероятно реалистичной передачи юных девушек. Еще одна особенность портретов в том, что художник не подбирает себе наряды и аксессуары, as was the case in his earlier work, and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, New York). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. На заднем фоне, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. In total, the series includes about eighty works. In them, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, прежде всего, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. На заднем фоне, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, по факту, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, женщины. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. По факту, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, namely, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
Этот год, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Prado Museum, Мадрид), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
At this time, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Постепенно, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
Несколькими годами позже, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Мадрид). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, животные living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Prado Museum, Мадрид), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, towers, дома barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Настоящее время, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, больной, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. На заднем фоне, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. Так, Например, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Мадрид). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Prado Museum, Мадрид). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Prado Museum, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, страх, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Prado Museum, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, тогда, Напротив, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. By this time, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
