Замечательному русскому художнику Валентину Серову посчастливилось родиться в обеспеченной и одаренной семье. Родители художника были талантливыми и разносторонними людьми. Александр Николаевич Серов, отец будущего художника, был композитором, автор опер Сила врага, Юдифь и Рогнеда. Его считали лучшим музыкальным критиком своего времени, а также великим самобытным артистом. В юности собирался заниматься живописью, но потом он увлекся музыкой и полностью ей отдался.
Картины Валентина Александровича Серова
Талантливая семья
Именно от отца Валентин унаследовал свой необыкновенный дар, возможность невероятно точного восприятия формы и цвета, а также его огромная любовь к животным, которые Серов-старший чаще всего изображал на своих полотнах. Александр Николаевич женился только в сорок четыре года, будучи уже состоявшимся композитором и зрелым мужчиной. Его избранницей стала молодая талантливая пианистка Валентина Семеновна Бергман, бывший ученик музыканта.
Единственный сын Серовых родился 7 января. 1865. С младенчества, Валентин был окружен творческими и неординарными личностями из разных социальных слоев, которые регулярно собирались в доме композитора и его молодой жены. В них входили все талантливые люди того времени, музыканты, ученые, писатели, художники и актеры. Среди близких друзей Александра Николаевича, который часто навещал его дом, были скульптор Марк Антокольский, писатель Иван Тургенев, с кем был наиболее близок Серов и художник Николай Ге, первым привил маленькому Валентину, кто остался с ним на всю жизнь, любовь к лошадям.
В семье Серовых часто проводились литературные чтения и концерты, в качестве зрителей, к которым часто приглашали горничную. Такие образовательные вечера не были их личным изобретением, а скорее дань тогдашней моде.
Маленький Валентин часто сопровождал родителей в оперу. А в 1869 году они впервые увезли сына за границу. После этой поездки Серов, самый молодой, запомнился на всю жизнь своим визитом в дом великого Рихарда Вагнера, тем не мение, неизгладимое впечатление на мальчика произвел не сам знаменитый композитор, но у клетки с диковинными фазанами и его огромной собакой. С такой внешне интересной жизнью, Валентина с детства не баловала вниманием родителей, каждый жил своим делом.
В 1871 г. когда будущему артисту было всего шесть лет, его отец скончался. Время безмятежных приемов в гостиной и литературных чтений навсегда в прошлом. Теперь они жили с матерью в Мюнхене (с 1872 по 1873 год). Эти два года были очень плодотворными для маленького рисовальщика. Живя в отеле, Серов познакомился с уже известным художником Кегшингом, который интересовался талантливым мальчиком. Кегшинг не только стал водить ребенка на учебу, помочь ему профессиональным советом, но также повлиял на Валентину Семеновну, рекомендуя ей всячески развивать и поощрять юное дарование.
Полагая, что способности сына могут стать его судьбой, Мать Серова стала их сознательно поощрять и развивать. Так, в 1874 г., девятилетний Валентин с мамой переехали в Париж, где был Илья Репин в этот период. Решение Валентины Семеновны обратиться к Репину с просьбой дать образование своему сыну стало самым удачным выбором в жизни будущего живописца.
Илья Репин был единственным мастером, который смог полностью раскрыть и раскрыть способности молодого Серова. Так, у мальчика начались первые регулярные и серьезные уроки рисования. Репин в это время работал в Париже над картинами «Кафе» и «Садко», он сделал много этюдов с натуры, не забывая постоянно давать ученику задания. Молодой Валентин Серов получил в то милостивое время много ценных советов, советы и пояснения, которую он потом вспоминал на всю жизнь. Репин разрешил ему копировать свои работы, иногда он просил записать определенные предметы по памяти, но больше всего он уделял рисованию с натуры.
Начинающий художник полностью отдался хобби, тратя на это все свое свободное время. Днем он рисовал, а вечером бесконечно делал наброски и рисунки. Благодаря серьезному отношению матери, прекрасно сохранились многие студенческие работы Серова. В своих ранних альбомах Большинство картин и этюдов посвящено лошадям. Конечно, Серов рисовал и других животных, но именно лошади стали его любовью на всю жизнь.
Несомненно, это был плодотворный период в становлении великого русского живописца. Но при всем кажущемся достатке, жизнь девятилетнего мальчика в Париже была одинокой и скучной. Его мать, полностью погружен только в свою работу, постоянно отсутствовал в течение дня, а по вечерам ходил в оперу. Валентин остался один надолго, оставлен на произвол судьбы. Это вынужденное отступление наложило отпечаток на характер Серова, придавая ему угрюмость и замкнутость, которые художник сохранял на протяжении всей своей жизни.
Влияние Саввы Великолепного
Как и многие талантливые москвичи, Мать Валентина Серова была знакома с Саввой Мамонтовым, что стало большим успехом для будущего художника. Этот меценат и промышленник был в центре духовной и интеллектуальной жизни Москвы второй половины XIX века. Собирая вокруг себя весь колорит русской художественной интеллигенции, Мамонтов предоставил гостям в своем имении Абрамцево уникальную возможность вдохновить, бесплатно, не обременен никаким, в том числе финансовые проблемы и творческая жизнь. Более двадцати лет подмосковная усадьба Мамонтовых - крупный центр русской культуры, где художники, иногда на все лето, пришли пообщаться, делиться опытом и совмещать работу с отдыхом.
Часто живет с мамой в «Абрамцево», Валентин Серов с детства принимал непосредственное участие практически во всех сферах творчества, созданная этой творческой средой энтузиастов и единомышленников нового искусства. Здесь развился его яркий и многогранный талант. Абрамцевский клуб, при поддержке Саввы Мамонтова, открыла сразу две художественные мастерские:керамическую и столярную, где возродились старинные ремесла и ремесла. Большое внимание уделялось и театру. Серов с удовольствием участвовал в домашних спектаклях Мамонтовых, блестяще исполнил комедийные роли животных, имея оглушительный успех. Неудивительно, что Валентин создал свои первые и самые вдохновляющие произведения, принесшие ему известность, Такие как, Например, Девушка с персиками, в этом чудесном поместье.
Но, благотворное влияние абрамцевского кружка проявилось значительно позже, и сначала осуществленный юным дарованием в имении Мамонтова, не принесло пользы его таланту. По словам биографа художника Игоря Грабаря, летом 1875 г., когда Валентина Семеновна впервые привела в имение сына, мальчик бросил обычные уроки рисования и все свои альбомы, увлекаются веселой и беззаботной жизнью мамонтовых деток. Что не преминуло отразиться на его художественных способностях. Немногочисленные рисунки того времени в его детских альбомах служат лишь подтверждением того, что врожденные способности без практики мало что значат. потому что изначальный талант художника и навыки рисования быстро теряются без постоянной работы по их развитию и поддержанию. Недаром говорят, что настоящий гений - это 10 процентов таланта и 90 процентов упорного труда.
Так случилось с Серовым, без постоянного обучения повышению точности мазка и отображению цвета и формы, рисовать молодой художник стал намного хуже. Следовательно, осенью, мать отвезла его в Санкт-Петербург, где старый друг семьи, художник Николай Ге, стал заботиться о таланте Валентина, взращивая его и совершенствуя себя. Скоро, благодаря заботе Ге, стало очевидно, что Серов вступил в новый виток развития.
Потом, Валентин и его мать снова переехали. На этот раз в Киеве, где они провели около трех лет, который стал самым счастливым в жизни матери и сына. В Киеве, мальчик поступил в школу рисования, попав в класс Николая Мурашко, Старый друг Репина по Академии художеств.
Лучшие преподаватели
Решив не ограничивать развитие сына только художественным образованием, Валентина Семеновна снова вернулась в Москву и устроила ребенка в московскую гимназию. Здесь, мать артиста снова обратилась к Репину, просят его возобновить уроки. Семья художника приняла Серова с распростертыми объятиями, и его уроки продолжались на еще более высоком уровне.
Сам Репин отмечал, что, несмотря на постоянные перерывы в занятиях, Валентин отлично продвинулся, а очень удачная работа вселила в самого мальчика уверенность в том, что ему снова удалось изобразить все, что он задумал. Валентин поверил в себя и тогда практически полностью забросил учебу в гимназии, с огромной страстью предаваясь любимому занятию. В конце концов, директор гимназии обратилась к матери юного артиста с предложением перевести ребенка в специальное учреждение, где его дар рисования мог полностью развиться. Так мальчик окончательно переехал к Репину. Теперь, его занятия рисунком и живописью ничем не остановили.
Игорь Грабарь писал в своих воспоминаниях:«Даже Репин смотрит на него уже как на художника, не подросток, и даже позирует ему для портрета, пока рисует самого Серова. Мрачно-угрюмо выглядит 14-летний Серов - узнаваемые чисто «серовские» волчьи повадки, которые он хранил до последних дней. А за этой мрачной внешностью скрывается доброе сердце и самая нежная и чистая душа. Репин пишет портрет Серова, а Серов пишет самый точный портрет Репина из когда-либо созданных. В нем вся репинская суть:его взгляд, его обаяние, его улыбка, даже его вечное смущение - словом, абсолютно все, что мы все так хорошо знали, и это он держал до 70 лет. ”
Поступив в Академию художеств в 1880 году, Серов оказался в мастерской известного профессора Павла Чистякова, который отличался чрезвычайно суровым стилем преподавания, критикуя и высмеивая каждый неточный мазок своих учеников. Эти приемы профессора помогли художнику выработать вдумчивую и неторопливую манеру изображения природы. Как его учитель, Валентин Серов терпеть не мог спешки и приближения в рисунке и живописи.
Отвечая на вопросы о его кропотливой манере письма, художник сказал:«Иначе, Я не умею писать, это моя вина, Не знаю, насколько мне это нравится ». Действительно, было бы несправедливо сказать, что Серов не обладал сверхбыстрыми методами визуализации. Требуя для своих портретов не менее сорока сеансов позирования (а так уж получилось, что это число доходило до ста), талантливый художник в совершенстве делал мгновенные зарисовки и в совершенстве владел искусством скоростного карандашного наброска.
Валентин Александрович с присущим ему мастерством умел не только уловить узнаваемые очертания фигуры и головы, но также ясно и точно передать все характерные черты его внешности, вплоть до мгновенно захваченного выражения на его лице. Эти короткие быстрые наброски сильнее других работ, можно судить об удивительном мастерстве художника.
Тренируя руку на молниеносных зарисовках парадов и военных маневров, рисование офицеров и солдат, Серов вовсе не стремился к портретному сходству, но, даже против его воли, он делал настоящие портреты. Точный глаз и безошибочная рука мастера не умели иначе. Живописец мог позволить себе писать сложные композиции без предварительного карандашного наброска, сразу акварельной кистью. Каменный уголь, кисть и карандаш беспрекословно подчинялись ему. Следовательно, он рисовал детей, которые никогда не позировали ему так уверенно, как он изображал взрослых в течение нескольких месяцев, утомляя их долгими сеансами позирования.
Всего через пять лет после поступления Серов уходит из Академии, чувствуя себя готовым мастером. Всю свою будущую жизнь, его постоянное творческое самосовершенствование происходит по свободному графику непрерывной работы.
В 1885 г. Серов написал картину «Волы» (Государственная Третьяковская галерея, г. Москва), год спустя, картина «Осенний вечер в Домотканово» (Государственная Третьяковская галерея, г. Москва), и «Зима в Абрамцево. Церковь »(Государственная Третьяковская галерея, г. Москва). Становление живописного стиля Валентина Серова происходило под влиянием двух маститых живописцев - Репина и Чистякова, и их художественные школы.
Тем не менее, уже в двадцать, по стилю и технике письма художник не имел ничего общего ни с одним из учителей, потому что он разработал свой собственный, уникальная манера исполнения, которую нельзя спутать ни с одной из известных в истории искусства техник. И это при том, что картины Серова очень разнообразны по исполнению.
Художник никогда не останавливался ни на одном успешно найденном и однажды отработанном способе решения проблемы, как это часто бывает с другими художниками. Все время ищу новые подходы, он старался подобрать для каждого конкретного сюжета наиболее подходящую форму и технику художественного выражения. На протяжении всего периода его работы. Серов постоянно искал и находил еще более точные способы выражения своего отношения к объекту, никогда не останавливаться на достигнутом.
Новатор русского изобразительного искусства
Серова часто называют первым русским импрессионистом, сравнивая свои работы с картинами Ренуара. Несмотря на то что, некоторые искусствоведы считают, что по живости красок русский художник даже опередил своего предшественника, элегантность светопропускания и благородство тонов.
Если Ренуар часто использовал туман, расплывчатые переходы в его творчестве, создавая некоторую преуменьшение, затем Серов, Напротив, всеми доступными ему средствами, продемонстрировали прозрачность и глубину фона и яркое торжество жизни на нем. В работах художника часто можно увидеть причудливую смену света и тени, неповторимый перелив светлых тонов и игра с бликами.
Даже в его мрачных классических портретах Серов сумел внести световой акцент таким образом, чтобы подчеркнуть и подчеркнуть личность изображенного человека. Валентин Александрович даже мелкие детали и предметы прописывал с большой достоверностью, закрепив за собой славу очень дотошного художника, придающего значение каждому элементу.
Примечательно, что свои полотна художник писал в лучших традициях импрессионизма задолго до того, как смог увидеть сами полотна представителей этого направления. родился во Франции и путешествовал по Европе в Россию всего два десятилетия спустя.
Такой чуткий гений, как Серов, всем своим духом взялся за новаторские идеи, вдруг начал работать совершенно новым и необычным для нашей школы живописи способом, называется новый реализм. Можно судить о том впечатлении, которое произвел на публику первый показ работ молодого Валентина Серова, согласно записи, сделанной в монографии Игоря Грабаря, который написал:«Противоположность« истина жизни и правда искусства »может быть представлена в следующих именах:Мане и Курбе во Франции, Эйбл и Менцель в Германии, Серов и Репин в России. Я помню, как впервые ощутил всю значимость этой противоположности. Это было в 1888 году. Для нас тогдашние подростки, вернисажи двух единственных московских выставок того времени, Периодический и Мобильный, были настоящим праздником, самые счастливые дни в году… Выставка была чрезвычайно знаменательной. Теперь ясно, что этого не произошло ни раньше, ни позже… ей суждено было сыграть огромную роль в истории нашей последней картины… Самыми значительными из всех были… два полотна, тогда еще неизвестных Серову, две такие жемчужины, что если бы нужно было назвать только пять самых совершенных картин во всей новейшей русской живописи, тогда оба неизбежно должны быть включены в этот список… ».
Монография посвящена двум портретам, мгновенно поднявшим двадцатидвухлетнего художника на недосягаемую высоту. Это произведение «Девушка с персиками» (1887 г., г. Государственная Третьяковская галерея, Москва) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888, г. Государственная Третьяковская галерея, Москва). Первое полотно произвело настоящий фурор в период мрачного реализма и явного преобладания в живописи темных и тусклых цветов. На этом фоне эмоциональное воздействие сияющей живописи Серова, наполненный солнечным светом, лучи которых пронизывают комнату, с мягким переходом всевозможных оттенков, чарующая теплота пастельных тонов, все вместе было не просто новым словом, но свежий ветер перемен в русском искусстве.
Сам художник так описал работу над картиной:«Я добился только свежести, та особая свежесть, которую всегда чувствуешь в натуральном выражении и которую невозможно увидеть на картинах. Я больше месяца писал и мучил ее, бедных, до смерти, Мне очень хотелось сохранить свежесть картины, когда она будет полностью закончена, как старые мастера… ».
На полотне изображен конкретный ребенок - Веруша Мамонтова, но сама работа была в большей степени композиционной, чем портрет конкретного человека, что ее общее название - «Девушка с персиками» стало известным. Работа словно соткана из солнечного света и радости, заполняя комнату до краев, окутывая все предметы сверкающим ореолом. Лучи света скользят по стенам, упасть на белую скатерть, играть на плечах и рукавах розового платья девушки, проникая сквозь тонкую ткань, теплые «зайчики» ложатся на смуглую кожу щёк. Кажется, будто воздух в комнате звенящий и прозрачный, наполненный тонким запахом персиков и искрящимися искрами золота.
Картина написана такими светлыми красками, которые уникально точно передают действительность, что гармония истинной жизненной силы перекрывает несомненную красоту этой работы и дышит буквально каждым изображенным предметом. Темные глаза Веруши светятся детской непосредственностью, за которым угадывается и ее неугомонность, ребенок еле сдерживает улыбку, ей уже не терпится откусить выбранный персик, которую она держит изумительно раскрашенной загорелой рукой. Весь взгляд девушки, от взлохмаченной прядки волос до легкого смеха в ее глазах, полна неутомимой энергии и придает ей живой любопытный характер. Даже спустя более ста лет Двенадцатилетняя девочка на снимке продолжает жить беззаботной жизнью.
Даже персики на картинке - участники акции. Они изложены буквально с поражением воображения. Их бархатная корка практически ощутима. Также эффектно очерчены спинки стульев и полированная столешница. Непонятным образом Серову удается передать фактуру вещей от блестящей полировки до волшебного бархата, нежно впитывая свет и гармонично гармонируя с такой же бархатной кожей ребенка. За эту работу Московское общество любителей художеств вручило премию юному Валентину Серову.
Другая работа - «Девушка, освещенная солнцем» (портрет двоюродного брата Серова М. Я. Симоновича). это еще один солнечный холст, в котором художник уделил особое внимание передаче завораживающей игры света и тени. Девушка, сидящая под деревом, окутана узором из кружевной листвы, пронизанной солнечным светом спокойного летнего полудня. Ее лицо спокойное, вся ее поза женственная и расслабленная, как будто она находится в царстве покоя и мира. Ажурный перелив солнечных бликов заливает кофточку и кожу героини. Они написаны почти мозаичными мазками, создающий контраст с неожиданно мягкой бархатной сине-фиолетовой юбкой. Опять таки, Художник сумел невероятно точно передать бархатный перелив ткани несколькими длинными мазками. В произведении прослеживается совершенно другой ритм жизни, чем в «Девушке с персиками», написанной годом ранее. Эти два произведения словно пересекаются. как бы живописные аллегории:детство и юность, беззаботная игривость и мечтательное созерцание. Гораздо позже, в ноябре 1911 г., прямо перед его смертью, Серов, вместе с Игорем Грабарем, посмотрел это полотно в Третьяковской галерее. «Он долго стоял перед ней, «Грабарь вспоминает:«Глядя на нее пристально и не говоря ни слова. Затем он махнул рукой и сказал:не столько мне, сколько космосу:«Я написал эту вещь, а потом всю жизнь как бы ни надулся, ничего не вышло, потом все было исчерпано », - вспоминает Грабарь, - пристально глядя на нее, не говоря ни слова. Затем он махнул рукой и сказал:не столько мне, сколько космосу:«Я написал эту вещь, а потом всю жизнь как бы ни надулся, ничего не вышло, потом все было исчерпано », - вспоминает Грабарь, - пристально глядя на нее, не говоря ни слова. Затем он махнул рукой и сказал:не столько мне, сколько космосу:«Я написал эту вещь, а потом всю жизнь как бы ни надулся, ничего не вышло, потом все было исчерпано ».
Конечно, говоря так, художник был слишком критичен к себе. Все его последующие работы только подтвердили его незаурядный талант, которые просто постоянно искали новые формы самовыражения, позволяя своему владельцу показать нам реальность через новые формы своего уникального восприятия.
Личная и общественная жизнь мастера
В письме из Венеции невесте Ольге Трубниковой:Серов в 1887 году пишет о своем увлечении «мастерами эпохи Возрождения XVI века»:«Им было легко жить, беззаботный. Я хочу быть таким - беззаботным; в этом веке пишут все сложное, ничего обнадеживающего. Я хочу, Я хочу чего-то хорошего и напишу только хорошее. " Два года спустя, в январе 1889 г., Ольга Трубникова и Валентин Серов поженились в Санкт-Петербурге. После 10 лет, в 1999 году, их сыновей Юрия и Сашу художник изобразил на картине «Дети» (ГРМ, г. Санкт-Петербург).
Серов был талантливым портретистом. Его первыми моделями были знакомые и близкие ему люди:писатели, художники, художники. Часто писал портреты своих друзей:Римского-Корсакова, Коровин, Репин, Левитан и Лесков.
За каждую новую работу, художник выбрал особый стиль, подчеркивая индивидуальность его персонажей. Например, создавая картину «Портрет Константина Коровина» (1891 г., г. Государственная Третьяковская Галерея, Москва), мастер изобразил своего друга в совершенно «коровинской» манере, используя крупные свободные мазки и цвета, присущие Коровину, таким образом обогащая личные качества художника. Домашняя одежда, свободная поза и все окружающее очень точно передают темперамент и внешность Константина.
Портрет И. И. Левитана (1893, г. Государственная Третьяковская Галерея, Москва) была исполнена совершенно иначе. Для него, Серов находит другие графические образы, отличающийся, более сдержанный цвет. Аристократичный высокий лоб и изящная рука выделяются на полотне двумя светлыми пятнами, все остальное поглощено спокойным коричневатым полумраком. На картинке нет ни одного объекта, хотя бы намекая на род деятельности изображаемого человека, хотя Левитан позировал в своей мастерской. Для Серова, гораздо важнее было передать характер своего друга, его роман, меланхолия постоянная грусть, задумчивость и поэзия.
Валентин Серов вел активную общественную жизнь. С 1894 г. он стал участвовать в Товариществе передвижных художественных выставок. Три года спустя, в 1897 г., начал преподавать в Московской школе живописи, Скульптура и архитектура. Среди его учеников были такие художники, как Павел Кузнецов, Николай Ульянов, Николай Сапунов, Мартирос Сарьян и Кузьма Петров-Водкин.
Интересы художника не ограничивались животными и портретами друзей, как сказал сам Серов:«Я еще маленький пейзажист». Его пейзажи удивительно лаконичны и неприхотливы, что не мешает им невероятно тонко передавать настроение окружающей природы. Кроме того, у художника прекрасно развито чутье на выбор изумительных уголков для своих пейзажей.
Художник любил работать в основном над изображением русской деревни. Больше всего ему понравилась средняя полоса России, которую он красиво и тонко изобразил на картине «Женщина в телеге» (1896 г., г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), «Октябрь» (1895 г., Государственная Третьяковская Галерея, Москва), «Зима» (1898 г., Государственный Русский музей, Санкт-Петербург), «Полоскание горла» (1891 г., местонахождение неизвестно), «Женщина с лошадью» (1898 г., Государственная Третьяковская Галерея, Москва), и «Стригуни на водопое» (1904 г., г. Государственная Третьяковская Галерея, Москва).
В начале ХХ века а именно с 1900 по 1904 год, художник был членом объединения «Мир искусства». В течение этого периода, Серов увлекся образом царя-реформатора Петра I, которому он посвятил несколько своих прекрасных полотен. На данный момент, художник начинает живо интересоваться политическими процессами, происходящими на его родине. Возможно, именно это вызвало интерес к фигуре Петра, кто жил, как и сам Серов в эпоху перемен.
Работа художника «Петр I на собачьей охоте» (1903 г., г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) очень показательна. По сюжету картины, молодой король решает преподать урок знати, которая хвасталась своими успехами в охоте на собак. Петр решает доказать гордым, что их удача целиком зависит от умения крепостных гончих. Король устраивает охоту, на которой нет ни одного питомника, заставляя самих бояр справляться со стаей. Естественно, там полный бедлам, просто для удовольствия Питера. Многие маститые охотники падают с коней, неспособность управлять собаками. В этой работе, Серову необычайно достоверно удалось передать колорит русской зимы и настроение всех участников сцены.
Еще одна картина художника, написано чуть позже, в 1907 г., «Петр I» (Государственная Третьяковская галерея, г. Москва), посвящен великому русскому реформатору. Здесь мы видим одновременно очень пафосную и очень динамичную сцену, проникнуты духом стремительных преобразований той героической эпохи. Петр I быстро идет навстречу ветру, практически взорвав свою свиту. Картина призвана подчеркнуть величие, сила и решимость государя.
Серов успел стать академиком, в 1903 г. избран действительным членом Академии художеств. Но это длилось недолго. Два года спустя, артист откажется от почетного статуса в знак протеста против массовой казни 9 января, 1905 г.
Художник также принимал участие в организации сатирического издания «Жупель», рисовал для него карикатуры политической направленности. Также, около пятнадцати лет, Вееров создавал иллюстрации животных к басням Крылова. Именно эти рисунки стали любимым детищем художника; он повторял их много раз, поиск необходимых качеств и эмоций с особой тщательностью. Уже в зрелые годы Серов создал ряд шедевров неоклассицизма и русского модернизма в живописи и графике. лишний раз доказывая свою многогранность и постоянный поиск стиля и манеры живописи.
В 1907 г. мастер посетил Грецию, которые произвели на него неизгладимое впечатление своими скульптурами и памятниками. Серов создал несколько декоративных панно на античную тему:«Одиссей и Навзикая» (существует в нескольких вариантах) и поэтическую легенду о «Похищении Европы» (обе работы 1910 г., Государственная Третьяковская Галерея, Москва). Изображенный на последней картине бык Зевс удивительно жив, с полностью осмысленным взглядом, а лицо девушки, Напротив, похожа на старинную маску, аллегорически застывший и бесстрастный.
Как и многие художники того времени, Серов сотрудничал с театрами. Его занавес к балету «Шахерезада», настоящий шедевр изобразительного искусства, создан в 1911 г., имела оглушительный успех в Лондоне и Париже.
Лучший портретист России
Слава талантливого портретиста стала для Серова настоящей кабалой и проклятием. После 1895 г. заказы на портреты буржуазной и аристократической знати лились на художника без конца. Несмотря на огромное трудолюбие, художник мечтал рисовать совсем не светских людей, но животные, поэтому он с большим энтузиазмом работал над созданием иллюстраций к басням. Но, вместе с ростом мастерства художника, его слава лучшего портретиста России неуклонно росла.
Портрет С. М. Боткина (1899 г., г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) говорит о ярко выраженном таланте Серова как художника-психолога. Художник не удержался от небольшой иронии в светских портретах. Элегантная Софья Боткина в роскошном золотом платье, расшитом искусственными цветами, сидит на диване, обитом синим шелком, богато плетеный растительный орнамент. Художника раздражала эта причудливая роскошь интерьера, чрезмерное изобилие золота и сама дама, которую он называл «скучающей любовницей». Работа, наполненный тонкой иронией, сразу после публикации, прозвали «леди на диване в пустыне».
Действительно, художник настолько размыл фон картины, что кажется, что он простирается гораздо глубже, как будто за горизонт. Но не это самое интересное в портрете, вопреки всем законам композиции, Серов сместил позирующую «любовницу» из центра вправо, и строго в центре полотна посадил крохотную итальянскую борзую, написана почти с большей заботой и любовью, чем ее элегантная и роскошная хозяйка. Художник был уверен, что присутствие животных добавляет естественности напряженным и вычурным позам людей.
Наиболее ярким примером этого является «Портрет великого князя Павла Александровича» (1897 г., г. Государственная Третьяковская Галерея, Москва). В теме, сам князь изображен в неестественном напряжении, как будто застывшая поза, а его лошадь - чуткая, оживленный, с умными глазами - придает полотну динамику и естественность. Для этого парадного портрета один из первых портретов такого рода в творчестве художника, Serov received the Grand Prix gold medal at the world exhibition in Paris in 1900.
The image on portraits of animals became a kind of outlet for the artist. Так, in “Portrait of Count F. F. Sumarokov-Elston with a Dog” (1903, State Russian Museum, St. Petersburg), the painter himself insisted on the presence on the canvas of his beloved dog a young count, who, in the end, looks almost more significant its noble owner. The same story with a magnificent white horse on the “Portrait of Prince F. F. Yusupov” (1903, State Russian Museum, St. Petersburg).
According to Serov’s contemporaries, it is his brush that owns the best portrait of the last Russian tsar. The painting “Portrait of Emperor Nicholas II” (1900, State Tretyakov Gallery, Moscow) was not easy for the artist, who was least suitable for the role of a court painter, according to his creative aspirations and spiritual disposition. The painter was already famous, had a huge number of orders, which he often rejected because of the physical impossibility of doing everything.
Конечно, Serov did not want to paint a portrait of the ruler of the power, but he could not refuse the emperor himself either. The portrait did not work for a long time. Most of all, the empress annoyed the painter, who constantly intervened in the creative process with her advice. As a result, Serov could not stand it and gave the brush with the palette to her hands, offering to finish the portrait herself, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. In the end, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.
After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. К несчастью, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.
Often the artist wrote symbolic works. В качестве, Например, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" А также, действительно, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.
The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.
But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, St. Petersburg), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.
The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.
But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.
Naturally, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.
The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, прощание, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.
This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. Naturally, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". But, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.
Каждый раз, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.
Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, moreover, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.
The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.
Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. Также, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.
Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.
The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "
An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, St. Petersburg). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, сидеть, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, тем не мение, in his own manner.
The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.
The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.
Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. Так, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.
Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. Тем не менее, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.
A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”
Epilogue
The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. ”
Zhuravleva Tatyana
