Эдгар-Жермен-Илер де Га или Эдгар Дега, как его знает весь мир, родился в Париже в богатой аристократической семье. Детство будущего артиста прошло в атмосфере любви и умиротворения. С раннего возраста, Эдгар проявил любовь и умение рисовать, и несмотря на то, что его отец хотел, чтобы он стал юристом, ничто не могло помешать молодому человеку пойти учиться живописи. Наставником юного Дега в Парижской школе изящных искусств был тогда известный художник Ламо. Правда, после года обучения в школе, В 1856 году Дега неожиданно для всех уезжает из Парижа и почти на два года уезжает жить в Италию.
Картины Эдгара Дега
Формальной причиной поездки стало желание увидеться с родственниками по отцовской линии. Но не они привлекли его в Италию, но возможность соприкоснуться с выдающимися произведениями искусства великих художников эпохи Возрождения.
Художник много путешествовал, он посетил все главные культурные центры страны - Флоренцию, Рим и Неаполь. В каждом городе он с большим вниманием изучал работы великих художников прошлого. Наибольшее впечатление на Дега произвели полотна Паоло Веронезе и Андреа Мантенья, который стал его идеалом.
Первые творческие эксперименты
Два года спустя, молодой художник знакомится с Гюставом Моро, который впоследствии стал для него не только товарищем, но и наставник. Моро страстно занимался живописью, уделяя этому все свое время. Пытаясь понять суть гармонии, он страстно интересовался творчеством Тициана, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Караваджо и Веронезе, пытаясь почувствовать их систему создания цвета. Собственные красочные композиции Моро предпочитал исполнять акварелью или пастелью. Юного Дега так поразила работа старшего товарища, что он тоже обратил внимание на эти техники. Следует отметить, что Моро оказал сильное влияние на молодого художника, но если Гюстав уделил главное место цвету, затем Эдгар Дега (особенно в начале своего творчества) утверждал первенство рисунка, будучи уверенным, что это «более плодотворная сфера деятельности».
Именно в Италии художник начинает поиск собственных индивидуальных средств художественного выражения. Как основу собственного стиля, Дега выбирает конструктивное построение формы, через его реалистическую интерпретацию. Следовательно, Ранние работы художника отличаются четкостью и четкостью рисунка.
Многие работы Дега, относящиеся к этому периоду, наделены особой выразительностью, вытекающей из точного воспроизведения действительности. Это наглядно показывает его картина «Римский нищий» (1857 г., г. Музей исскуства, Бирмингем). Образ самой героини на этом полотне придается невероятно реалистичный, и даже жесткая интерпретация, а пространство вокруг нее изображено довольно условно. На пороге старого дома сидит усталая старуха, погруженный в размышления, и с любопытством всматривается вдаль. Не только ее поношенную одежду, но и, казалось бы, небрежно расположенные предметы на переднем плане картины рассказывают о нелегкой жизни героини:кусок хлеба и старый горшок с недоеденной пищей с зазубренным краем. Дега выполнил композиционное построение полотна по принципам старых мастеров, но своей натурщицей он выбрал не утонченную красавицу, но простая женщина, образ которой совсем не идеализирован.
Несмотря на то, что для картины характерна определенная графическая структура композиции, у него тонкое цветовое моделирование и наиболее точная выверенная тональная проработка. По факту, всего четыре цвета, художнику удалось создать удивительно гармоничный и выразительный тип итальянского нищего.
Много внимания в работе уделено орнаменту, как бы «оживляя» все окружающее пространство. На этой картине Дега удалось очень умело решить фундаментальную художественную проблему, волновавшую живописца во время учебы в классе Луи Ламо, - соотношение фигуры героя и окружающего пространства.
Весной 1859 г. Эдгар Дега вернулся в Париж. Пожив немного в родительском доме, Художник переезжает в большую мастерскую, расположенную в 9-м округе Парижа на улице Лаваль. Там он начинает творить, Обратимся прежде всего к исторической теме. Дега пытается дать ей новую интерпретацию, не характерно для ранних произведений этого жанра.
Примером может служить картина «Молодые спартанцы призывают спартанцев к соревнованию» (1860 г., г. Национальный музей, Лондон). Вот Дега, следуя классическим канонам изобразительного искусства, стремился обновить их живыми и точными наблюдениями из реальной жизни. Мастер полностью проигнорировал условную идеализацию античного сюжета, изображенные им персонажи больше похожи на современных подростков, взятых с парижских улиц. Особенно это заметно в некоторых угловатых движениях изображенных им персонажей, помещен в несколько стилизованный пейзаж.
Фигуры молодых людей размещаются параллельно нижнему краю полотна в едином пространстве первого плана, что придает сцене большую убедительность, без потери декоративного ритма. Статичные позы юношей говорят о влиянии неоклассического искусства. Художник подчеркивает реалистичность сцены с помощью тонкой психологической интерпретации лиц каждого персонажа. В то же время, основные выразительные средства на полотне, как и в более ранних работах, элегантная музыкально-пластиковая линия. Цвет картинки, построены на ограниченном сочетании цветов, придает полотну ощущение строгой четкости и уравновешенности.
Создание своеобразного портретного стиля
В начале карьеры Дега создает множество портретов. Отчасти на это повлияло влияние отца художника, которые считали, что именно умелое владение навыками портретиста может обеспечить молодому человеку безбедную жизнь. На первых полотнах этого жанра, Дега в основном писал автопортреты и портреты членов семьи, но вскоре обратился к образу своих друзей. В этих произведениях ярко проявились характерные черты индивидуального стиля живописца, которые придерживались традиционных композиционных приемов, в котором легко найти связь с творчеством старых мастеров.
Примером может служить работа 1855 года «Автопортрет» (Музей Орсе, г. Paris), в котором художник использовал темный фон, характерный для испанской школы живописи, в лице таких великих мастеров, как Диего Веласкес и Франсиско де Гойя. В Автопортрете, он предстает перед нами в естественной позе, в правой руке угольный карандаш - символ его принадлежности к искусству. Следует отметить, что эта работа, как и многие другие ранние портреты Дега, отличается монохромной цветовой гаммой.
Постепенно, его работы становятся более насыщенными светом и красками. На картине «Автопортрет в мягкой шляпе» (1857 г., г. Институт искусств Стирлинга и Фраппсн Кларк, Уильям Сгаун), художник уже отказывается от нейтрального приглушенного фона. Хотя фон картины темно-синий, он освещен ровным солнечным светом, падающим из окна, оставленного мастером за рамками своего холста. Дега изображает себя в повседневном костюме, его главный выразительный аксессуар - красно-оранжевый шарф на шее. Это яркое цветовое пятно играет роль камертона для колористического построения портрета.
Тем не менее, здесь, как на более ранних полотнах, Например, «Портрет Рене де Га» (1855 г., Смит, художественный колледж, Northhamton), сохраняется выраженная статическая осанка. Правда, Дега быстро осознал этот недостаток и начал экспериментировать с движением и углами в своих портретах. что в результате «оживило» его работы и придало им динамизма. Именно благодаря необычайно острому видению природы и новому композиционному построению картин живописец привнес в свои полотна не только эмоциональность, но и ярко выраженный глубокий психологизм.
Настоящая вершина раннего стиля Эдгара Дега, как портретист, была работа «Семья Беллелли» (1858-1867, Музей Орсе, Париж). Натурщицами для этого полотна были дядя художника Дженнаро, его жена Аура, и их две дочери - Джованна и Джулия. Композиция картины построена по принципу определенной жанровой сцены. В центре полотна фигура баронессы, одет в траурное черное платье, лишенное аксессуаров. Дядя художника, Дженнаро, изображено с обратной стороны; он сидит в креслах у камина. Фигуры и лица обоих супругов выражают незаинтересованность в происходящем вокруг. Джованна, стоя рядом с матерью, Напротив, внимательно смотрит на зрителя. Юля младшая, удобно устроившись в кресле, она, как будто ведя неспешную беседу, обратился к своему отцу.
Художник никогда не диктовал своим моделям, в каком положении они должны находиться. В отличие от многих художников своего времени, Дега предпочитал рисовать «портреты людей в типичных для них естественных позах». обычно давая им абсолютную свободу, как по положению тела, так и по выражению лица ".
Несмотря на то, что позы у всех моделей спокойные, асимметричное расположение фигур создает в композиции некую неожиданную резкость. Цвет полотна выбран очень изысканный, сочетание синего, Серебряный, черно-белые тона, создать идеальную цветовую систему. Правда, даже несмотря на это, Сцену, которую показал художник, нельзя было назвать идеализированной. Дега наполнил семейный портрет драматизмом:он изобразил пару, изрядно устали от компании друг друга. Их позы подчеркивают различие характеров и эмоциональных переживаний супругов. Зрителю становится ясно, что дети остаются единственной единицей, объединяющей их. Этот холст, отмечен глубоким психологизмом, мастерство передачи света и точность рисунка, - одно из лучших произведений в своем жанре, созданное в середине 19 века.
Индивидуальный стиль художника постоянно развивался, в своих последующих работах художник предпочитал избегать стационарности композиции и фронтального расположения моделей, усиливая динамику композиции. К этому концу, Дега довольно часто использовал построение композиции по диагонали, смещения и неожиданные углы, благодаря чему он смог добиться нового, более выразительные эффекты.
Например, очень смелое композиционное решение, выбран Дега для картины «Женщина, сидящая у вазы с цветами» (1865 г., Метрополитен-музей, Нью-Йорк), что на первый взгляд кажется странным, тревожное впечатление. Большую часть картины занимает великолепный букет из хризантем разного цвета. Героиня сидит рядом со столом, на котором цветы, но ее лицо слегка отвернуто от них, она смотрит в сторону. Кажется, что в образ натюрморта героиня попала случайно. Тем не менее, такое решение не ухудшает психологические характеристики модели, но, Напротив, подчеркивает и подчеркивает свою индивидуальность. Женщина далекая, Задумчивое лицо казалось разорванным дымкой печальных воспоминаний. Поражает удивительное чутье, с которым художница изображает каждую черту, передающую черты ее характера. Исследования этой картины, проведено в последние годы, указывают, что на полотне изображена Маргарет Клэр Брункан (впоследствии ставшая баронессой Вальпинсон).
Рисуя портреты, Дега часто включал атрибуты, раскрывающие род занятий или социальный статус героя. Ярким примером такой интерпретации образа является картина «Портрет Джеймса Тиссо» (1867 г., г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк), в котором Дега, французский художник, изображен в его мастерской.
В 1869 г. художник создает еще один из своих шедевров - портрет мадемуазель Гортензия Вальпинсон (Институт изящных искусств, Миннеаполис), на котором художник запечатлел девятилетнюю дочь своего друга Пола Вальпинсона. Девушка изображена опирающейся на стол, накрытый темной скатертью с цветным вышитым узором. На противоположном конце стола - корзина с незаконченными поделками. Юная Гортензия внимательно смотрит на зрителя, как будто застигнутый врасплох.
Этот композиционный прием помог художнику подчеркнуть живость, непосредственный характер ребенка. Фон картины, написано широкими звучными мазками, еще больше усиливает это впечатление. Колорит работы основан на сочетании теплых охристо-золотистых оттенков, а также черно-белые тона, что придает всей работе очень серьезное звучание.
Другая работа, удивляет своей выразительной композицией, «Портрет виконта Лепика с дочерьми» (альтернативное название «Площадь Согласия», 1876 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Динамичная композиция напоминает фотографию с резкой обрезкой всех сторон холста, что не характерно для живописи того времени. Линия горизонта сильно переоценена, который превращает площадь Согласия, который быстро пересекает виконт Луи Наполеон Лепик, только в фон для персонажей на картинке.
Как будто кого-то приветствовали дочери дворянина, остановился, повернулся в противоположном направлении по отношению к движению своего отца. Полотно имеет интересный аромат. Пока главные герои картины Дега одеты в светлые костюмы, почти сливаясь с фоном, одежда остальных участников композиции выполнена в темноте, почти черный цвет. Эти «черные» фигуры, расположен на холсте с математической точностью, создать удивительный «музыкальный» ритм всего произведения.
Выходец из знатной семьи и не испытывающий нужды в деньгах, Эдгар Дега мог позволить себе не выполнять требования благородных моделей, создание нестандартных портретов. Среди позеров было много персонажей из высшего общества, но ни разу художник не стал изображать их в сияющем великолепии роскошных нарядов. Независимо от статуса героев его картин, Дега всегда старался максимально точно передать характерные черты каждого из них. К лести привык, светские львы и львицы часто уходили от него, чувство обиды.
Жизненный опыт и путешествия
Важным событием в жизни Эдгара Дега стало знакомство с Эдвардом Мане, что произошло в 1862 году. Вскоре, художник стал регулярно посещать Cafe Gerbois - популярное место встреч молодых художников. Там обсуждали поиск новых предметов в искусстве, оригинальные выразительные средства и собственное видение действительности. Среди завсегдатаев кафе были такие великие художники, как Клод Моне, Альфред Сислей, Огюст Ренуар и многие другие.
Под влиянием этого сообщества импрессионистов, в конце 1860-х годов Дега обратился к созданию больших серий - Прачки, Скачки, Балетные сцены, и Модистики. Все его картины отличались очень точным раскрытием глубины и сложности внутреннего мира своих героев. В отличие от большинства художников-импрессионистов, Дега никогда не искал вдохновения в природе, он воспринимал действительность как динамический элемент, и именно это непрерывное движение занимало в его творчестве главное место. Его идеалом была насыщенная жизнь современного города. По натуре очень наблюдательны, Дега, гуляя по шумным улицам Парижа, заметил все характерные выразительные черты и надолго сохранил увиденное в своей памяти. Впоследствии передающие ритм городской жизни, художник создавал фотографически точные и объективные изображения.
Первоначальное материальное благополучие позволило Эдгару Дега все время уделять творческим экспериментам. Он мог позволить себе смело отбросить все каноны, все заезженные приемы построения композиции, чтобы найти свою неожиданную точку зрения, новое видение, благодаря чему можно было добиться впечатления свежести и непосредственности работы.
В результате творческих поисков художнику удалось добиться точной корректировки композиции картин, в котором не было ничего случайного и все элементы были призваны подчеркнуть общий смысл сюжета. Сам художник охарактеризовал свое творчество так:«Моя работа - результат размышлений, наблюдение за пациентом, вдохновение, характер и исследование великих мастеров ». Дега запечатлел всех своих героев в естественных и непринужденных позах, изо всех сил старается передать свой характер и настроение.
Когда, в 1870 г., разразилась франко-прусская война, художник вызвался вступить в пехотный полк. Внезапно, на первых стрельбищах, выяснилось, что его правый глаз плохо виден. Врачи поставили такой диагноз:отслоение сетчатки из-за диабета. Как позже выяснилось, это было только начало болезни Дега, что в конечном итоге привело его почти к полной слепоте. Тем не менее, его оставили в рядах французской армии, перевод в артиллерийский полк. В 1871 г. война уже закончилась, и Дега совершил короткую поездку в Лондон, после чего он отправился к своим американским родственникам в Новый Орлеан, где он провел зиму 1872 - 1873 гг.
В начале своего пребывания в США Дега создает множество зарисовок и картин, в том числе ряд портретов членов его семьи. Но очень скоро он теряет запал. Причиной этого был его вывод о том, что «искусство Парижа не может быть таким же, как искусство Луизианы, без каких-либо различий. В противном случае это будет только иллюстрированный мир. " Начиная с этого момента, художник перестает делать наброски и зарисовки, которые он ранее создавал в огромных количествах во время своих многочисленных странствий.
Дега убедился, что только продолжительное наблюдение за жизнью в той или иной стране «может дать возможность узнать обычаи людей и почувствовать их очарование». Тем не менее, вопреки его собственным тезисам, художник создает картину «Офис по продаже хлопка в Новом Орлеане» (1873 г., г. Музей изящных искусств, По). Многофигурная композиция работы основана на контрасте контрастных цветов - черного и белого, чередование которых создает четкий ритм всего полотна.
Весной 1873 г. Дега вернулся в Париж, где его вскоре ожидала череда потерь и неприятностей. Менее чем через год умирает отец художника, оставляя после себя огромные долги. Как выяснилось, покойный был в полном смятении. Банк, которым управляет Огюст де Га, задолжал кредиторам астрономические суммы. Чтобы сохранить репутацию семьи, артист выплатил часть долга из унаследованных от него средств, но этого было недостаточно. Чтобы свести концы с концами, художник продает родовое имение и коллекцию картин великих мастеров, собрал его отец.
Все это привело к такому положению дел, что художник впервые в жизни задумался о продаже своих картин. Один из эффективных способов привлечения покупателей, художник считал выставку импрессионистов, которые он часто помогал организовывать. В период с 1874 по 1886 год проведено восемь таких выставок, в семи из которых участвовал Дега. Стоит отметить, что его работы пользовались успехом и очень хорошо продавались. в отличие от произведений других импрессионистов.
В течение 1870-х гг. Дега еще больше усовершенствовал свой художественный стиль. Пространственное построение его работ приобрело небывалую остроту, еще большая свобода и динамизм. Цвет в его картинах приобрел самостоятельное значение, стал очень сложным, будто залита светом.
Дега настолько упростил и очистил свой рисунок, что смог передать игру мускулов человеческого тела в движении с помощью всего лишь одного контура. Постепенно, его работы приобретали все более скульптурный характер. Он стал подчеркивать контуры фигур и предметов толстой углеродной линией, розовый, в цвете картин стали преобладать лиловые и зеленоватые оттенки, что придало работе звучность, и все детали были сведены к минимуму.
Дега практически перестает писать маслом, пастель - его любимый материал. Последний портрет, созданный мастером, была картина «Элен Руар в кабинете отца» (1886 г., Национальная галерея, Лондон), с изображением дочери друга художника Анри Руана - Елены.
С середины 70-х в творчестве Дега, влияние японской гравюры, оказавшее большое влияние на все движение импрессионистов, прослеживается все чаще. Художник стал использовать многие приемы этого искусства, Например, оригинальные пространственные конструкции, использование неожиданных ракурсов и частое размещение второстепенных персонажей в центре композиции.
Любовь к скачкам
Одним из самых больших увлечений художника были лошади. Эдгар Дега проявил интерес к этим изящным животным во время своего пребывания в Италии. Он был очарован традиционными римскими скачками на Виа дель Корса, во время которой он сделал много зарисовок. В самой Франции 1860-х гг. как под властью Луи Филиппа и Наполеона III, Конный спорт также был очень популярен. Кроме того, Дега интересовалась не только природной пластикой и грацией лошадей, его больше интересовали профессиональные жесты и движения их всадников.
Создавая серию работ, посвященных скачкам, Дега часто находил в своих полотнах различные нетрадиционные композиционные конструкции. Его любимыми трюками были различные пространственные сдвиги, острая обрезка кромок и различные «острые» углы. Суть всех техник заключалась в создании ярких динамических изображений, которые могут передать уникальное ощущение постоянно меняющейся реальности. Важное место в этих работах занимает цвет. Именно с помощью цветного Дега можно было придать пестрый беспорядок жокеев-фигурок определенной организованной форме.
В 1860 г. художник написал одну из первых картин из цикла, посвященного скачкам. Полотно «Джентльмены на скачках:перед стартом» (Художественный музей Фогга, г. Кембридж) отлично характеризует стиль и характер художника, который изменился на протяжении всей его жизни. Дело в том, что Дега двадцать лет спустя переписывает свою первую версию этого произведения:где нечеткие расплывчатые фигуры всадников изображены на фоне совершенно плоского пейзажа. В этом позднем полотне фоном картины были холмы и пригородные фабрики с дымовыми трубами, излучающими черный дым.
Произведение 1862 года «Всадники перед стартом» (Musee d’Orsay, Париж), очень точно и искренне передает волнующие эмоции, которые испытывают люди, и напряжение лошадей перед стартом. На переднем плане картины полный напряжения, внутренняя направленность и динамизм, показаны жокеи, готовящиеся к старту. Средний план занят шумным светским обществом, жаждет очков. Удивительная достоверность, с которой жесты и посадки жокеев, лишенный всякой поэзии образов, удивительно. Благодаря этому приему, зрителя не удивляет резкая фрагментация полотна, в котором край рисунка отсекает половину фигуры одного из всадников.
Серия Дега, посвященный скачкам, полна прекрасных работ, решена с почти репортерской точностью. Пример таких полотен - «Перед стартом» (1878 г., г. Музей Э. Г. Бгорля, Цюрих), «Скачки в провинции. Экипаж на скачках »(около 1872 г., Музей изящных искусств, Бостон), "Скачки на лошадях" (1894 г., г. Коллекция в Уэббе, Нью-Йорк) и «Жокеи перед трибуной» (1869-1872 гг., Музей Орсе, Париж) На последнем полотне, Дега изобразил момент, предшествующий гонке, когда публике показывали только лошадей, участвующих в скачках. Художник мастерски составляет картину, достигая иллюзии спокойствия и уравновешенности, сохранились героями. Внутренние переживания передаются с помощью длинных теней, деликатно украшающих песок гоночных трасс. Все лошади на картинке почти статичны, за исключением одного, Дегас поставил перед собой задачу отразить состояние спокойствия, царившее перед самым стартом гонки. Нет характерных для этого события страстей и азарта.
Где-то в 1873 г. художник временно отошел от темы лошадей и скачек безо всякого внимания, вернувшись к нему лишь несколько лет спустя, когда он поручил певцу Жан-Батисту Фаре написать «Скачки. Жокеи-любители »(1876-1887, г. Музей Орсе, Париж). После этого, Дега периодически писал полотна, посвященные скачкам, примерно до конца 9-х гг. Одной из последних работ этой серии стала картина «Падший жокей» (1896-1898, г. Художественный музей, Коллекция Offlätsche, Базель). Композиция полотна похожа на более ранние работы художника, Он показывает нам лошадь, мчащуюся по лугу, за которым остается упавший, по-видимому, упавший на него жокей.
Выразительность ночной жизни Парижа
Болезнь художника повлияла на его образ жизни. Дега стал защищать глаза от яркого солнечного света, и вообще пробовал, как можно реже, быть на улице днем. В отличие от подавляющего большинства импрессионистов, художник практически не работал на пленэре. Большинство своих картин Дега писал при газовом освещении, за что получил прозвище «первый импрессионист ночи». Это также могло быть одной из причин, почему тематика парижских кафе, дешевые кафе, актрисы, певцы и «полулегкие» дамы были ему так привлекательны.
Дега создал множество работ, посвященных теме таких заведений и их обитателей, одним из самых известных является полотно «Абсент» (или «Любители абсента», 1875 г., Мрей д'Орсе, Париж). На нем изображен интерьер заведения Nouvelle-Athenn, популярен в парижских художественных кругах. Композиция картины построена по принципу простой жанровой сцены из повседневной жизни обитателей кафе. Ее герои - мужчина и женщина - вроде бы просто отдыхают за столом после повседневных забот. Но пустые столы на переднем плане создают впечатление, что их зажали и загнали в угол два человека, а также подчеркивают свою пустоту и взаимное равнодушие. Эта незамысловатая сюжетная линия подчеркивает тему восхищения Чужим человеком от мира и его неизбежного одиночества. что является основной идеей всей работы. Модели для художника - гравер и художник Марсель Дебутен и актриса Элен Андре. Через цвет, художнику удается придать своим фигурам внутреннее напряжение и драматизм, практически лишен движения.
Тонкое умение живописца передать характер своих натурщиц одним жестом прекрасно раскрылось в полотнах, изображающих певца различных кафе-шантанов. Яркий тому пример - картина «Капитан посол» (1876 г., г. Музей изящных искусств, Лион), в котором жест певца объединяет две части композиции:выступление на сцене и зрительный зал.
Что касается этой работы, известный критик Дж. Ривьера писал:«Сколько женских фигур на заднем плане, с их кисейными платьями и веерами, и зрители, которые, поднимая головы и буквально вытягивая шеи, с энтузиазмом смотрю провокационные танцы и коряво написанные куплеты! Если я не ошибаюсь, затем у этого певца есть тщательно пропитанное бренди контральто… Необычный жест певца, склоняясь к публике, безусловно подтверждает успех ее выступления. Никогда не повторяться в роли актеров с заученными ролями, она обращается к публике, спрашивает их, заранее зная, что они ответят именно то, что она хочет услышать, потому что это она контролирует тирана, чьи пороки умиротворяют. ”
Написано в 1878 г., полотно «Певица из Кафесантана» (или «Певица с перчаткой», ”Художественный музей Фогта, Кембридж), тоже очень яркий представитель этой серии. Эллис Дегранж, кто послужил образцом для этого полотна, на самом деле совсем не певец, но очень известный в парижских кругах пианист, охотно согласившийся позировать Дега. Фигура пианиста, очень близко к зрителю, по-прежнему не является композиционным центром полотна. Эту роль играет ее рука, одет в черную перчатку. Чтобы жест звучал еще громче, Дега изобразил это на светлом фоне. Художнику удалось очень мастерски организовать пространство работы. Резкий жест руки певца, ее открытый рот и несколько искаженные черты лица действительно приближают изображение к карикатуре. Чтобы смягчить этот эффект, мастер внес в раскраску мягкие светлые тона:нежно-розовые блики на платье и лице героини, и цветок в ее волосах.
Сериал, посвященный кафешантанам и их обитателям, получился очень ярким и своеобразным. Все произведения цикла отличаются очень смелым композиционным построением, который направлен на раскрытие основной идеи полотна. Сияние цвета и света, в картинах Дега, превращает реальность в фантастический мир, наполненный особым терпким шармом.
Балет
Второй любимой темой Эдгара Дега был плавный и динамичный элемент танца. Доподлинно известно, что на протяжении почти двадцати лет артист регулярно приобретал абонемент на Парижскую оперу. Он погрузился в тему балета, посещение театров и танцев. Наблюдая за нелегкой работой балерин, художник воссоздал чарующий мир танца. Он написал много картин, посвященных их репетициям, во время которого совершенствовалось каждое движение танцоров, спектакли, в которых они были представлены публике в праздничном сиянии софитов, и в редкие моменты расслабления. Большая часть работ выполнена в пастельной мастерской Дега, куда он приглашал своих моделей. Только пятнадцать лет спустя Директор Парижской оперы разрешил артисту работать прямо за кулисами театра.
Одним из первых произведений, написанных Дега в театре, была картина «Оркестр оперы» (около 1870 г., г. Музей Орсе, Париж). Это холст небольшого размера, композиция которого как бы случайно сделана во время презентации фотографии. Мастер предлагает зрителю взглянуть на сцену со стороны оркестровой ямы. Весь передний план занимают музыканты в черных фраках. Центральное место среди них занимает образ подруги художника Дезире Дио, кто играет на фаготе. Полотно расположено так, что мы можем видеть только нижнюю часть идущего на сцене спектакля. Первое, что привлекает внимание зрителя, - это ярко-розовые и голубые пачки танцоров, и только после этого белое пятно на рубашке музыканта привлекает его взгляд к главному герою картины.
Художник посвятил танцорам огромное количество своих следующих работ. Самые ранние картины этой серии несут большую долю якобы фотографической бесстрастности, с которой мастер изображал балерин.
В своем полотне «Танцевальный класс» (1871 г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк), артист мастерски передает волнение юного танцора перед решающей репетицией. Девушка стоит на фоне зеркал, что позволяет ее фигуре, слегка смещенной от центра, занимать все пространство класса. Только в левой части картины было место для черного пианино и сидящего рядом пожилого концертмейстера. который как раз собирался сыграть мелодию для танца. Картина наполнена тишиной, царящей в просторной комнате. Танцоры разминаются перед репетицией. All work is permeated with a clear and harmonious musical rhythm conveyed by the artist through color through the clear coloristic thoughtfulness of the canvas.
Several works of the series, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. «
The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, Париж), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. В этой работе, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, green, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Тем не мение, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, Например, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, Париж), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, как правило, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
Например, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, Париж), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Например, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. ”
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Например, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
Эта работа, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Следовательно, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. In them, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. В следующем году, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Париж). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, the State Hermitage Museum, St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
Со временем, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, следовательно, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, тем не мение, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
27 сентября, 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
