25 февраля, 1841 г. в городе Лимож на юге Франции, Четвертый ребенок родился в семье портного - мальчик по имени Пьер Огюст. Несколькими годами позже, вся семья Ренуар переехала в Париж. С самого детства, Огюст отличался прекрасными способностями к рисованию, а также великолепный голос.
Картины Пьера Огюста Ренуара
Руководитель церковного хора, где пел молодой Ренуар, даже посоветовал родителям задуматься о музыкальной карьере сына (кстати, это был Шарль Гуно, который позже написал знаменитую оперу Фауст). Но семья будущего артиста была небогатой, а отец видел для сына другое будущее - престижную и хорошо оплачиваемую работу художника в Китае.
Так, в 1854 г., в возрасте тринадцати лет, Огюст поступил на фарфоровый завод. Молодому человеку понравилась эта профессия, он быстро научился и начал рисовать чашки и блюдца, а затем целые услуги. В то же время, юноша часто ходил в Лувр, где он рисовал, вдохновленный античной скульптурой и живописью художника в стиле рококо Франсуа Буше, писавший легкие жанровые сцены. Со временем, Ренуар начал копировать их в росписи фарфора.
Молодой человек неплохо зарабатывал для своего возраста. Чтобы продвинуться по карьерной лестнице, поступил на фарфоровый завод, где он начал писать под руководством скульптора и коллеги по фарфоровой фабрике, который прочил ему светлое будущее в сфере искусства.
Юность художника
К несчастью для молодого Ренуара, но, к счастью для всех, технический прогресс 19 века ознаменовался почти полным отказом от ручного производства. На смену росписи по фарфору пришли печатные рисунки. Покупателей и владельцев мастерских привлекло то, что полиграфическое оборудование позволяло выпускать точно такие же изделия. Со временем, ручная роспись перестала цениться.
Молодой человек, сначала отчаянно, пытался красить изделия с большой скоростью, что не принесло ему успеха. Как результат, ему пришлось искать другие заработки. Пришло время временной работы с постоянным развитием различных техник. Ренуар первым нарисовал веера и стены парижских кафе, потом случайно устроился работать мастером штор. Кстати, он освоил эту технику в совершенстве и снова стал хорошо зарабатывать, но художник не хотел останавливаться на достигнутом, так как это занятие определенно не было пределом его мечтаний. Все заработанные деньги Ренуар откладывал на новую мечту - рисование в специальной школе при Академии художеств.
В конце 1862 г. Огюст Ренуар исполнил заветное желание и поступил в Парижскую школу изящных искусств. Там он оказался в мастерской художника Шарля Глейра, придерживаясь академического стиля. У молодого человека уже был немалый опыт, но добросовестно посещал все занятия и изучал академический рисунок. Тем не мение, Глэру сразу не понравилось, как Ренуар работал с цветом:уже тогда художник использовал сочные яркие краски, что не приветствовалось в академической среде. Один раз, учитель даже выражал опасения, что его свободолюбивая ученица не станет вторым Делакруа - ведущим представителем французского романтизма, который прекрасно работал в цвете и является настоящим кумиром Ренуара, но кто, в глазах академических художников, бывший «отступник». Огюст был не единственным молодым художником в мастерской Глера, кто пытался восстать против академической манеры и найти свой собственный новый путь. Он очень скоро подружился с Клодом Пагом, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, которые очень близко относились к картине и горячо обсуждали возможности ее возрождения, под которым они понимали освобождение от оков академизма. Немного позже, К ним присоединился Камиль Писсарро.
Обучение длилось недолго, только через год Ренуар был вынужден оставить школу живописи, потому что он больше не мог за это платить. Он заменил занятия в мастерской работой на свежем воздухе, вместе со своими новыми друзьями, которые вскоре неожиданно завершили художественное образование в связи с закрытием мастерской. Все товарищи Ренуара были похожи не только в своем желании изменить мир искусства, но также и в том, что они с трудом могли найти средства на еду и материалы для работы.
В 1866 г. Ренуар написал один из своих ранних натюрмортов, «Натюрморт с большой вазой для цветов» (Художественный музей Фогта, г. Кембридж), написан в стиле голландских натюрмортов и своим яркими, но нежными и в то же время сочными красками производит радостное впечатление. В том же году он создает картину «Гостиница Энтони Инн» (1866 г., г. Национальный музей, Стокгольм). В отличие от цветущих натюрмортов, цветовая гамма этой работы довольно мрачная, с доминирующим черным окрасом. Визуальная выразительность основана на контрасте:черные костюмы посетителей таверны подчеркивают белоснежные скатерти на столе, а также резко контрастируют с яркими пятнами служащих, фартук служанки, легкая широкополая шляпа одного из героев и белая собака, лежащая у него под ногами.
Работа ярко демонстрирует мастерство и принципы Ренуара в построении композиции с помощью цвета:белоснежная скатерть заключена в кольцо из черных фигур, которые не могут слиться с общей массой из-за вкрапления белых аксессуаров. Нанесение белых пятен буквально «в шахматном порядке» придает особую гармонию распределению цветов. Картина характеризует художника как прекрасного портретиста и великолепного мастера натюрморта:вся сервировка стола выполнена с большим мастерством, остатки еды и посуды необычайно реалистичны.
Год спустя, художник пишет портрет любимой девушки Лизы Трео, с которым Ренуар встречался более семи лет, но никогда не был женат. В конце концов, Лиза разорвала их отношения и, всего несколько месяцев спустя вышла замуж за молодого архитектора.
Тем не менее, картина «Лиза» (1867 г., г. Музей Фолькванг, Эссен) был принят для участия в Салоне 1868 г. где это было положительно оценено публикой, что стало большим успехом для еще неизвестного художника. На картинке, девушка изображена в полный рост, на ней белое платье, затеняется широким черным поясом и черным зонтиком от солнца. Легкое платье девушки будто залито ярким солнышком, и блики света играют на плечах и лице героини, накрыт зонтиком. Эта нежная черно-белая игра продолжается на стволе березы, что за спиной Лизы и на траве у ее ног, где темные тени резко окаймляют освещенные солнцем участки.
В 1867 г. Ренуар создал другую картину, для которого Лиза Трео позировала для «Охотницы Дианы» (Национальная галерея искусств, Вашингтон). Из-за моральных принципов той эпохи, художник не мог изобразить современную женщину обнаженной, поэтому он вложил ей в руки охотничий лук и дал картине мифологическое имя, что давало его творчеству право на официальное существование, при этом избежав скандала, вызванного картиной 1863 года «Завтрак на траве» Эдуарда Мане.
Исполнитель, увлекавшийся портретным жанром, часто писали его друзья-импрессионисты, изображая их в привычной обстановке во время повседневной деятельности, таким образом сочетая портрет с жанровой живописью и создавая документальные источники, рассказывающие нам о жизни этих людей.
Картина «Портрет Фредерика Базиля» (1867 г., г. Музей Орсе, Пэрис) показывает нам молодого Базиля занятого, конечно, рисование. Исполнитель, обратился к зрителю в профиль, сосредоточен на своей работе. Стилистически, работа ухмылки на удивление плавно, отчасти из-за почти монохромной цветовой гаммы. Он напоминает сложную черно-белую фотографию, на которой объемы смоделированы с помощью светотени. Год спустя, Ренуар создает парный «Портрет Альфреда Сислея с женой» (1868 г., Музей Вальрафа-Рихарца, Кельн). На полотне мы видим, насколько Сислей придает большое значение своей молодой жене. Вся его поза выражает его готовность служить, поддержать и помочь женщине, а также его любовь и нежность к ней. Молодая супружеская пара, изображенная на полотне, словно источает свет счастья и любви.
Работа Ренуара «Алжирская женщина» (1870 г., Национальная картинная галерея, Вашингтон) была данью восторгу Эжена Делакруа. В этом, художник изобразил свою Лизу в образе одалиски, яркий, роскошная восточная женщина, томно полулежа на подушках, одета в пышные платья и манит к себе. На этом холсте Ренуар, кажется, упивается цветом. Фигура полулежащей героини занимает почти все пространство полотна, кажется, что в картине не хватает воздуха.
Приверженность импрессионизму
Огюст Ренуар довольно часто работал вместе с другим ярким представителем молодых импрессионистов, Клод Моне. Художники писали с одной натуры, наблюдали свет и тень в природе, и изучили возможности палитры в передаче этих эффектов. Примером их союза являются знаменитые картины «Лягушки» - картины, написанные не только с одной натуры, но также назван так же. Сюжет картин прост - плавучее кафе с веселой публикой на фоне деревянных лодок, ожидающих своих пассажиров.
Ренуар, оптимист по натуре, через все его творчество пронеслась любовь к отображению праздника жизни, танцующие или отдыхающие дамы и господа. Художник старался не обращать внимания на темную сторону жизни, он искренне считал, что искусство должно доставлять людям прекрасные моменты удовольствия, и не выполнять роль назидания или утомительного обучения.
Ренуар «Лягушка» (1869, Национальный музей, Стокгольм) на первый взгляд кажется наброском, но совсем не законченная работа, кадрирование сцены как бы случайное. В некоторой степени, это было так, сцена изображена именно так, как ее видел художник, без сложной продуманной композиции, балансировка планов и перспектив строительства.
Художник преследовал совершенно другую цель - запечатлеть и передать атмосферу веселья и беззаботности теплого летнего дня, ловить блики света на воде, солнечные рефлексы на женских платьях (хотя этих дам можно назвать натяжкой:большинство героинь картины - девицы непринужденного командования, обитательница кафе с сомнительной репутацией). Работа с живой природой требовала живописи в очень короткие сроки, следовательно, Ренуар и Моне работали в особой технике письма - широким, быстрые удары, только указывая фигуры людей и очерчивая окрестности, но не тратить время на написание деталей. Этот новый стиль, так сказать, недосказанная картина не понравилась публике, критиковалась, казалось бы, небрежная художественная манера молодых импрессионистов.
Но именно в передаче мимолетных ощущений от естественного состояния была суть нового движения в живописи. Импрессионизм зародился на пленэре. Постоянные изменения в освещении были очень важны для тех, кто, в будущем, поначалу будут иронично и унизительно называть импрессионистами. Это необычное желание передать впечатления неуловимого, изменение реальности провело четкое различие между их работами и «мертвой» академической живописью.
Классическая академическая живопись существовала только в контексте узкого мифологического спектра, религиозные и исторические сюжеты, не узнавая образов современной эпохи. Это было искусство идеализации, привносить во все искусственный внутренний порядок и четкую структуру. Предметы и вещи в натюрмортах, пейзажи и портреты изображались идеализированными, а не так, как их на самом деле видит человеческий глаз. Мечтой импрессионистов было вернуть живопись в реальную жизнь. Молодой Ренуар, после того, как Моне начал писать на пленэре, так как только такой метод позволил добиться передачи естественного солнечного света, придание рисунку той непосредственности, которая безвозвратно теряется при работе в мастерской по памяти. Именно свет стал главным «героем» их картин. Тем не мение, в отличие от Моне, Огюста Ренуара больше интересовала человеческая фигура, помещенная в эту волшебную воздушно-воздушную среду, чем сама природа.
В другой работе Новый мост (1872 г., Национальная художественная галерея, Вашингтон), Ренуар предстает перед нами виртуозным мастером ведута (городского пейзажа), готовы тщательно выписать архитектурные детали и кропотливо построить перспективу. Уже есть более плавный стиль письма, а построение объемов создается с помощью линий, вспомогательный рисунок. Тем не менее, городской пейзаж с широким мостом и прогуливающейся публикой виден словно сквозь дымку, все очертания архитектурных элементов и фигур персонажей лишены четких контуров, все линии очень мягкие. Художник запечатлел город, залитый солнечным светом, и пронизанный светом воздух.
Портрет его друга и коллеги Моне Ридса (1872 г., г. Музей Мармотина, Paris) выполнен Ренуаром в темных тонах, делая его почти монохромным. Тем не менее, образ друга художника получился очень живым, он показал Моне именно таким, каким он сам видел его каждый день:в шляпе, со свежей газетой и курительной трубкой во рту.
Ренуар изучает эффекты освещения, обыгрывает выделенные и затемненные участки лица Моне и газеты в его руках. Мастерски разбавив общий темный цвет полотна теплыми оттенками на руках, лицей на спинке стула, а также белый цвет газеты. Так получается гармоничная композиция у художника, встроенный в цвет. Ткань костюма почти смешана с темным фоном, как будто поглощен окружающим полумраком. Именно таким эффектом художник стремился передать атмосферу позднего чтения, при слабом освещении.
Картина 1872 года «Портрет жены Клода Моне на диване» (частное собрание, г. Лиссабон) стал необычайно ярким и впечатляющим. Юная Камилла Моне (урожденная Донсье) сидит на диване в красивом голубом платье, она позирует обнаженной артистке, как будто позволяя себе выгодно рисовать. Здесь, Ренуар не пытается подробно описывать окрестности, он лишь передает ощущение спокойствия и свободы молодой хозяйки, которые днем находили время для отдыха.
Как истинный ценитель женской красоты, Художник откровенно восхищается молодостью и свежестью героини полотна. Как на скетче, Ренуар только обрисовывает в общих чертах подлокотники диванов, одна из которых покоится на Камилле, и чайный столик с чашкой на краю. Это связано с отсутствием геометрического рисунка на диване и четкими линиями, разграничивающими его дизайн, диван кажется необычайно мягким. Контуры предметов размыты, что придает атмосфере помещения эффект необычайной легкости и воздушности, как будто Ренуар показывает некую нематериальную среду солнечного света, объединяющую все предметы в комнате. И только черные волосы Камиллы, брови и глаза выделяются на общем светлом фоне, привлечение взгляда зрителя.
В начале 70-х гг. Ренуар много времени проводил под Парижем, в Аржантее, где Моне жил в этот период, друзья часто работали вместе, одним из их любимых сюжетов были парусные лодки на Сене. Работа посвящена произведению «Регата близ Аржантёя» (1874 г., г. Национальная художественная галерея, Вашингтон). В картине художник снова использовал контурную манеру письма с помощью быстрых, широкие штрихи. Только такой стиль позволял запечатлеть пейзаж, чтобы запечатлеть мгновенное состояние переменной природы.
Небо на картине нарисовано необычайно динамично, с рваными розовыми облаками, как будто поглощает весь солнечный свет. Кажется, будто он опрокидывается в Сену, отражая узор облаков и белые паруса лодок, которые, в свою очередь, поглощают рефлексы небесного сияния и становятся розоватыми. Ренуар рисует картину не линиями, но с цветными пятнами.
Композиция картины «Дорожка в высокой траве» (1874 г., г. Музеи Орсе, Париж) очень похож на пейзаж «Маковое поле в Аржантее» (1873 г., г. Музей Орсе, Париж) Клода Моне. Огюст Ренуар изображает людей, идущих по тропе, утопающих в высокой полевой траве. Как Моне, создать ощущение движения, художник повторяет фигуры людей на вершине холма и у его подножия.
Театр и ню
Как и многие художники, Ренуара привлекал театр. Здесь можно найти самые разные сюжеты для картин, наблюдать за тысячами людей с их персонажами и судьбами, замечать любопытные вещи и необычные сцены. Художнику интересны как зрители, так и зрители. находится в зрительном зале, и актеры, чья яркая жизнь проходит по ту сторону рампы.
Одно из произведений Ренуара на театральной сцене - «Домик» (1874 г., г. Галерея Института Курто, Лондон) был представлен художником на первой выставке импрессионистов, сенсационный и провальный, который был организован в том же 84-м году в студии фотографа Надара. Картина представляла собой двойной портрет леди и джентльмена, сидящих в ложе. ждем начала спектакля. Женщина прямо и спокойно смотрит на зрителя, ее спутник, Напротив, сидит, откинувшись назад, и ищет кого-то в бинокль среди толпы. Дама немного грустная, и джентльмен, похоже, что это, совсем забыл о ее присутствии. Фигура героини показана ближе к переднему плану картины, ее лицо ярко освещено и словно ищет диалога со зрителем, герой удаляется как от зрителя, так и от его спутника в полумраке коробки. Художник сумел удивительно просто расставить смысловые акценты в композиции, используя игру света и тени.
В экспозиции той же выставки импрессионистов присутствовали еще две работы художника:«Танцовщица» (1874 г., г. Национальная художественная галерея, Вашингтон) и «парижанин» (1874 г., г. Национальный музей колодцев, Кардифф).
Картина «Танцовщица» изображает юную балерину в воздушно-голубом платье. Она стоит на свободной 4-й позиции, напоминая нам немного о работе Эдгара Дега, создавший множество картин на любимую театральную тему. Тем не мение, все героини Дега запечатлены в танце или поклоне, они никогда не позировали ему. Дега нарисовал их - как сейчас снимают папарацци - запечатленные в неожиданный момент в, казалось бы, случайной перспективе, не зацикливаясь на психологии.
Огюст Ренуар работал иначе. На его холсте, танцор изображен не в танце и не в сценическом образе, но как бы в роли самой себя. Немаловажную роль в портрете играют немного грустные глаза и привлекательность молодой девушки, ее трепет и нежность. Картина отличается пастельными тонами и мягкими контурами - в отличие от резко очерченных работ Дега, которые всегда использовали линию как главный выразительный инструмент.
Что касается следующей картины мастера - «Парижанка», то многие искусствоведы цитируют строки Александра Блока, которую он написал более чем через тридцать лет после создания полотна:
«И каждый вечер в назначенный час,
(Или это просто мне снится?)
Девичий лагерь, захваченный шелками,
В туманное окно шевелится.
И медленно, проходя между пьяными,
Всегда без спутников, в одиночестве,
Вдыхая духи и туман
Она сидит у окна ... "
Верхняя часть тела молодой женщины очерчена довольно четко, а легкая юбка ее платья словно сшита из воздушной ткани. Так художник добивается излюбленного эффекта нахождения фигуры в особой световоздушной среде, благодаря чему героиня словно выходит из тумана. Восхитительная привлекательность образа достигается тем, что эта неуловимая туманная мадемуазель полностью открыта для диалога со зрителем.
В следующем году, Ренуар создает свою знаменитую картину «Обнаженная в солнечном свете» (1875 г., г. Музей Орсе, Париж). Новаторская идея художника заключалась в том, чтобы писать наготу на природе, показывает, как солнечные блики и отражения от листьев дерева играют на ее нежной коже. Идея была неплохая и, Кроме того, поистине импрессионистический. Тем не мение, Результат вызвал резкое неприятие как критиков, так и публики. По канонам традиционной живописи, голое женское тело нужно было писать идеально, придумав эффектную «постановочную» позу модели, а ее кожа должна быть идеально гладкой и исключительно теплых оттенков. Ренуар, вместо гладкой кожи, проявляли блики и рефлексы, которые обозреватели назвали трупными пятнами на разлагающемся теле.
В 1876 г. художник создает еще одно полотно на эту тему. В картине «Обнаженная» (ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва), Ренуар проявил себя как истинный ценитель женской красоты. Он буквально восхищается своей моделью, как будто гладит ее тело щеткой. Этот раз, он идеально гладко закрашивает ее юную тонкую кожу исключительно оттенками розового. Композиционно, Работа напоминает картину Жана Огюста Доминика Энгра «Купальщица» (1807 г.). Позже художник вернется к Энгра (который, кстати, был примером для Эдгара Дега) при переосмыслении собственного творческого пути.
Мастер регулярно участвовал в последующих выставках импрессионистов. На третьем из них в 1877 г., среди других работ, он представил Бал в Мулен-де-ла-Галетт и Свинг.
Мотив свинга был необычным для французской живописи 18 века; по факту, его не было. Неизвестно, что именно подтолкнуло Ренуара к этому сюжету. но есть свидетельства того, что он был знаком с одноименной картиной Фрагонара, кто написал это как «галантную сцену», что имеет скрытый смысл, заключенные в привлекательные перспективы, которые открываются кавалеру, сидящему на земле под колышущимися на ветру юбками, качающиеся на ветру барышни. «Качели» (Музей Орсе, Париж) Ренуара, написано в 1876 г., по сути та же «галантная сцена», заимствовано из эпохи рококо, но написано по современному сюжету и без легкомысленного подтекста.
На полотне мы видим молодого человека, стоящего спиной к зрителю (что само по себе недопустимо в традиционном искусстве), он слегка трясет задумчивую девушку, стоящую на деревянных качелях. Рядом мужчина и маленькая девочка, ласково и доверчиво глядя на даму. Кстати, детские изображения занимают отдельную страницу во всем творчестве художника, Но об этом позже.
Общая картина «Бал в Мулен-ле-ла-Галетт» (1876 г., г. Музей Орсе, Paris) была написана на холме Монмартр в Париже, на котором в то время еще стояли три сохранившихся деревянных мельницы. В одном из них находился ресторан «Мулен де ла Галетт», славится вкусными котлетами (мулен - мельница, галет - котлета). В ресторане регулярно проводятся танцы, который собрал самую разнообразную парижскую публику, среди которых были молодые художники.
Такие места были идеальными для Ренуара, кто любит сочнее писать, яркие блики света, танцуют на женских платьях и костюмах своих кавалеров. Художник любил переносить на холсты сцены таких праздников жизни и беззаботной молодости, отличается необычайно радостной и яркой атмосферой. Его полотна с изображением местных зрителей - своеобразный документ эпохи:они навсегда запечатлели этот уголок Парижа, где развлекался тогдашний средний класс. Художник посвятил большое полотно столь необычному для того времени бытовому сюжету.
Надолго, картины художника не продавались, поскольку публика отказалась признать импрессионизм искусством. Тем не менее, выставки позволили завязать полезные контакты. Через них, Ренуар получил несколько хороших заказов на портреты, которые помогли живописцу хоть как-то сводить концы с концами. Приятной и выгодной для художника стала встреча с супругами Шарпантье. Дело в том, что у мадам Шарпантье был свой салон в Париже, в котором собралась интересная публика:писатели, художники, поэты и художники. Именно здесь Ренуар познакомился с актрисой Жанной Самари, которому он посвятил три портрета.
Талант портретиста
Удивительно написано, живой и лирический «Портрет Жанны Самари» (1877 г., ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва) демонстрирует нестандартный подход художника к построению композиции. Юная актриса подпирает подбородок рукой, как бы в доверительной беседе, ее открытый прямой взгляд обращен прямо в глаза наблюдателя, а также максимальное приближение фигуры к краю, создает эффект тесного контакта героини и зрителя. Благодаря этой позе портрет обладает непередаваемым очарованием и вызывает массу положительных эмоций.
Год спустя, художник создает еще одно одноименное полотно (1878 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). В этом, Ренуар снова пишет Жанне Самарийской:но сейчас в полный рост. Женщина одета в потрясающее белоснежное платье со шлейфом, чрезвычайно облегающий ее стройную фигуру. Но даже здесь в парадном портрете, героиня вступает в диалог со зрителем - ее поза снова устремлена вперед, она стоит, слегка наклонившись, жертвуя гордой осанкой и прямыми плечами, ради этого контакта. Ее прямой открытый взгляд не отпускает наблюдателя, но ее слегка приоткрытые губы привлекают его.
В том же году, Ренуар написал «Портрет мадам Шарпантье с детьми» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Картина выполнена в стандартной «салонной» манере, явно в угоду самой хозяйке. Две милые детские фигурки, изображены в прямых позах, отлично передают неповторимую детскую пластику, дополнены ангельскими атрибутами - отечностью рук и ног, нежные локоны волос, придают полотну особый шарм. Общая композиция работы снова выстраивается с помощью цвета:декор изображен в красно-коричневых тонах, на ее фоне выделяется фигура мадам Шарпантье. Хозяйка одета в черное платье с белой контрастной вставкой на груди, из-под подола выглядывает белая юбка, а у ее ног огромный сенбернар в черно-белом цвете. И в этой черно-белой рамке изображены дети в бледно-голубых коротких платьях.
Ренуар при жизни считался выдающимся мастером портретной живописи. Ему удалось уловить и передать мимолетное настроение героев полотна. Замечательный образец его работ в этом жанре - «Девушка с веером» (1881, г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тщательно и плавно выписано нежное задумчивое лицо молодой девушки с темными прядями, падающими на лоб, и детали туалета, фанаты, руки и фон более мягкие, с размытыми контурами. Фон картины, остался без доработки, служит лишь для обрамления красивой внешности девушки, не отвлекая внимание зрителя от блестящих темных глаз, нежная кожа и приоткрытые губы. Полотно имеет излюбленный эффект контрастов, чередование черных и белых пятен, которые мастер так часто использовал:белые участки веера - темная ткань платья, белый воротник - темные волосы модели. Такой шахматный порядок отлично акцентирует внимание зрителя на нежной комплекции модели.
Вопреки мнению своих друзей-импрессионистов, Ренуар решил участвовать в ежегодном Салоне. Для него это был единственный путь к славе и полезным знакомствам. Благодаря усилиям мадам Шарпантье, Салон 1879 года принял две картины художника - «Портрет Самари» и «Портрет мадам Шарпантье с детьми». Так наконец заявил о себе Ренуар. Публика благосклонно встретила художника, и он стал регулярно получать новые заказы. С тех пор до 1882 г. Художник не участвовал в выставках импрессионистов. Финансовое положение Ренуара настолько улучшилось, что в 1881 году он смог позволить себе длительную поездку в Алжир. Венеция, Рим и Помпеи.
В тот же плодородный период, Ренуар встречает Алину Шериго, который был живым воплощением идеала женской красоты живописца. Алина стала появляться во многих картинах живописца, начиная с «Завтрака гребцов» (1881 г., Коллекция Филлипса, Национальная галерея, Вашингтон). Некоторое время спустя, она даже стала его женой.
Световая композиция полотна «Гребной завтрак» написана Ренуаром при естественном освещении. Сюжет картины - очередной столь любимый художником праздник жизни, с ухаживанием джентльменов, беззаботная молодежь, улыбки дам и тонкости отношений. Работа участвовала в седьмой выставке импрессионистов 1882 г. наряду с несколькими венецианскими пейзажами, созданными художником во время поездки в Италию. И всего через год в 1883 г., состоялась первая персональная выставка Ренуара.
Признание собственного стиля и разочарование
Слава художника 1880-х годов уже вышла за пределы Франции. Уважаемый и респектабельный Огюст Ренуар стал часто путешествовать. В 1885 г. их первый ребенок, сын Пьера, родился у мастера и Алины. Вскоре семья переехала на родину Алины в Шампань. В 1886 г. Ренуар создает портрет жены и маленького сына.
Полотно «Материнство» (Музей изобразительных искусств, г. Санкт-Петербург, Флорида) уже празднует другие радости. Беззаботные забавы парижской публики отошли на второй план, и все внимание художника было обращено на прелести семейной жизни и счастье материнства. Картина сентиментальна:толстая юная Алина кормит пухлого малыша на фоне сельской идиллии. Пропорции сидящей на стуле женщины выглядят немного укороченными из-за того, что художник рисовал ее стоя, и его точка зрения была выше модели.
Со временем, Огюст Ренуар, ранее признанный мастер импрессионизма, разочаровался в манере письма, которую он разработал. Его неудовлетворенность работой довела мастера даже до уничтожения некоторых созданных полотен. Если с самого начала творческой карьеры живописец искал вдохновения и ответов на мучавшие его вопросы в картинах Эжена Делакруа, Jean Honore Fragonard and Francois Boucher, which contributed to the formation of his creative personality, now he turned to the work of Jean Auguste Dominique Ingres – a brilliant academician and neoclassicist, master line, writing seductive nude beauties and unusually gentle female portraits. Также, Renoir began to use the experience of Renaissance masters, whose works conquered him in Italy.
Despite the change of style, the artist remained faithful to the world of joy, beauty and bright happiness. He never created sad, philosophical, or edifying works. Paired works “Dance in the Village (1882, Museum d’Orsay, Париж), “ Dance in Bougival ”(1883, Museum of Art, Boston), as well as“ Dance in the City ”(1883, Museum d’Orsay, Paris ) became a logical continuation of the topics raised by the painter in the works of previous years. All three paintings show us dancing couples reveling in movement, music and as if serving as a continuation of the theme of cloudless happiness and youth of the canvas “Ball at the Moulin de la Galette”.
The painting “Dance in the Village” brings back memories of the early painting “Portrait of Alfred Sisley with His Wife”. In the new work we can see the same tenderness, care and emphasized courtesy of the gentleman hugging his lady. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
Правда, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Last years
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, тем не мение, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, but, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
Zhuravleva Tatyana
