Микеланджело Меризи да Караваджо родился 28 сентября, 1571 г. в небольшой деревне недалеко от Бергамо, по имени которого он получил свое имя, оставшееся в истории мирового искусства - Караваджо. О дате рождения великого художника стало известно только благодаря сохранившемуся контракту на его обучение, заключили родители будущего художника с довольно известным в то время художником Симоне Петерзано. Документ, датируется 1584 годом, заявляет, что на момент его заключения, Микеланджело Меризи было 13 лет. Петерцано был учеником великого Тициана и жил в Милане, где началась творческая карьера Караваджо.
Начало творческого пути
Мать Микеланджело, Люсия Аратори, была второй женой архитектора и декоратора Фермо Меризи, который служил с Франческо I Сфорца, носивший титул маркиза да Караваджо. В итоге, в семье было пятеро детей. Первые годы жизни Микеланджело прошли в Милане, откуда семья сбежала обратно в Бергамо, спасаясь от чумы. Правда, эпидемия не пощадила отца и дядю будущего артиста, вся семья которого осталась на попечении его матери, кто был в большой нужде.
Войдя в мастерскую Симоне Петерцано в 1584 году, Микеланджело подписывает контракт с герцогом Колонна, наследник маркиза да Караваджо, умершего в 1583 году. Колонна, который решил купить все работы молодого художника, как только он вошел в мастерскую Петерцано, стал верным покровителем Караваджо на всю жизнь.
Глава католической церкви, который был одним из крупнейших заказчиков картин, был Папа Сикст V, кто отдавал предпочтение новым направлениям в искусстве, который только начал появляться в Ломбардии. На данный момент, Миланское герцогство, под властью Испании, стал центром строгой художественной и религиозной доктрины. Особенно, искусство Европы и Италии находилось под властью маньеризма, но параллельно с этим существовал болонско-римский академизм, ограничивается подражанием великим венецианским и римским живописцам. В Ломбардии, с другой стороны, художники стали отходить от маньеризма и сосредоточиться на реалистическом отражении жизни. Это направление оказало большое влияние на формирование творческого стиля Микеланджело Меризи.
К несчастью, мы мало знаем о деятельности миланской мастерской Симоне Петерцано в период, когда сюда приезжал Караваджо. Джованни Паоло Ломаццо писал в 1584 году, что Петерцано пользовался большим спросом, который неизменно наслаждался его работами, Сделано «изящно и легко». Если вы посмотрите на его фрески в церкви Гареньяно под Миланом, или на его полотнах, таких как «Венера» или «Амур и два сатира» (Corsini Collection, Нью-Йорк), вы можете увидеть явное влияние манеры, смешанный с новым ломбардским реализмом.
В ранних произведениях Караваджо отчетливо видно влияние стиля Петерцано, хотя преемственность по отношению к картинам великих мастеров Возрождения, такие как Тициан, Джорджоне, Джованни Беллини или Леонардо да Винчи, тоже очевидно. Работа последнего, а именно «Мадонна в скалах», Караваджо, конечно, видели в церкви Сан-Франческо-Гранде, Милан. Также, обратно в Бергамо, художник восхищался живописью Лоренцо Лотто, который отличался особой эмоциональной напряженностью.
Историк искусства Мина Грегори убедительно доказывает, что молодой художник внимательно изучал творчество Андреа Мантенья, который наглядно демонстрирует единственную фреску Караваджо, несомненно, написан под влиянием живописной манеры этого великолепного мастера перспективы. Караваджо тоже был в Мантуе, где он исследовал монументальные произведения Джулио Романе.
Тем временем, в Милане, образовалась настоящая школа, попавших под влияние живописной манеры братьев Кампи. В этом, молодые художники разрабатывали тематику своих произведений, сосредотачиваясь в первую очередь на реальной жизни, из которого они черпали вдохновение. Живопись этого творческого коллектива вобрала в себя все новшества изобразительного искусства того времени.
Чтобы открыть для себя эффект светотени, Караваджо, возможно, помогли работы мастера Высокого Возрождения Джованни Джироламо Савольдо, которым восхищался молодой художник. Затем он создал портрет известной художницы Софонисбы Ангуиссолы, которая была знакома с великим Микеланджело в молодости. Софонисба создавала жанровые сцены из повседневной жизни. Мы видим на одном из ее рисунков, созданный углем и мелом, образ ее маленького сына, чей рак был укушен за палец. Именно этот рисунок подсказал молодому Караваджо сюжет его первой картины:которую он написал сразу после прибытия в Рим.
К несчастью, мы можем лишь гипотетически говорить о творческом становлении Караваджо. По словам искусствоведа Беренсона, Джорджоне сыграл фундаментальную роль в развитии стиля Караваджо. Также отчетливо читается влияние ломбардской школы. Роберто Лонги пишет:«Долгое время в Милане, почиталась группа художников, приехавших из Ломбардии, которые творили простое демократическое искусство ... В их картинах было много человеческого чувства, внутренний свет и никакого религиозного экстаза; колористическое решение, черно-белые эффекты согласованы между собой и выверены с природой. Это было реалистическое искусство, которое стремилось просто и правдиво изобразить природу и человека. ”
Петерцано, который был очень прогрессивным учителем для своего времени, также сыграл значительную роль в формировании художественного стиля Караваджо. На тренировках он сосредоточился на технике живописи, без которых невозможно достичь высот мастерства.
Едва достигнув 18-летнего возраста, Караваджо, полон желания работать самостоятельно, переехал в Рим. Маршрут его путешествия неизвестен, можно только предположить, что по пути он видел множество работ великих мастеров. В Риме, прелат Пандольфо Пуччи дает приют молодому человеку. Первые произведения Караваджо имеют простой сюжет:«Мальчик, укушенный ящерицей» (1594, г. Национальная галерея, Лондон), «Юноша с корзиной фруктов» (1593 г., г. Галерея Боргезе, Рим), «Мальчик, чистящий грушу» (1593).
Первым автопортретом Караваджо считается картина «Музыканты» (1595 г., г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк), в котором художник изобразил себя вместе с двумя другими молодыми музыкантами и Амуром на заднем плане. Многие искусствоведы считают изображение Амура своеобразным гомоэротическим символом, указывает на склонность Караваджо к гомосексуализму. Скоро, художник тяжело заболевает, но чудесным образом выздоравливает и, почти сразу же, пишет картину «Больной Вакх» (1953, г. Галерея Боргезе, Рим), это его второй автопортрет.
Караваджо спонсируется могущественным кардиналом дель Монте, для которого художник создает ряд религиозных картин. На картине «Кающаяся Магдалина» (1595-1597, г. Галерея Дориа Памфили, Рим) мы видим первый женский образ, созданный художником. В тот же период художник создает свой второй «Вакх» (1596 г., г. Галерея Уффици, Флоренция), на этот раз полон здоровья. Скоро, Караваджо первым провоцирует, но далеко не последний, столкновение с правосудием.
Но почему молодой художник выбрал Рим? Биографы Караваджо сходятся во мнении, что выбор культурной столицы Италии, а значит и весь мир, было связано с необычайными амбициями Караваджо, который мечтал стать величайшим художником всех времен. Не потому ли, что он много раз нарушал закон, потому что считал, что ему - одаренному Богом больше, чем окружающим - позволено все?
Рим в то время действительно процветал. Строительство базилики Святого Петра, который в те годы был самым большим архитектурным сооружением во всем мире, только что завершился. Возводились великие базилики, такие как Сан-Джованни Латерано, Санта-Мария-Маджоре, открылась гавань Рипетта на Тибре, который действительно стал воротами в мир. Папа Сикст V пригласил всех талантливых художников полуострова приехать в Рим. и много, включая лангобардов, последовал этот призыв. Все это было призвано донести до всего мира торжество христианства.
Как и многое в жизни Караваджо, мы не знаем точной даты его прибытия в Рим. Может быть, это был 1591 или 1592 год. Есть много свидетельств того, что художник прибыл в Вечный город при папе Клименте VIII.
У молодого художника, приехавшего в Рим, скорее всего, было несколько полотен, написанных в Милане. Но эти работы, с их реалистичной трактовкой персонажей и сюжетов, вряд ли могли вызвать интерес у местной публики, вкусы которого тогда определили маньеризм и классицизм. Большой любовью в Риме пользовались копии произведений Микеланджело и Рафаэля. Знаменательно, что художники, которые были очень популярны в то время, такие как Агнести, Сиоланте, Таддео Зуккаро, Спасать, Рафаэлино да Реджо, Сезарс Неббия или Джузеппе Черци, оставил лишь небольшой след в мировой истории искусства.
Историк искусства Каллаб пишет:«Молодые художники, прибывшие в Рим в конце шестнадцатого века, не только пришлось ограничиться кротким подражанием картинам старых мастеров, но также наследуют их идеализм, художественная робость, и страх отказаться от пустой поверхностной манеры изображения. В живописи, эти художники довольствовались лишь внешним сходством. "Чтобы хоть как-то выжить, они были вынуждены подчиняться вкусам публики и заниматься только украшением жизни. Примером может служить работа Аннибале Карраччи, который приехал в Рим из Болоньи. Ему было поручено украсить галерею в Палаццо Фарнезе. Уже в процессе работы над воплощением своего творческого замысла, он столкнулся с большими трудностями и недоверием клиентов и общественности.
То же произошло и с Караваджо. Он ютился в бедных кварталах города, там же, где и многие другие иммигранты из Ломбардии, те же безработные художники, скульпторы и каменщики, пытавшиеся выжить в ожидании заказов. Скоро, живописцу удалось поступить на службу к Лоренцо Сицилиано, в мастерской которой он познакомился со своими земляками, братья Лонго.
В течение этого периода, Караваджо и его товарищи проводили дни на работе, исследуя сельскую местность и весело проводя время. Исследователи тщетно искали работы художника этого периода. Возможно, он написал что-то для себя, но, очевидно, эти картины не нашли покупателей.
И все еще, Караваджо улыбнулся удаче в лице богатого мецената, человек тонкого художественного вкуса, но с сомнительной репутацией, прелат папского двора, Монсеньор Пандольфо Пуччи. Он был братом кардинала, кто, Кстати, Также позаботился о "робком" Бенвенуто Челлини.
Святитель был очарован ловкостью, талант молодого художника и его непоколебимость, взрывной характер. Пуччи пригласил Караваджо в свой дом, обеспечение его существования. Исполнитель, со своей стороны, в благодарность за доброту святителя, должен был сделать для него работу по копированию лучших набожных церковных росписей. Монсеньор Пуччи отправил все свои работы в монастырь капуцинов в Реканати, в котором он когда-то родился и провел первые годы своей жизни. До нас не дошло ни одно произведение из этой серии.
Стиль и темы
Имея много свободного времени и полную свободу творчества, Караваджо мог выбрать любой сюжет для своих произведений и долго размышлять над ними. Теперь мы точно знаем, что картина художника «Мальчик, укушенный ящерицей» (около 1954 г., Национальная галерея, Лондон и, второй вариант, Фонд Лонги во Флоренции) был создан во время его пребывания у монсеньора Пуччи. Картина была своего рода реминисценцией известного рисунка Софонисбы Ангиссолы углем. Юноша на полотне изображен в момент, когда его кусает ящерица, и он со страхом убирает руку. Впервые в живописи, момент движения был схвачен и записан.
По словам Беренсона, в этом творчестве Караваджо есть «всеобщая потребность в инновациях, «желание разрушить условности. Возможно, здесь кроется и аллегория:голые плечи мальчика и цветок за ухом, указать, что молодой человек принадлежит к низшим классам римлян - миру проституток и воров, которые Караваджо ассоциировал с физической болью и страданиями, которые обязательно сопровождают любовь. На протяжении всей карьеры художника образы физических страданий были неразрывно связаны с душевными и душевными страданиями.
Караваджо также написал свою знаменитую «Лютнист» во время своего пребывания у Пуччи. Сейчас картина в Эрмитаже, В Санкт-Петербурге. Образ музыканта очень характерен для моделей, выбранных художником. Есть еще один вариант полотна, хранится в Метрополитен-музее, в Нью-Йорке. На нем мы видим такого же играющего мальчика, но мы не видим рядом с ним ни цветов, ни фруктов.
Поразительна тщательность, с которой художник выписывает музыкальные инструменты. Мечтательное лицо лютниста, томление в его взгляде, все говорит о том, что юноша в воображении уносится в свой глубокий внутренний мир. На партитуре картины Эрмитажа можно прочитать интригующую надпись:«Voi sapete chio vato» («Ты знаешь, я тебя люблю»). Интересно, кто прислал это признание? В картине «Музыканты» на переднем плане также изображена развернутая партитура для зрителей, которую держит полуобнаженный певец. Но вот надпись, сделанная его рукой, пока никто не смог прочитать.
Дело в том, что все произведения этого периода, Караваджо вдохновлял только юноши (женские образы отсутствуют), также свидетельствует о нестандартной ориентации художника. Первым женским образом в его творчестве стала картина «Кающаяся Магдалина», написан около 1596 года.
Неизвестно, почему Караваджо покинул дом монсеньора Пуччи. Возможно, у прелата был очень тяжелый нрав. Художник снова появляется на римских улицах, лишены средств к существованию. К счастью, старый друг живописца, работавший с ним в мастерской Лоренцо Сицилиано - художника Antiveduto Gramatica, приютил бездомных и обедневших Караваджо. Грамматика пользовалась некоторым успехом у публики, поэтому он был обеспечен регулярными заказами.
Но несчастья преследовали бедного Караваджо, он заболел римской лихорадкой, который свирепствовал по всему полуострову. Друг художника Лонго отвез его в монастырскую больницу Санта-Мария-делла-Утешение. куда привозили тех, у кого не было средств на оплату лечения. Там, Караваджо поместили в подвале, который считался камерой смертников.
Совершенно случайно, художник привлек внимание настоятеля больницы, Испанец сеньор Контерас, хороший друг монсеньора Пуччи, который прошел мимо и узнал Караваджо. Контерас попросил перевести смертельно больного маляра в другую комнату и приказал не покидать его медсестер. Только это спасло художнику жизнь.
Но темы смерти и болезни, впредь как далекое эхо переживаний, можно увидеть на многих его полотнах, Например, в Успении Богородицы. В благодарность за его спасение, Караваджо написал для картин Contares, но, к несчастью, Oни, как и многие другие его работы, не дошли до наших дней.
Полгода в больнице, боль и страх, сопутствующие болезни оставили глубокий след в душе художника. Именно тогда Караваджо создает одно из самых известных своих произведений, «Больной Вакх». Фигура Вакха показана в зеркальном отображении:пухлая, бледное лицо и тусклые глаза говорят о тяжелом состоянии самого художника после болезни. В «Больном Вакхе» мы видим бога, который больше не может наслаждаться радостями жизни, наслаждайся этим.
Картина написана в мастерской одного из самых известных художников Рима, кавалер Чезаре д’Арпино, который приютил Караваджо в своем доме. Чезаре д'Арпино был не намного старше самого Караваджо, но уже был известен как любимец высшего общества и даже был усыновлен при папском дворе. Принадлежит к одному из самых популярных художественных объединений в столице Италии - Академии Безрассудства (в которую также входили такие поэты, как Батиста Лаура, будущие папы Урбан XVII и Торквато Тассо), д’Арпино предпочитал божественное рациональному. В благодарность за приют, Караваджо пришлось нести гирлянды из листьев и цветов для фресок Чезаре д’Арпино. На этот раз, даже был подписан контракт. Фрески Караваджо современники признали совершенными.
В доме Чезаре д’Арпино Караваджо встретил многих богатых филантропов Рима:кардиналов, торговцы послы а также известные художники, пользующиеся хорошей репутацией:Ван Дайк, Ян Брейгель и, возможно, Рубенс. Среди них был Валентин, который недавно привлек внимание молодого художника из Франции. Есть предположение, что позже Валентин тайно удалился из мастерской Чезаре д’Арпино и продал несколько работ Караваджо.
Примерно в то время художник создал еще один собственный шедевр - «Молодой человек с корзиной фруктов», который Папа Павел V позже подарил своему племяннику Шипионе Боргезе. Обе картины (эта и «Больной Вакх») находились в мастерской кавалера Чезаре д’Арпино 1607 года. Потом, они были конфискованы агентами Папы Павла V, взошедшего на престол после папы Климента VIII, в погашение долгов.
Не имея постоянного дохода, Караваджо обратился к Валентину за помощью, и он посоветовал мне написать религиозные картины. Действительно, спрос на церковную роспись был огромен. Караваджо принял предложение, получил краски и кисти, но через некоторое время он принес агенту нерелигиозную работу в свой второй «Вакх».
На этом полотне мы видим древнего бога в образе здорового толстокожего юноши, с характерными для многих персонажей художника тяжеловесными веками. Голова Вакха украшена традиционным венком из виноградных лоз, в его руке бокал вина, а на столе мы видим полупустой графин. Но есть и другие нюансы - слегка засохшие листочки в венке, испорченные несвежие плоды, заставляют задуматься внимательного зрителя.
Биограф Караваджо Джованни Баллоне напишет:«Вакх с несколькими ветвями винограда, раскрашенными в разные цвета, написан с большой тщательностью, а также с определенной резкостью и сухостью манеры; эта картина происходит из тех времен, когда Караваджо пытался жить на собственные деньги, продавая его картины. «В 1916 г. эта работа была заново открыта Роберто Лонги, открывшим его в хранилище галереи Уффици.
Необычайный талант Караваджо был оценен с опозданием на 300 лет. Доподлинно неизвестно, принял ли заказчик Вакха или работа так и не поступила в продажу; в любом слючае, его выполнение не могло помочь мастеру решить его материальные проблемы. Валентин, кто верил в огромный художественный талант Караваджо, уговорил художника принять заказ на выполнение произведения религиозного содержания, но упрямый, несмотря ни на что, начал работать над новым произведением - написал «Гадалку».
На полотне мы видим либо уличную сцену, или один из эпизодов народного театра. Валентин заплатил Караваджо за ее 30 талеров! Впоследствии Работа была подарена принцем Дориа-Памфили французскому королю Людовику XIV и в настоящее время хранится в Лувре.
Рентгеновское исследование работы показало, что под изображением молодой гадалки находится более ранний снимок в манере, близкой к Чезаре д’Арпино. Возможно, Караваджо просто сэкономил на холсте. Вульгарность этой сцены шокировала современников художника, но именно она позже вдохновила другого живописца - француза Жоржа де Латура, создать картину под тем же именем и на одном сюжете. Получив деньги, Караваджо тотчас бросился навстречу приключениям, драки и драки, что заставило папскую полицию снова вести строгий надзор за его жизнью.
Что произошло дальше? Как Валентину удалось убедить своенравного художника вернуться на праведный путь? Наверное, в этой борьбе с мятежным характером Караваджо, он использовал имя одного из самых богатых коллекционеров искусства этого периода - кардинала Франческо Мария дель Монте. Наконец-то, живописец соглашается написать для кардинала картину на религиозную тематику, который стал первым в его творчестве.
Правда, Художник поставил условие:полная свобода выбора темы. Караваджо сразу отказался писать традиционные сцены распятия и мученичества. Как объект изображения, художник выбрал тему экстаза, созвучны как его живописной манере, так и его художественному темпераменту. Он начинает монументальное произведение «Экстаз святого Франциска». Караваджо решительно берется за создание полотна, обосноваться в подвале дома Валентина, чтобы как можно скорее выполнить это нелегкое для него задание.
Работа должна была быть высокохудожественной, мастерская работа, которая могла открыть двери Караваджо в коллекции крупных ценителей римского искусства. В то же время, она сделала бы его известным и помогла бы снискать расположение богатых и авторитетных людей. Современные исследователи творчества художника считают «Экстаз святого Франциска» первым зрелым произведением Караваджо.
Гений инноваций
Произведение «Экстаз святого Франциска» вызвало много споров и дискуссий. Писатель Доминик Фернандес видит в ней рождение подлинного барокко. Сюжет картины разворачивается на фоне ночного леса. На заднем фоне, Караваджо изобразил простых пастухов, разжигающих костер. В его свете фигура спящего сопровождающего святого, Брат Леон, ясно вырисовывается. Святой Франциск обнаруживает стигматы в состоянии мистического экстаза.
Никто до Караваджо не изображал такую сцену религиозного экстаза:святой лежит в объятиях ангела, образ которого воплощен в образе соблазнительного юноши, сильно напоминают излюбленные модели художника. Фигура ангела, несмотря на крылья позади него, не парит, но как бы падение на землю. Пытаясь найти новые выразительные и выразительные средства, художник усиливает игру света и решает всю композицию как театральную реконструкцию, стараясь таким образом добиться не только значительного художественного эффекта, но и больше убедительности.
«Экстаз святого Франциска» сделал свое дело - положил начало славе Караваджо как религиозного художника. Затем последовали и другие монументальные работы художника, такие как «Обращение Саула из церкви Санта-Мария-дель-Пололо». Кардинал дель Монте, оценивая новаторский подход художника, приглашает Караваджо в Палаццо Мадама.
Франческо Мария дель Монте был послом тосканского герцога при дворе Pantifex Maximus. Его резиденция располагалась на вилле Медичи. Кардинал был очень образованным человеком:знал иврит, Древнегреческий и другие восточные языки. Он был большим поклонником музыки и живописи, всегда открыт для новых идей. Благодаря этому Караваджо произвел на него хорошее впечатление, а кардинал дал ему творческую свободу и полное содержание. Живя во дворце мадамы и считаясь ученицей кардинала, Караваджо превратился в востребованного и известного художника. Правда, они не только восхищались им, но также ненавидел его.
Защищен от всех невзгод, хорошо обеспеченный, и, может быть, даже в любви, художник начал привыкать к спокойной жизни. Который, тем не мение, не повлиял на резкость и резкость его живописного языка, который постоянно оттачивался. Он был поглощен поисками самых драматических сцен, и воплощая его идеи, он прибегал к множеству контрастов, игра света и тени, придавая его картинам живость и убедительность.
Тем временем, приближалась смена веков. Маньеризм как направление искусства постепенно пришел в упадок:эпоха Возрождения стала историей. Было время Нантского эдикта, положившие конец религиозным войнам в Европе. Франция и Италия заключили союз:Генрих IV женился на Марии Медичи. Микеланджело Меризи, который теперь взял имя Караваджо, в это время было 25 лет.
Будучи учеником кардинала, который с радостью приобрел большую часть своих работ, художник мог полностью отдаться вдохновению - «сиюминутной ярости». Он начал писать не только религиозные, но и жанровые картины. «Кающаяся Магдалина» Караваджо на удивление реальна. Кстати, Натурщица с улицы по имени Юлия послужила образцом для художника. Два года спустя, создал картину «Круговорот Магдалины», который отличается еще более кропотливой проработкой всех деталей.
В доме кардинала дель Монте Караваджо пишет свой знаменитый натюрморт «Корзина с фруктами». Корзина, парящая над столом, кажется необычно материальной. Наряду со свежими сочными фруктами, мастер «наполнил» его перезрелыми плодами и увядшими листьями. Это полотно никогда не украшало коллекцию дель Монте, кардинал только позже обнаружил его в мастерской господина Чезаре д’Арпино, которому сам художник подарил, в качестве компенсации за долги. Позже про натюрморт Караваджо забыли. До не давнего времени, «Корзина с фруктами» была частью голландской школы живописи. Только научное исследование 1919 года, проведенное Лонги, подтвердило авторство Караваджо.
Скоро, художник покинул Палаццо Мадама и переехал в дом кардинала Маффео Барберини, который был одним из клиентов Валентина. Под влиянием постоянных советов и наставлений своего друга, Караваджо снова обращается к развитию религиозных тем, не теряя веры в его идеи и принципы. Художник ищет драматические ситуации в истории и жизни, укрепляет их театральностью композиционных решений, с необыкновенными контрастами света и тени, придавая его произведениям совершенно новое звучание.
Работы «Взятие Христа под стражу» (Национальная галерея, г. Дублин, Ирландия) и «Дар Исаака» посвящены рассказам из библейской истории. Самым привлекательным в «Жертвовании Исаака» является высокая гуманистическая интерпретация образа ангела, являющегося Аврааму, приставляя кинжал к своему сыну. Ангел показывает на барана, которую следует положить на алтарь вместо мальчика.
На картине «Святая Екатерина Александрийская» художник изображает на заднем плане устрашающее колесо пыток со стальными шипами. Караваджо мастерски уравновешивает композицию, сочетая темную и светлую части. Работа, который некоторое время находился в коллекции дель Монте, был продан его наследниками семье Барберини, из которого в 1935 году он попал в коллекцию Тиссена-Борнемисы.
Картина «Иоанн Креститель» относится к тому же периоду, на создание которого вдохновили фигуры обнаженных юношей Микеланджело из Сикстинской капеллы. Он также пишет другую Марию Магдалину, выполнен в стиле венецианских мастеров («Обращение Магдалины»). На этом холсте помимо Магдалины, опираясь на большое круглое зеркало, мы видим другого персонажа - Марту, кого представляет Караваджо. Образцом для Марты был Филис Меландроне, который работал с художником и во время написания Святая Екатерина.
Настойчивая личная просьба кардинала и большой спрос на религиозную живопись заставили художника продолжить работу над произведениями на библейские темы. Все его последующие работы нанесли сокрушительный удар основному направлению европейского искусства - маньеризму.
Скоро, Караваджо решает написать картину об одном из худших моментов еврейской истории, описанных в Ветхом Завете. Он пишет Юдифь и Олоферн, где он изображает момент, когда Юдифь была отрублена ассирийскому тирану Олоферну. Образцом для Юдифи также стала Филис Меландроне. Изначально, художник изобразил Юдифь с обнаженной грудью, но впоследствии, был вынужден «накрыть» ее корсажем. Чуть в стороне от героини ждет пожилой слуга. Она охотно держит льняную салфетку, чтобы обернуть ею голову жертвы. Образ старой девы создал Караваджо под впечатлением от «Головы старика» Леонардо да Винчи.
Картина «Отдых на пути в Египет» наглядно демонстрирует как принятие, так и отрицание традиций религиозной живописи. Каштановые волосы Богородицы контрастируют со светло-рыжими локонами Младенца Иисуса. Ангел, написанный со спины, играет на виолончели; его взгляд устремлен на счет, который держит Джозеф. Художник изобразил мужа Девы Марии босоногим и седобородым, он сидит на сумке, рядом с которым мы видим полупьяную бутылку вина. Служа фоном, пейзаж обрамляет всю композицию. Он и узор из цветов и листьев стилистически близок к картинам Джорджоне, но, конечно, Караваджо превосходит его по силе своего таланта.
Полотно «Отдых на дороге в Египет» было неоднозначно воспринято публикой и получило самые разные оценки. Тем не мение, кардинал дал Караваджо новый заказ на роспись потолка его резиденции (в настоящее время есть вилла Boncompany Ludovisi). Художник выполнил заказ в середине 1590-х годов. Эта фреска до сих пор остается единственной известной работой Караваджо в области настенной росписи. Художник демонстрирует поразительное умение владеть перспективой. Фигуры Юпитера, Нептун и Плутон, изображенный им на фреске, свидетельствуют о незаурядных способностях 26-летнего артиста. Хотя работа была очень благосклонно принята просвещенными ценителями искусства, Валентин ожидал от художника большего:он помогает Караваджо заключить крупный контракт на рисование сцен из жизни апостола Матфея в крупнейшей римской церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези.
Согласно этому контракту, художник создал два монументальных полотна - «Мученичество апостола Матфея» и «Призвание апостола Матфея», которые до сих пор украшают церковь Сан-Луиджи-деи-Франчези, находятся там же, где они были опознаны при художнике. Они - яркое свидетельство нового этапа в жизни и творчестве Караваджо.
Этот живописный ансамбль был самым масштабным из представленных в жизни артиста. И результат его работы был поразительным. Написанные им монументальные произведения, основанные на новаторском взгляде на библейские сюжеты, породили страстные дискуссии, как среди священнослужителей, так и среди ценителей искусства. Это не удивительно, учитывая, что в начале XVII века церковные росписи и фрески были в центре внимания и вызывали живой интерес не только у духовенства, но и среди всех любителей живописи, так что всем не терпелось увидеть новые работы художников.
История этого ордена довольно необычна. Кардинал Маттео Контарелли, кто пожелал посвятить часовню святому Матфею, его небесный покровитель, пригласили художников и скульпторов для украшения церкви. Работа еще не была завершена на момент смерти кардинала, и вопрос об их завершении дополнительно обсуждался на многочисленных церковных соборах. Среди художников, участвовавших в капелле Контарелли, Джироламо Муциано и джентльмен Чезаре д’Арпино, расписав своды и потолок храма сценами из жития святого, должно быть записано. Он собирался расписать все стены часовни, но по непонятным причинам не смог продолжить работу. Его завершение было поручено Караваджо. Контракт от 25 июня г. 1599, г. который был заключен с художником, выжил. По его словам, Караваджо получил награду в 400 скудо.
По факту, непонятно, почему выбор пал на Караваджо, а не на другом, более известный в те годы, Римские мастера. Наверное, the mediation of the artist’s all-powerful patrons:Cardinal del Monte and the wealthy Genoese philanthropist and aristocrat Vincenzo Giustiniani played a large role here. Of course, the painter was flattered by the honor shown to him, and immediately set to work. But here one problem became clear:Masses regularly served in the chapel of Contarelli, and therefore it was impossible to establish the forests necessary for creating large-format compositions. Caravaggio offered his way out of the situation - he decided to make large-format oil paintings on canvas of 3.40 x 3.24 meters in oil! None of his contemporaries have yet completed orders of this magnitude. After a little thought, the clergy agreed.
The painter did not meet the deadlines stipulated by the contract and submitted his work several months later. He completed the “Martyrdom of the Apostle Matthew” in time for early 1600. Caravaggio repeatedly changed the composition of the canvas in search of the most successful solution. The painter depicted the scene, which took place in the courtyard of the king of Ethiopia, who ordered the execution of St. Matthew, who preached the gospel there. The executioner, holding his sword at the ready, was already bending over the resisting martyr to kill him. An angel extends to the saint a palm branch - the emblem of martyrdom for faith. In the distance stands a young man with a tender face, involuntarily trying to distance himself from the terrible scene that is taking place. The fleeing boy turns away, his face expresses unspeakable horror. In one of the characters of the canvas, Caravaggio himself can be seen as a witness to this crime - a middle-aged man with a beard and an exhausted expression on his face. This is the artist’s third self-portrait.
The painting “Martyrdom of the Apostle Matthew” conquers, прежде всего, with realistic authenticity, emotional richness and utmost convincingness of images. Hermann Foss writes:“At a time when Caravaggio began to use the lighting method he invented in developing multi-figure compositions, he felt the need to abandon the linear-planar image means used by Zuccaro and Giuseppino. His competitors did not hesitate to make critical judgments. One of the theorists of Roman mannerism, the artist Zuccaro, spoke as follows:“A lot of noise from nothing! I see nothing here but a copy of the Giorgione style! ”
Recognition of talent
The painting “The Calling of the Apostle Matthew”, executed a few months later and set in a chapel next to the composition “Martyrdom”, provided further food for conversation. The artist showed the mystery of “Calling” in the form of a scene from Roman everyday life. Realizing his bold plan, Caravaggio chooses the location of one of the Roman taverns, in which gamblers are usually found. In the original, an episode of the gospel story takes place in a room that meets modern customs. После всего, it is about the main tax collector, the chief tax collector who controls the collection of taxes.
In the canvas, light falls from above and illuminates only the right side of the room. The only window is tightly closed and appears walled up. The painter depicted a situation completely unsuitable for performing the sacrament of conversion, тем не мение, it is here that Jesus appears. Entering, he points with his hand to the chosen tax collector, and this gesture is somewhat reminiscent of the movement of the hand of the god of hosts, from the fresco "Creation of the World" by Michelangelo.
Наконец-то, Caravaggio becomes famous. He convincingly proved that in painting a harmonious combination of the divine with the everyday is possible. Jesus’ appearance in the tax collection office, shown on his canvas, does not look blasphemous. True, this innovation in church painting caused endless debate. Тем не менее, the executors of the will of Cardinal Contarelli were satisfied and immediately instructed the artist to fulfill the central image for the church altar. The motive of the last image was determined in advance - the Apostle Matthew and the angel. The painter on time presented the work to customers, but it was rejected due to the fact that Caravaggio endowed the image of the saint with the characteristic features of a simple peasant, depicting him bearded, bald, with bare and dirty legs.
Under the pressure of the clergy, Caravaggio presents the second version of the picture, with a completely different interpretation of the plot. In the second version of the work, the painter refuses to demonstrate the emotional closeness between the apostle and something an angel whispering in his ear. The altar image of St. Matthew, created by Caravaggio, can still be seen today in the chapel of the church of San Luigi dei Francesi. The artistic ensemble of three monumental canvases for a long time remained in the darkness of the basement of the chapel of Contarelli in complete oblivion, until he was "revived" from oblivion by Roberto Longa. The first show of these works took place in 1922 at an exhibition organized in Florence.
These sensational paintings brought Caravaggio unprecedented success. He immediately received a new order. Now the artist had to do work on a religious theme for another chapel, standing on the most beautiful square of Rome - Cherazi in the church of Santa Maria del Popolo. The chapel, located to the left of the altar, was bought by the Cherazi family for the family tomb.
It was 1601, Caravaggio finally had students, one of whom, Giovanni, even moved to his teacher, in the basement of the Palazzo del Monte. The artist, meanwhile, was completing the Assumption of Mary painting for the chapel of Cherubini in the church of Santa Maria della Scala in Trastevere, commissioned by the mendicant Carmelite monks with the direct mediation of Marquis Giustiniani.
The canvas "Assumption of Mary" was to become the largest in the altar of the chapel. The composition of the picture shows us the dying Mary. Her room is poor, the whole wretched environment consists of a towering bed, a chair and a washing vessel. The deathbed is covered by a large red curtain that hangs directly from the ceiling beam. Longy notes:“The picture tells us what the death of a woman from the common people looks like… The pain of everyone standing by the bed is impressive and receives unlimited power of influence thanks to a stream of light that fights shadows, falling from the left and illuminating the flickering flaming colors from the inside. The sorrow and shock of those present, expressively emphasized by the lighting, seem infinitely huge, inexhaustible. "
Not surprisingly, the Carmelite monks rejected the picture. It was not without rumors. Did the artist not invite a woman of easy virtue as a model for the main character? Caravaggio depicted the body of the deceased Maria in such a way that everything indicated a severe illness. Even the foreground image of a bowl of vinegar water, designed to wash the dead, was itself blasphemy and alerted the church. It should be recalled that a year earlier in Rome, Giordano Bruno, who rejected religious dogmatism, was burnt at the stake of the Inquisition.
The Assumption of Mary product did not find a buyer for a long time, until the Mantuan Duke of Vincenzo Gonzaga purchased it for his own collection on the advice of Rubens. Rubens was delighted with the courage and power of Caravaggio’s painting, his skill in transmitting light and shadow. The Assumption of Mary work, like most of the duke’s collection, was sold to Charles I in England in 1628. For some time after the death of the king, the painting belonged to a Paris banker, then it was acquired by Louis XIV.
В течение этого периода, Caravaggio again begins to meet with his friends from poor neighborhoods, and does not at all try to conclude a profitable contract with the church of Santa Maria del Popolo, which Valentine is very worried about. Тем не менее, the painter agrees to write a monumental painting for the wealthy banker Marquis Giustiniani - “Crowning with a crown of thorns”. The original version of the picture, which was long considered a copy, was identified only in 1974, it is in the Prato Art Gallery.
In addition to her, the master, for an incredibly short time, writes another large-sized work - “The Position in the Coffin”, which is now in the Vatican. В этой работе, his extraordinary vision of light and shadow and his talent for working with “revived” colors were surprisingly manifested. The painting was Caravaggio’s only work on a religious theme, without delay and positively received by customers from the church of Santa Maria in Vallicella, speaking on behalf of Monsignor Vitrici. Потом, Rubens made a copy of this work, slightly changing the composition.
Скоро, an important contract with the church of Santa Maria del Popolo for 400 scudos, with the direct assistance of Valentine, was concluded. This money allowed Caravaggio to pay off debts and gain some independence. Изначально, according to the contract, the artist was supposed to write paired works of small format, executed on cypress boards, тем не мение, in the end, Caravaggio painted them on canvas with oil paints. The plots were proposed by Senor Cherazi:“The Crucifixion of the Apostle Peter” and “The Conversion of Saul”. Most likely, the painter enthusiastically fulfilled this order, which was classical in every respect.
Тем не менее, the clergy strongly rejected the first version of the paintings created by the artist, which gave rise to the creation of their second versions. The original version of the painting “The Crucifixion of the Apostle Peter” is in the Hermitage, in St. Petersburg, while the first version of the “Conversion of Saul” is lost. The second version of The Crucifixion was created with such utter realism and so convincing that the Carmelite monks accepted it with fear. Caravaggio portrays executioners who are trying to raise a large cross with the saints nailed to it. The artist painted the apostle Peter with a sitter, who posed for him for the painting "Rest on the Flight into Egypt" and paintings located in San Luigi Lei Francesi. The "Crucifixion of the Apostle Peter" was accepted by customers, although with some discontent.
The painting “The Appeal of Saul” was twice rejected by the monks before it was placed in the chapel of Cherazi. The fact was that such an interpretation of the biblical plot, as in the painting “Assumption of Mary, ” was an unthinkable provocation. It is enough to note that almost the entire space of the canvas is reserved for the image of the horse. One of the prelates of the church of Santa Maria del Popolo stubbornly disputed this artistic decision with Caravaggio himself. A church servant recorded this conversation for the story:“Why is the horse in the middle, and does the Apostle Saul lie on the ground?” - “So it is necessary!” - “Should this horse replace God?” - “No, but it stands in the light of God.”
Berneson notes that "… Caravaggio anticipates something from the sculptors of our time…". Roberto Longi believes that both canvases from the church of Santa Maria del Popolo are vivid proof of the artistic genius of the master. “Caravaggio’s experiments in the field of painting finally allowed him to apply the reduction of deep shadows, and this, of course, increased the impact of his tragic and courageous realism… Caravaggio completely changes the traditional iconography. Perhaps this is the most revolutionary picture in the history of religious art, which helped to make an important turning point in the colossal spiritual development of society, ”he writes. Anthony Blunt is more concise, but argues that it was this painting by Caravaggio that inspired Georges de Latour to create the painting "St. Joseph the Carpenter."
Due to being late with the execution of the order, Caravaggio was fined 100 scudos. Works from Santa Maria, as well as paintings from San Luigi, were gradually forgotten. One of the reasons for this was the too high placement of paintings in the premises of the church. Both the "Conversion of Saul" and the "Crucifixion of the Apostle Peter" were located in partial shade under the ceiling, so that it was almost impossible to make out. Only in the 20th century did their rebirth take place.
The artist was very sensitive to criticism. Absorbed in indignation and resentment, he plunges headlong into a wild life. For months, Valentine had not heard anything about him. And Caravaggio wandered around the outskirts of Rome with a young groom named Benedetto and his friend Lionello Spada. Тем не мение, Valentine still managed to get on his trail. Having sought out the painter, he suggested that he create a series of paintings on famous mythological subjects. So the paintings “Narcissus” and “Cupid the Victor” (1603) were born.
The canvases put up for sale provoked extremely hostile criticism from art dealers, who considered them indecent. Perhaps the model for the figure of Amur, depicted by the painter as a very earthly, playful child, was the groom Benedicto. Armed with arrows, the little boy, unashamedly, taunts the symbols of love, art, power and power. The work has a meaningful inscription:Amor vinciti omnia ("Love conquers all"). In addition, there were rumors that Amur the Conqueror was created as a parody of Michelangelo’s famous Victory statue in the Vecchio Palace in Florence. Others saw in it a hint of the image of St. Bartholomew from the fresco "The Last Judgment" of the Sistine Chapel. Of course, Caravaggio laid bare the homosexual theme in the work of his great predecessor.
Spoiled reputation
The period from 1602 to 1606 was filled not only with creativity, but also with adventurous adventures, constant clashes with the servants of the law, and the payment of countless fines. Например, a certain Girolamo Spampa painter wounded with a sword for offensive reviews of his works. A little later, he was accused of composing and publishing defamatory verses about the painter and his future biographer Ballon. This happened just when the artist finished the work of Ascension for the Roman Church del Gesu. Then, for the composition of the sensational libelous libel (which was not forgiven in Rome), the painter was sent to Torre di Nona prison, even there managing to behave in a bad way. The statements of Caravaggio, replete with insolence, lies and slander, did not contribute in any way to the indulgence of the judges.
If it were not for the intercession of two, or even three cardinals and the Marquis Giustiniani, Caravaggio would inevitably have received a long prison term, given the many previous convictions. But the artist repented, promised not to commit any more unseemly acts, and even asked for forgiveness from Ballon, after which he was released. So he had the opportunity to finish the work "David with the Head of Goliath." В этом, the artist freed himself from the influence of mannerism and gave a completely new interpretation of space and light. Three years later, Caravaggio wrote another version of this canvas. Soon he signed a contract for the creation of the monumental work "Madonna di Loreto", for the chapel of Cavaletti in the Roman church of Sant Agostino. The artist set to work, but this work did not bring him happiness. Despite the warningsCaravaggio invites him to pose for a prostitute from Piazza Navona named Helen.
The former notary public, Mariano Pascvalone, openly expressed his indignation at this fact. This or something else caused a strong conflict between the painter and the notary, which ended up with the bloodied Pascvalone appearing in the courtyard and explaining that he was beaten up by the artist Caravaggio in front of the palace of the Spanish ambassador. The scandalous and criminally punished incident forced Caravaggio to urgently leave Rome.
He travels to Genoa in 1604 and receives the patronage of the Duke Marzio Colonna, who was his protector since his studies in Milan. Там, Caravaggio receives an offer from Prince Marcantonio Doria, who wished that the artist painted his residence in frescoes. But the painter refuses a lucrative contract. Now in the gallery of the Palazzo Bianchi is Caravaggio’s work “The Man” (Ecce Homo, 1606), который, возможно, was written precisely at this artist’s visit to Genoa. True, this is not proven.
Suddenly, the notary Mariano Pascvalone withdraws his complaint against Caravaggio and the artist returns to Rome. There he ends the Madonna di Loreto. On this incredibly popular painting Virgin Mary is depicted “floating in the sky” inside the space of the altar. The artist decides to present her in a simple peasant guise at the moment when she meets two barefoot, dirty pilgrims with touching meekness and reverence. The face of the Madonna is filled with infinite modesty, and the Baby Jesus, whom she holds in her hands, looks at the elders with a mixed sense of curiosity and anxiety. The interpretation of the pilgrim images is especially impressive in the work.
The picture, as always, caused a lot of controversy and endless discussions, during which the painter appeared both new fans and new irreconcilable enemies. The priests of the church of Sant Agostino could not decide to accept the work and, therefore, pay for the contract of Caravaggio. A letter from one clergyman is preserved in the state archive of the city of Modena, where he describes the artist’s problems with justice and his trial in the judicial curia.
Soon a new incident occurred, который, of course, only exacerbated the situation of the painter. At a fun meal in Albergo del Moro, the boy-waiter indiscreetly and casually served Caravaggio, and he threw a plate of artichokes into it. This led to a brawl and the troublemaker was arrested. The artist again appeared in the court yard, which he left only thanks to his patrons. Trying to somehow rehabilitate himself and justify himself, Caravaggio takes an order for two canvases:"St. Francis with a Skull" and "Writing Jerome", intended for the church of Capuchin monks.
Around the same period, the work “Christ in the Olive Grove”, destroyed in 1945 during the bombing of Berlin, dates back. We can only see copies of it now. During the same years, Longo dates “John the Baptist” from the Borghese Gallery and another version of the painting “Christ at Emmaus”, which is now in the Pinacoteca di Brera in Milan.
This period was the most fruitful for all the time Caravaggio was in Rome. In the second version of the painting “Christ at Emmaus”, the artist achieves supreme mastery in the compositional construction of the picture, in which the figures of five biblical characters fill almost the entire space of the canvas.
The patronage of the Duke of Colonna helped make Caravaggio’s orders increasingly numerous. Теперь, his creative genius could be fully revealed, and the award to the artist was not long in coming. Despite the painter’s notoriety, Cardinal Shipione Borghese’s nephew received permission from Pope Paul V himself to entrust Caravaggio with the execution of the image of the Madonna for St. Peter’s Basilica.
Absolutely all the Roman painters of that time dreamed of working in this largest cathedral in the world. According to the terms of the contract, it was necessary to decorate the most important altar of the Palafrenieri chapel, one of the most notable families of Italy, which included Pope Paul V. The commission of the cardinals from the church council specifically Caravaggio was an excellent opportunity for the artist to completely restore the damaged reputation and establish his position as one of the best painters of Rome, and all of Italy.
Но, as always, Caravaggio’s obstinacy ruined everything. Despite the advice and warnings, the artist again invites street model Helen as a model. He fulfills the order unusually quickly - all work on the canvas was completed in just three days, after which it was presented to the public.
It was an indescribable collapse of all the ambitions and hopes of the painter. Never before had Caravaggio been able to advance so much in a realistic interpretation of the gospel story and the vitality of the images. As might be expected, most of the public considered the work monstrously vulgar. The Madonna Palafrenieri was categorically rejected by the clergy, and the doors that could open the artist the path to fame and fortune were closed forever. “We do not see anything in this picture except vulgarity, sacrilege, lack of divinity and beauty, ” wrote one of the secretaries of the Cardinals Council. Then, like his rivals:cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano and Giovanni Ballone and others, actively climbed to the top of fame - the Academy of Saint Luke herself, on the way being awarded the honor of receiving a knight’s cross, Caravaggio forever lost the opportunity to be recognized by high society and papal authority.
The painter again goes into all seriouss and soon again finds himself in Torre di Nona prison. Now we are talking about a more serious crime. One of the papal guards was found dead, watching the artist at night - someone broke his head with a stone. The painter tried to prove his innocence:he assured that the stone accidentally fell off the roof just at the moment when this man passed there. But the court rejected this version, and Caravaggio was imprisoned.
The artist was shackled and interrogated for a long time, he was even sentenced to beating with sticks. Perhaps this suffering Caravaggio then reflected on the canvas "Flagellation of Christ", which he will write later in Naples. Friends feared for his life and saw his salvation only in flight.
Caravaggio’s escape from prison was a success, but now he has been blacklisted by the papal police. Neither the artist himself, nor his friends, had any idea how to get rid of the persecution. But the most regrettable is the fact that the artist did not want to learn from his mistakes.
In the harbor of Ripetta on the banks of the Tiber River, Caravaggio again resumed his adventures and fights, periodically hiding in the Palazzo Colonna. May 29, 1606, during a ball game on the Field of Mars, the artist accused Ranuccio Tomassoni of deceiving his partner. This led to a fight. Weapons were launched, as a result, Tomassoni fell dead. The painter was also wounded, but managed to escape.
After this scandal, his friends were detained, and he himself was sentenced to death. В то время, such a sentence meant that every law enforcement officer, anywhere and anytime, upon detection of a fugitive, could execute the sentence.
Caravaggio cried out for help to his patrons, but they were already tired of the endless requests of the artist, who did not want to behave prudently. Weak and sick, the painter had to hide again. He wanted to take refuge in the lands of the Column or in Lacy located outside the Roman limits.
At the age of 35, the painter enters the last period of his life. Rome never promised him wealth, тем не мение, but provided him with the means of subsistence sufficient for the development of his genius. Caravaggio never returned to the Eternal City. Although every minute he hoped for a return, hiding in a secret shelter. The fugitive, poisoned by illness, hatred and the threat of death, begins to write his masterpieces at an incredible, “inhuman” pace. His latest works are filled with passion, grandeur and strength.
Balancing on the brink
Having fled from Rome in May 1606, Caravaggio, who had the glory of one of the best painters of the Eternal City, did not expect pardon, so he preferred to move away from the papal detectives. Without hesitation, he headed to Naples - a large, densely populated city, literally glowing with new ideas, artistic movements and revolutionary spirit.
Здесь, the artist almost immediately receives an order from a wealthy Ragus merchant. Caravaggio creates a large altar image “Madonna with the rosary” for the altar of the Dominican church, which has a second name - “Madonna del Rosario”. This canvas marked the beginning of a new stage in his work.
The finished work caused a conflict between the artist and the Dominican monks, who recognized themselves in the characters depicted on the canvas. This contradicted the traditional concept of religious painting. The painter uses sharp contrasts of chiaroscuro for emphasized volumetric, very material transmission of forms, while the pictorial techniques themselves indicate the artist’s return to his early style of writing.
Как результат, the painting was bought by the painter Louis Finsonius from Bruges. He sent her to Antwerp, where the art association, which included Rubens, Van Balen and Jan Brueghel, acquired it for the Dominican Cathedral for 1800 guilders. In 1781, Joseph II, king of Austria-Hungary, bought it from the monks, having come in complete admiration.
The new order, soon received by Caravaggio, was also not appreciated by the customer. This time, the artist was supposed to write a canvas for the church of Pio Monte della Misericordia. The customer was the head of the city curia. The painter was instructed to create the monumental trans-altar image “Seven Works of Mercy”.
The master decides to combine seven episodes described in the Gospel of Matthew in one canvas. The painting, like the Madonna del Rosario, is distinguished by a Neapolitan style, which was especially pronounced in the character of the characters and the composition. Rich and poor, plebeians and nobles are united in one night scene. A simple woman from the people at the door of the prison breastfeeds the old man:“for I was hungry, and you gave me something to eat” (“Gospel of Matthew”). Nearby, a thin gentleman takes a sword to cut off a piece of cloth from his cloak and cover him with a beggar. The owner of an overnight stay gives a thirsty person a drink, and the latter, like Samson, uses a donkey’s jaw instead of a bowl. Another character in the picture meets the emaciated wanderer and sacrifices his traveling clothing to him. And the last act of mercy captured by Caravaggio is the burial of the deceased.The deceased is carried out from around the corner of the house, a wall hides part of his body.
Opinions of both contemporaries of the artist and critics of our century differ. Someone considers the picture grotesque, someone sees in it the “last flash” of the genius of Caravaggio. But one thing is obvious, this is an unusually highly artistic, masterful work, which had an undeniable influence on Rembrandt, Velazquez and Franz Hals. Ribera directly borrowed from Caravaggio the figures of the wanderer and the host of the inn, for his painting “Five Senses”.
For an eight-month stay in Naples, the artist created two versions of the painting “The Flagellation of Christ”, which became the artistic embodiment of the torture experienced by Caravaggio in Rome. Mina Gregory writes of the first version:"Darkness emphasizes the inner strength of Christ." The scientist Roberto Longi considers this work one of the most amazing in Caravaggio:"Cruelty, ruthlessness, atrocities and infinite fear of God are in conflict with each other."
On both versions of the picture we see the same faces of the tormentors, which suggests the personal vengeance of the artist to the guards of the prison in which he was imprisoned. For several months, the persecuted criminal Caravaggio became the most fruitfully working and famous artist of Naples. Тем не мение, he suddenly leaves the city and heads for Malta.
The reasons for this are unknown. Perhaps Caravaggio found out about papal spies, or maybe decided to become an honorary knight of the Order of Malta. In July 1607, the artist sailed on a ship to La Valletta, the capital of the Knights of St. John of Jerusalem, the noble defenders of the Christian faith from Maghreb pirates and Islam. The Maltese period of Caravaggio’s work was remarkable for its unprecedented fertility. The painter spent less than six months on the island, but all this time, he wrote at an incredible pace, creating a number of works on genre and religious themes. The paintings of this period were very different from everything created by Caravaggio earlier. So much so that for a long time, these canvases were attributed to other authors.
As soon as he arrived in Malta, the artist received an offer to write Jerome for one of the chapels of the Cathedral of San Giovanni dei Cavalieri. The work was incredibly liked by the great master of the order - Alofude Vinyakur. He immediately offers Caravaggio to create the monumental painting “The Beheading of the Head of John the Baptist”.
The canvas "The Beheading of the Head of John the Baptist" has received widespread recognition. Artists from all over Europe specially came to see him. The picture is dominated by light and empty space, the viewer almost physically feels the last convulsions of the body of a decapitated martyr, spread out on the floor with his hands chained behind his back. The executioner seemed to have just raised his sword. Salome holds the cup to receive the head of John. An old woman resembling Magda from Caravaggio’s work “Christ at Emmaus” clutched her head in utter despair. Two prisoners are watching through what is happening in their cell. Pietro Ambrodzhiani writes:"The idea itself is born that the artist conveyed his personal memories in this picture." On the original frame of the work is the coat of arms of Alof de Vignacour.
The painting “The Beheading of the Head of John the Baptist” was the only work signed by Caravaggio. The artist’s autograph can be seen in the bloody trail from the head of the martyr. Perhaps this painter equates himself to the victim. The letter “F” in front of his name means “fra” (“brother”), which means that Caravaggio was already included in the Order of Malta at the end of the painting.
The Grand Master instructs Caravaggio to paint his portrait. The artist willingly began work on "Portrait of Alof de Vignacour". But the painter’s restless disposition did not give him rest. He could not resist making a note of sarcasm, scandal and life itself in a solemn and pathos canvas.
Next to the terrifying look of a knight in archaic armament, Caravaggio portrays a beautiful page carrying a train of his master. The work, revolutionary in terms of its influence, really shocked the church environment. The image of a knight vowing celibacy and his attractive page with a provocative look was incredibly famous.
From this picture he made drawings in his Delacroix albums. Manet also turned to this work while working on the painting “The Child with the Ball” (Metropolitan Museum of Art, New York). Louis XIV bought the “Portrait of Alof de Vignacour” in 1670 for 14, 000 livres. Of course, the picture became the occasion for another scandal.
В то же время, Caravaggio creates his “Sleeping Cupid”, the artistic image of which resembles a child in the “Madonna Palafrenieri”, but this time it is written more modestly:the penumbra hides its floor. These two works again brought to the painter the wrath of those in power. Скоро, the convert “Honorary Knight” was captured, beaten and imprisoned by Sant’Angelo.
The indictment has not been preserved in the archives of the order, but there is other evidence that the "brother of Michelangelo" was convicted in an attempt to seduce the young son of the minister or inspector of the order. The fact that the sentence disappeared may indicate that the clergy tried to hide it. Righteous knights were overcome by anger. In a different version, the artist became a victim of a conspiracy of the brothers of the order, outraged by his “inappropriate” work “Sleeping Cupid”. All this taken together was the reason for the exclusion of the painter from the order “as a spoiled and dishonoring brother”.
Caravaggio managed to escape from prison and move to the island of Sicily. For some time, the painter remained in Syracuse, where he created the painting "Burial of Saint Lucia" for the local church. This was his first order in Sicily.
And here, Caravaggio’s artistic
