14 ноября 1840 г. в Париже, В семье владельца продуктового магазина родился сын по имени Оскар Клод Моне. Всего пять лет спустя вся семья будущего художника переехала в Нормандию, в Гавр. Начиная с 14 лет, Моне начал зарабатывать деньги и славу рисованием мультфильмов.
Картины Клода Моне
Здесь, в Гавре, молодой человек познакомился с пейзажистом и оригиналом Эженом Буденом, который работал в очень странной для того времени манере - свои картины писал не в мастерской, но прямо на свежем воздухе.
Моне быстро осознал преимущества метода Будена - непосредственность и живость передачи натуры на холсте. С того времени, то есть, примерно с 1856 г., художник тоже начал писать на пленэре. Даже тогда, Клод Моне решил для себя, что посвятит свою жизнь живописи, при том, что у его отца было собственное мнение по этому поводу.
Определившись со своей миссией, Моне переехал в Париж, где в 1859 году он поступил в Швейцарскую академию. Там он знакомится с реалистом Гюставом Курбе, великий романтик Эжен Делакруа и импрессионист Камиль Писсарро. Правда, после года обучения, художника отправили в Алжир на военную службу, но он вернулся в Гавр раньше срока по состоянию здоровья, а оттуда он сразу же вернулся в Париж.
Креативные эксперименты и страсть к световым эффектам
Судьбоносным для Моне было вход в мастерскую известного тогда живописца Шарля Гдейра, в 1862 году. Именно там он встретил своих будущих друзей - Огюста Ренуара, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, с которым он станет инициатором импрессионистского движения. Поиск новых путей в искусстве стал целью и главным развлечением всей компании.
Три года спустя, Моне написал картину «Завтрак на траве», вдохновением для которого послужила скандальная работа Эдуарда Мане под тем же названием. Тем не мение, Моне не собирался эпатировать публику изображением настоящих обнаженных персонажей, как это сделал Мане. Молодой художник просто искал свой стиль. Уже в это время он начал пренебрегать линией и моделировал все формы с помощью цветных пятен. Художник, все еще в Нормандии пристрастился к письму на природе, Больше всего интересовались эффектами естественного света. Работа на опушке дала молодому художнику возможность наблюдать, как солнечные лучи проходят сквозь листву и падают на различные поверхности. цвет которых сразу меняется, благодаря этим отражениям и бликам листвы.
Моне использовал свою возлюбленную Камиллу Донсье в качестве модели женских персонажей на работе. а мужские персонажи на картине были написаны Фредериком Базилом. Эта компания, который установлен на завтрак на лоне природы, занят только своим разговором и не контактирует со зрителем. Художник появляется здесь, как незаметный наблюдатель, господа и дамы ему не позируют. Нам остается только любоваться складками женских платьев, они повернулись к нам спиной. Лицо сидящего молодого человека, расположенное в правом нижнем углу картины, также отвернуто от зрителя. Моне следует своим законам, он не четко структурирует композицию, как театральная мизансцена. Нарушая традицию, что изображение на переднем плане персонажа, повернутого спиной к зрителю, было просто невозможно, художник создает свою непринужденную эстетику, свободный от предрассудков. К несчастью, картина не сохранилась полностью, но его этюды вызвали большой интерес у многих молодых художников. В Московском музее имени А.С. Пушкин - один из вариантов работы, Создан в 1886 году.
Еще один пример отхода от классической живописи - картина «Дамы в саду» (1866 г., г. Музей Орсе, Париж), макет которого, с кроем женских платьев, не позволил бы себя рисовать академически. И Моне не побоялся свободно кадрировать изображение, создавая впечатление раздробленности, похож на эффект фотографии.
На полотне мы видим типичную жанровую сцену, смысловой центр которого смещен к левому краю. Отход от традиций здесь выражается в том, что дамы, отдыхающие в тени деревьев, становятся неотъемлемой частью цветущего пейзажа. служа его украшением, как красивые цветы. Женские фигуры словно сливаются с пейзажем, их платья гармонируют с фоном теней, отбрасываемых стволами деревьев.
Художника интересует не столько передача индивидуальности молодых женщин, сколько их наряды или занятия, но в передаче игры света и гармонии в отношениях между природой и человеком. О том, насколько незначительны для художника были сами дамы, можно судить по тому очевидному факту, что все четыре барышни написаны по одной модели - самой Камилле. Художник попытался завуалировать это, показав нам лицо только одной дамы, сидящей на траве. Фигура слева показана в профиль, дама рядом с ней закрывает лицо букетом, и четвертая героиня, кто тянется к цветущим кустам, полностью отвернулся от зрителя.
В том же году, была написана одна из самых известных картин Клода Моне 1860-х годов - «Женщина в зеленом платье» (1866 г., Кунстейл, Бремен, Германия). На холсте, мы снова видим Камиллу Донсье. Художник работает реалистично, он использует темный фон, на котором лицо молодой девушки, купались на солнце, выделяется ярко.
Резкий контраст освещенных и затемненных участков напоминает светотень Караваджо. Лирический образ и в то же время очень интимный, он не предназначен для общего просмотра:мастер разворачивает Камиллу почти спиной к наблюдателю, сама модель не ищет эффектных поз, оставив нам только возможность осмотреть подол платья и наброшенную на него шубу. Работа была положительно встречена как критиками, так и зрителями, принесшие молодому Моне известность.
Год спустя, Моне написал картину на очень похожую тему. Создается впечатление, что женщина в легком белом халате на картине «Дама в саду» (1867 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) нужен художнице только как повод для материализации одушевления природы, чтобы придать ей обитаемое состояние. Дама снова чуть не повернулась к зрителю спиной, а художника интересует только красота полуденного пейзажа с его яркими красками и длинными тенями.
Центр композиции - круглая клумба с красными цветами, на котором стоит дерево. Изображенная женщина, кто, в теории, является смысловым центром произведения, ставится у самого края картинки. Дама служит крайней левой точкой, от которой начинается композиционная диагональ произведения, далее поддерживается деревом на клумбе и другим деревом, изображенным справа. Ритм композиции задают вертикали женской фигуры и обоих деревьев, а также узкие тени, отбрасываемые ими на зелень травы.
В 1867 г. Камиль Донсье, родила художнику сына Жана, и чуть позже стала его женой. В том же году, написана картина «Жан Моне в колыбели» (частное собрание). Здесь, в отличие от многих картин автора, четко обозначен центр композиции; это декорированная люлька с балдахином, свисающим над изголовьем кровати. Мы видим мать возле детской кроватки - это делает картину похожей на жанровые сцены, популярные в голландской живописи. Тем не мение, Правое плечо и спина Камиллы обрезаны краем картины, указывая на значимость другого персонажа произведения - сына, укрытого одеялом.
Жанр натюрморта был не любимцем Моне, но, тем не менее, он обращался к нему время от времени. Картина «Натюрморт с фруктами и виноградом» (1867 г., г. частное собрание) отличается более плавной манерой письма, чем пейзажные работы мастера. Тусклый темный фон в полотнах Моне встречается довольно редко, но на этом, спелый, особенно живо и правдоподобно смотрятся даже слегка перезрелые плоды. В этой работе, Исполнитель, как всегда, больше всего интересуется природой и световыми эффектами.
Но цветы, художник, страстно любивший их, рисовать предпочитал на природе. Изображение срезанных цветов было редким исключением, примером чего является картина «Цветы и плоды» (1869 г., г. Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес, Калифорния). Здесь, мастер изначально использовал темный фон, но впоследствии отказались от него. Построив натюрморт, Моне легко отрезает добрую половину плетеной корзины, фрукты на столе и лепестки подсолнуха, что также нарушает все каноны академической живописи, призванием которого всегда считалось изображение объекта с лучшей стороны.
В начале карьеры Клод Моне сильно страдал от финансовых затруднений, что чуть не довело его до самоубийства. В 1860-х гг. Плохое материальное положение художника заставляло его постоянно переезжать с места на место. Начиная с 1869 г., Моне поселился в парижском пригороде Буживаль. Огюст Ренуар часто приходил к нему сюда, вместе они много работали на природе, запечатлеть те же виды и разработав собственную технику рисования.
Друзья вглядывались в лицо природе, заметили даже незначительные изменения в освещении и движении воздуха, которые их больше всего интересовали. Желание уловить мгновенные состояния постоянно меняющейся природы, живя по своим законам, объединила молодых художников. Они внимательно наблюдали, как одни и те же пейзажи трансформируются в зависимости от времени суток, атмосферные условия и характер освещения:тени удлиняются и сгущаются, солнечные блики играют на листьях и воде, и рябь образуется на неподвижной поверхности реки.
В 1869 г. художники написали свои знаменитые одноименные картины с видом на кафе на Сене возле Буживаля и бассейн возле него. Картины назывались «Лягушка» (Метрополитен-музей, г. Нью-Йорк). В своей версии произведения Моне выработал индивидуальную технику письма, новый способ нанесения мазков, что дает возможность быстро перенести на холст ощущения от увиденного, что критики сочли крайне небрежным. Действительно, с точки зрения салонного маляра, полотно производит впечатление незаконченного, бегло выполненный эскиз, в котором только отмечены объекты, и довольно грубо. В академическом искусстве нет идеализации. Но Моне этого совершенно сознательно избегал. Художник всегда писал то, что видел в данный момент, пытаясь «поймать» застывшую реальность, застывшую на мгновение, и для такой задачи ему требовалось быстрое оборудование.
Как и большинство импрессионистов, Моне писал чистым цветом, не прибегая к смешиванию цветов на палитре. Он избегал оттенков и полутонов, принятых в традиционной живописи. Вместо, художник плотно нанес на холст мазки определенных цветов, и в сочетании, они придали разные оттенки восприятию человеческого глаза. Идея такой картины была основана на открытиях французского физика Эжена Шеврёля в области оптики. Особенно, было установлено, что цвет предметов не является определенным объективным фактом, а скорее зависит от света, лучи которого отражаются от них. Это послужило оправданием полного отказа импрессионистов от черного и создания ими «цветных» бликов и теней на светлых поверхностях своих полотен.
Картина «Терраса Святого Андрея» (1867 г., г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк) отличается отсутствием перспективной конструкции общего для европейского искусства пространства. Из-за этого, кажется, что море нависает над солнечной террасой. Идея отказаться от перспективы Моне была подана традиционной японской живописью, ставшей популярной в Европе. На переднем плане картины цветущая терраса, на котором дамы и господа прячутся от жаркого летнего солнца под навесом или зонтиками, прогуливаясь или просто отдыхая, сидя в плетеных креслах.
Яркие цветы будут неоднократно появляться на полотнах Моне, становление, в конце концов, самостоятельный мотив в его более поздних работах. На заднем плане море, многочисленные парусники, на которых подчеркивается горизонт. Парусник, изображенный у террасы, служит важным ориентиром для глаз. Без этого, первый и второй планы картины выглядели бы слишком фрагментированными, что привело бы к распаду композиции на две независимые и не связанные между собой части. Четкие вертикальные столбы, споря с горизонтальным построением композиции, выглядят немного чужими. Но это только поверхностное впечатление, по факту, именно они «собирают» всю работу, фокусируя внимание зрителя на его центральной части.
С началом франко-прусской войны в 1870 г. Моне уехал в Лондон, где он женился на Камилле в том же году. В Лондоне, Художник продолжает встречаться с друзьями и единомышленниками, вместе с Камилем Писсарро пишет городские пейзажи.
Индивидуальность стиля
Два года спустя, художник создает свою знаменитую работу «Впечатление. Восход солнца »(1872 г., Музей Мармоттан-Моне, Париж). В этом, художник не пытался воспроизвести реальность, не пытался подражать природе, но только передал свое личное впечатление о ее красоте.
Фигуры людей на картине снова еле очерчены, что было необычно для зрителя, привык к академической манере письма. Но колористическая взаимосвязь чистой сияющей воды и восхода солнца, что проявляется в ярких отблесках на поверхности моря, передается красиво.
Художник представил эту работу на первой выставке импрессионистов. состоялась в 1874 году. Затем, Моне и его товарищи по-прежнему называли себя «Анонимным обществом художников». Художники и граверы ». Картина получила резко отрицательные отзывы критиков и зрителей. и его название («Впечатление») породило ироническое определение во времена нового направления живописи - импрессионизма. Выставка прославилась только своим оглушительным провалом.
Вернемся в 1872 году, когда Моне и его семья переехали в город Аржантей, под Парижем. К нему снова пришли друзья - Сислей, Эдуард Мане и Ренуар. Картины художника по-прежнему не продавались, но наследство, доставшееся от отца, смогло немного повысить материальное благосостояние его семьи. Здесь, в Аржантее, Моне устроил себе «плавучую мастерскую». Путешествовал на лодке по Сене, свободно запечатлевая понравившиеся виды и продолжая изучать эффекты освещения через рефлексы солнечного света на воде.
В 1873 г. Моне создает картину «Маковое поле в Аржантее» (Музей Орсе, г. Париж), с изображением Камиллы и маленького Жана Моне, тонущих в полевой траве. Диагональное построение композиции создает ощущение движения. На переднем и заднем плане две пары, состоящие из матери и ребенка, которые расположены по диагонали, поддерживается еле заметной дорожкой, подчеркнута только полоской маков. Обе пары написаны с одних и тех же моделей. Работа прекрасно демонстрирует умелое составление композиции с использованием цвета.
В том же году, картина «Бульвар Капуцина» (1873 г., г. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва) тоже красили, в котором явно чувствуется влияние искусства фотографии. Картина, передать миг из жизни, наполненной прохожими и экипажами городского бульвара, напоминает снимок. Люди в нем играют второстепенную роль, а главный - атмосфере современного художника города.
Явное влияние фотографии заметно в композиционном построении картины «Улица Сен-Дени в Национальный день» (1878 г., г. Музей исскуства, Руан). Ритм композиции задают сине-бело-красные мазки многих национальных знамен, выставлено, как штыки, с балконов и оконных проемов домов. Работа, как репортажный кадр, запечатлела жизнь города во время праздника.
Кроме того, художник совершенно не заинтересован в чествовании людей. В отличие от Делакруа и его работы «Свобода на баррикадах», Моне не изобразил группу в зрелищной обстановке. Художнику был нужен сам город, его лицо и атмосфера, царящая на празднике. Улицы населены только личными фигурами - нарисованными темными силуэтами, подавленными каменными стенами.
Но самыми любимыми моделями для артиста оставались обожаемая жена и маленький сын. Кистям Моне принадлежит замечательная работа «Камилла Моне с сыном Жаном» (альтернативное название «Дама с зонтиком», 1875 г., Национальная художественная галерея, Вашингтон). Несмотря на статичные позы героев, картина полна движения:облака несутся по небу, а легкое платье и фата на шляпе молодой женщины развиваются на ветру.
Ярким примером влияния восточного искусства на творчество художника является его всемирно известная картина «Японская девушка» (1876 г., г. Музей изящных искусств, Бостон). В теме, Камилла, одет в ярко-красное кимоно, стоит у серой стены, украшенной японскими бумажными веерами. Работа чрезвычайно декоративна, традиционный японский наряд полностью скрывает фигуру женщины, а композиция полностью лишена глубины и приближается к плоскому рисунку. Как всегда, Моне избегает четких контуров предметов:фигуры жены, японец, изображены на ткани кимоно и веером на стене за спиной женщины, написаны больше цветом, чем строкой, что создает дополнительное впечатление ровности работы. Интересным моментом композиционного решения является то, что фигуры японца на кимоно и героини картины развернуты ровно в противоположных направлениях, уравновешивают друг друга.
Важнейшим местом современного парижского художника был вокзал Сен-Лазар. Мастер посвятил ему несколько картин, написана в 1877 году. Станция творила судьбы людей, соединяя столицу Франции с другими городами и даже странами. Здесь всегда кипела жизнь:пассажиры приезжали и уезжали, жужжали локомотивы, поезда набирали скорость и уносились вдаль.
Именно эту волнующую атмосферу новой индустриальной жизни художник стремился передать в своих полотнах. «Вокзал Сен-Лазар. Прибытие поезда »(1877 г., г. Художественный музей Фогга, Гарвард) как нельзя лучше отражает повседневную жизнь станции. В работе использована почти монохромная роспись, выбранный необычный ракурс, отлично передает особенности решения архитектурного свода вокзала.
Скоро, Два важнейших события для художника произошли в его семье:в 1878 г. его любимая жена родила ему второго сына, Мишель, после чего тяжело заболела сама Камилла. Моне снова испытывает серьезные финансовые трудности. Ни публика, ни критики еще не «созрели» до правильного восприятия его стиля в искусстве. Художник был вынужден покинуть Аржантёй и поселиться в Ветее, где его соседом были бизнесмен Эрнест Гошеде и его жена Алиса, которой впоследствии суждено было стать второй женой живописца.
Свои впечатления от переезда художник передал в картине «Дорога в Вети зимой» (1879, г. Художественный музей, Гётеборг), где он изобразил типичный зимний пейзаж Франции:грунтовая дорога, покрытая снегом, холмы с коричневато-коричневой почвой, проступающие сквозь рыхлый снег и мерзлую зеленую траву, Церковь, двухэтажные дома построены на пологих склонах холмов по обе стороны от дороги. Лишь фигуры двух путешественников немного оживляют пейзаж.
Картина «На берегу Сены близ Ветеи» (1880 г., г. Национальная галерея, Вашингтон), расписан летом будущего года, одновременно прост и лиричен. Весь передний план картины занимают цветущие луговые травы, за которым можно увидеть зеркальную гладь реки. Художник мастерски передал отраженное в реке небо с плывущими по нему облаками и деревьями на противоположном берегу. Прибрежные кусты и отдельно растущие деревья на заднем плане картины словно окутаны голубовато-серой дымкой от затеняющих их серых облаков.
Необычайно яркий и солнечный пейзаж на холсте «Цветущие яблони» (1879 г., г. Музей изящных искусств, Будапешт) впечатляет светопропусканием мастерской - изображенный пейзаж словно купается в лучах солнца, заливающих все окружающее пространство.
Композиция картины опять же очень проста, на переднем плане цветущие деревья яблоневого сада и трава под ними, во втором мы видим дома с красными крышами, наполовину скрытые за ветвями деревьев, на заднем плане возвышается холм. Несколько яблонь, придвинута вплотную к нижнему краю работы, служат правыми кулисами и единственной вертикальной на горизонтальной композиции, как бы «собирая» всю работу.
В том же 1879 г. в возрасте всего тридцати двух лет, Любимая жена Моне умерла от тяжелой болезни. Художник убитый горем, она пишет свой портрет Камиллы на смертном одре, в котором он изобразил жену по-своему, подчеркивая цветом, как ее лицо теряет свои жизненные цвета.
Долгожданный успех
Как ни парадоксально, Именно в этот год тяжелой личной жизни к артисту приходит профессиональный успех. В парижской прессе появились положительные отзывы и комментарии о выставке его работ, который сразу начал продаваться. Это улучшило материальное положение художника.
В 1883 г. он снимет небольшой, но очень уютный дом в Живерни под Парижем, рядом с которым разбит великолепный сад, проверено как картина, с учетом индивидуальной окраски и сроков цветения каждого растения. Потом, Моне выкупает дополнительную территорию возле дома, чтобы создать на ней еще один потрясающий сад, в котором был пруд с кувшинками и японский мостик с извилистыми дорожками, ведущими к нему. Это место будет предметом его картин до самой его смерти, наряду с идеей создания множества отдельных серий работ, в которых художник воплотил свои многолетние исследования визуальных возможностей цвета при передаче различного освещения. В этих рабочих циклах живописец четко изобразил, как меняется один и тот же мотив в зависимости от того, как он освещен. Надо сказать, все сериалы пользовались огромным успехом у публики.
Незатейливый сельский вид на картине «Стог сена в Живерни» (1886 г., г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) стал одним из любимых мотивов художника. Пейзаж, композиционным центром которого был стог сена на переднем плане, дополняется домами и деревьями, видимыми в дальних полях.
В 1888 г. Моне создаст серию из 25 работ, посвященных этому виду. Кроме того, окружающий пейзаж на полотнах будет становиться все более произвольным, разделение на композиционные планы практически исчезнет, и стог сена приобретет самостоятельную роль, как бы концентрируя в себе такой концептуальный центр бытия. Во всех картинах главная роль отведена цвету, который стремится передать весь спектр переменного света. В течение дня, художник работал над несколькими полотнами, передающими разные условия освещения:утро, днем и вечером - в этом была оригинальность метода художника, положившая начало еще одной серии - «Тополя». Зеркальная симметрия, по принципу которого составлено произведение «Тополя в Эпте» (1891, г. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) представляет зрителю две реальности:настоящую тополевую рощу на берегу реки и ее отражение в зеркальной поверхности воды, лишь слегка покрывается рябью. Река полностью вобрала в себя все цвета, которыми полны деревья, небо с плывущими по нему розоватыми облаками. Трепет водной глади подчеркивается характером мазков живописца.
Самый большой цикл, посвященный Руанскому собору, был начат Клодом Моне в 1892 году. В течение двух лет художник выполнил 50 картин, на котором последовательно изображен готический фасад собора в разное время суток:с раннего утра до позднего вечера. Солнечный свет создает потрясающие метаморфозы не только с цветом собора, но также с его каменной сущностью. Стена, простоявшая несколько веков, благодаря свету, который его заливает, и ажурной готической архитектуре, кажется почти невесомым и чудесным. Лучи солнца словно растворяют каменную мощь собора, проникая в нее с разной интенсивностью.
Благодаря мастерству кисти Моне, собор как бы перестает быть материальной субстанцией и становится воздушным и эфемерным. Как будто он перестает быть земным творением и сливается с небом. Было ли это влияние архитекторов далекого средневековья, поднять каменное кружево церковных стен к небу? Возможно, Моне проник в самую суть концептуальной идеи готического искусства. Цикл «Руанский собор» был выставлен художником в 1895 году и имел большой успех.
Одновременно с началом работы по циклу, Клод Моне женится на Алисе Гошед. Художник начинает много путешествовать, он работает в Италии, готические соборы, которые он считает невероятно импрессионистскими, Нормандия, Швейцария и Голландия.
В Нормандии, мастер породил великолепные морские пейзажи, такие как картина Маннпорта (1883 г., Метрополитен-музей, Нью-Йорк), как бы прославляя величие водной стихии. Также, художник часто работал над изображением живописных скал близ города Эгрет, которые были главной достопримечательностью этого района, из-за своей уникальной формы, созданной по прихоти волн.
Маннпорт, пожалуй, самая известная скальная арка. Чтобы передать масштаб горного образования, художник быстро несколькими мазками обрисовывает пару фигурок под сводами каменной арки, большая часть из которых, сильно выступая за левый край картинки, буквально готов их раздавить. Композиция работы способствует созданию такого впечатления:эффект бесконечности каменной поверхности подчеркнут художником тем, что весь камень не помещается в рамку картины.
Буйство красок и бессмысленности
Выразительная способность цвета, на протяжении всей карьеры художника, было основным средством его художественного языка. Клод Моне оставался верен себе до самого конца, никогда не сворачивая с избранного пути, а только совершенствуя и оттачивая выразительность приемов своего индивидуального стиля. Единственным отличием позднего периода его творчества была тяга к бессмысленности, размывание концепции конкретного сюжета и формы. Художник вовсе не считал одно из своих лучших творений живописью, но сад, который он создал в доме в Живерни, где он собрал и посадил множество видов и сортов цветов, чтобы сад постоянно цвел, радуют глаз живописца разнообразием оттенков. Великолепный сад, по факту, тоже произведение искусства, стал излюбленным предметом живописи мастера, находя бесчисленные отражения на холсте.
Полотно «Ирисовый сад в Живерни» (1899 г., г. Художественная галерея Йельского университета) снова показывает нам очень простую композицию. На холсте квадратного формата изображена тропинка, уходящая вглубь сада, полузакрытые заросшими кустами ирисов, а над ним можно увидеть стволы садовых деревьев, которые создают долгосрочную перспективу.
Художник, как бы ликуя, кладет на холст, чистый, яркие цвета, передать зрителю ощущение счастья и полноты жизни, рожден от контакта с природой. Красивые и нежные цветы ирисов на переднем плане словно смотрят нам в глаза. Умелая рука мастера словно вдыхает в них душу, и красота окружающей природы становится величайшим чудом, олицетворение короны божественных творений. Это такое отношение к природе, что является достаточным объектом живописи в работах Клода Моне, отличает художника от приверженцев академического стиля, в которой только человек всегда был «венцом творения».
Одна из самых известных серий Моне «Кувшинки» была запущена в 1899 году. В произведениях цикла Художник изображает водяные лилии (нэнуфары), плавающие в пруду своего сада в Живерни. Художник сам выращивал эти нежные цветы в своем пруду и долго любовался ими, наслаждаясь бликами солнца на хрупких лепестках и отражением облаков в воде. Это кажется невероятным, но кувшинки владели сердцем талантливого художника до самой его смерти, около двадцати лет. Серийность работы основана на вариации этого мотива в различных условиях освещения.
Создан в 1903 году, работа «Кувшинки. Облака »(частное собрание) производит поразительно радостное впечатление. Холст пропитан солнечным светом, несмотря на то, что небо присутствует только в своем отражении в воде. Кажется, будто кувшинки и облака медленно плывут по одной поверхности, как будто движимый легким глотком воздуха.
Квадратная форма полотна в работе «Пруд с водяными лилиями» (1908, г. частная коллекция Санкт-Галлен, Швейцария) зрительно увеличивает изображение в пространстве, создавая впечатление бесконечности. Моне использовал эффект фотографии, как бы вырезать на водной глади пруда отдельный фрагмент и записать его крупным планом. Только водное пространство с листьями, цветы кувшинок и отраженные облака, живописно разбросанные по ее поверхности, попал в кадр.
Здесь, мастер снова отошел от перспективного построения картины, из-за чего водяные лилии, расположенные в правом верхнем углу композиции, ближе к зрителю, чем растения переднего плана картины. Благодаря этой технике, картина теряет глубину и, как было, разворачивается в самолете, становится более декоративным.
С 1870-х гг. Клод Моне неоднократно бывал в Англии, он любил Лондон за его неповторимую туманную атмосферу. И примерно с 1900 г. художник стал чаще приезжать сюда. Здесь он создает серию работ, посвященных зданию парламента.
Картина «Здание парламента в Лондоне» (1904 г., г. музей д'Орсе, Париж) изображает архитектурный объект как бы окутанный густым туманом. Лишь кое-где желто-красное солнышко пробивает маленькую мысль, выделяя фрагменты величественных очертаний неоготической архитектуры и окрашивая широкую Темзу красновато-фиолетовыми бликами. Стиль росписи очень произвольный, художник изображает неспецифические элементы, но мимолетный образ самого города, такой, какой он только что видел.
Импрессионизм Моне не предназначен для передачи объективной реальности; он не признает постоянства качеств предметов. Весь их вид, цвет и форма зависят только от света, который еле пробивается, затем затопляет весь район, или даже гаснет, переходящий в сумерки. Весной 1908 г. Клод Моне с семьей уехал в Венецию. Восхитительная атмосфера этого города, его водные просторы, на удивление успешно обыграна венецианскими архитекторами, отражения света на воде и отраженные в ней памятники, пленила художника. Так родилась серия венецианских пейзажей, написано прямо во время поездки.
Работа «Палаццо да Мула в Венеции» (1908 г., г. Национальная галерея, Вашингтон), написано там, вряд ли можно назвать экскурсионным или архитектурным пейзажем. Скорее, это, образно говоря, «портрет» средневекового венецианского здания, «глядя» в зеркало канала перед собой. Кроме того, этот «портрет» был написан крупным планом, стены дворца срезаны рамой картины, на полотно упала только средняя часть здания без крыши.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. В 1911 г. Alice’s second wife died, three years later, in 1914, его старший сын, Жан, умирает. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Тем не мение, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Париж). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." С первого взгляда, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Тем не мение, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. The work, конечно, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, но, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, уникальный, subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
